DANZACONTEMPORÁNEA

'Animal', de Daniel Abreu. Poesía animal

2011-11-24T11:20:00.000-08:00

Poco podemos decir ya de la Compañía de Daniel Abreu que no se diga y se oiga y se lea. Daniel está en boca de todos y no por ello se ha convertido en una moda efímera en danza contemporánea. Está afianzando ese puesto merecido y luchado.

Como todo trabajo, ejercicio, arte, su obra está evolucionando. Supimos siempre de su poesía en escena, de su poética visual, su sugerencia y provocación desde y hacia el interior de cada uno. Siempre lo vimos, siempre lo disfrutamos. Con 'Animal' nos encontramos en un mundo más abstracto, en una poesía más rodeada de la belleza y la transportación a otros mundos de un Baudelaire. Las flores de Daniel no son del mal, a menos que nosotros queramos que lo sean, porque nunca sus piezas se cierran a interpretaciones y discursos fáciles. Son flores poéticas y difíciles, sí, pero hermosas, que pasionalmente nos punzan la vista y nos arrebatan la calma del asiento, mientras esbozamos una sonrisa o abrimos levemente la boca.

Quizás se guiñe a la evolución primate del hombre, a los vaivenes orgánicos de un ser en movimiento y en evolución, muy primario y rudo, pero hermoso de inocencia. Quizás se nos muestren las dualidades de géneros y caracteres, de superficialidades frente a naturalidades. Lo material y lo natural, las contradicciones del hombre... Quizás... Quizás ni esto ni lo otro.

Da igual, con Daniel todo esto da igual. Asistimos atónitos a movimientos más que animales, superdotados, con retorcidos engarces con los mismos cuerpos y con los del resto de los bailarines. Se engarzan como una joya perfecta, pero no fría, no, muy muy suave. Nos conmovemos con desnudos inevitablemente justificados, animales y sinceros, sin nada que objetar, sin nada que añadir, son cuerpos, son piel, es pelo, es aliento, es naturaleza.

La lentitud, la suavidad nuevamente y como nunca son un regalo. No cuesta en esta escena ese ascenso tan sumamente tierno por las escaleras corporales de una Anuska cada día más grande, no cuestan los balanceos perfectos, no tiemblan. Nada tiembla, nada cuesta en estos escenarios de Daniel Abreu.

Elegantes todos ellos caminan diferente. Olvidan, y lo aplaudo, la necesidad de mostrarse del bailarín, de caminar como tal, mostrar y abrir mirada y pecho. No les hace falta. Lo que importa es la verdad del espectáculo y caminan y descansan con los hombros caídos y salen de escena en silencio y mirando abajo, pero dejando la huella de la gran presencia sobre el suelo.

Me maravillan las imágenes de árboles colgando y posibles piedras en el suelo, como si estuviéramos en un mundo girado y el suelo fueran estrellas. Entra una Dácil enorme, grande, majestuosa que invade y se apropia con gran interpretación y con sus plumas de la escena. Y siempre imágenes.

Tras removernos ansiosos con escenas enérgicas, nos calman secuencias de repeticiones cíclicas: un hombre pasa continuamente a cuatro patas, primitivo, al fondo del escenario; dos hombres, de nuevo desnudos, se balancean durante varios minutos. Entro en trance, me relajan las repeticiones y me dejo llevar por sus consecuencias espirituales. Estos son los ejemplos del necesario ritmo en una pieza: lo rápido, lo lento, la dosificación de lo único dentro de períodos de insistencia en un movimiento, y un golpe de efecto, unas lentejuelas, unos gritos, unas palabras... Y todo ello con una, como siempre, música escogidísima y compañía de esta dosificación perfecta de tiempos.

Esta vez perdí el mensaje, intuyo guías de una historia inacabada, pero no me importa. La poesía no busca la comprensión. Quizás mi pega está en un final corto, un final que nos arrebató más. ¿Ya? No sé si queríamos más por disfrutar o que el final no hizo justicia al resto de la obra. Como me faltó un Daniel más desarrollado de cuyos movimientos únicos me encanta disfrutar. Pero ésta es otra pieza, es otra cosa, y me dejo llevar por la propuesta.

Esto es poesía y me da igual, es poesía animal y yo quisiera ser un felino más y acurrucarme entre esos versos del movimiento.

Gracias, de nuevo, Daniel por crear así.

Animal (Cia Daniel Abreu) from l-anou on Vimeo.

Texto: Nerea Aguilar

Novedades Costa Contemporánea

2011-06-11T03:22:00.000-07:00

Ya tenemos la nueva web de Costa Contemporánea, el encuentro de danza y artes escénicas en el Cabo de Gata.
A falta de algunos detalles, aparece la información de los cursos de este año (danza, teatro y música), los artistas invitados (todavía tenemos que incluir alguno más), etc.

Actualmente nos encontramos en la fase de producción y búsqueda de financiación. Estamos trabajando muy duro para que nuestros alumnos reciban la mayor calidad en enseñanza, así como los visitantes en las actividades y espectáculos. Sin embargo, en los tiempos que corren es difícil conseguir ayudas económicas. Por ello nos hemos apuntado a la nueva modalidad crowdfounding. La plataforma Lánzanos ha aceptado nuestro proyecto y ahora mismo está abierto el plazo para aportar ayudas. Hemos diseñado unas recompensas lo más atractivas que hemos podido, ya que necesitamos como agua de mayo cualquier aportación.

Asimismo, estamos abiertos a cualquier otra propuesta de patrocinio que se salga de las indicadas en Lánzanos que sirvan para potenciar tu negocio y ayudar nos en nuestro camino.

Cualquier persona particular, empresa o institución puede contribuir. Se lo agradeceremos eternamente.

Para información concreta sobre todo ello, visita http://www.costacontemporanea.es/

- Taller de danza con Daniel Abreu y Chevi Muraday

- Taller de teatro con El Pont Flotant

- Taller de Ableton Live, con Davic Nod (creación y composición musical)

Costa Contemporánea

2011-01-28T03:33:00.001-08:00

Poema Sinfónico n.º 2, de Anabel Veloso

2010-10-31T11:03:00.000-07:00

Ayer estuvimos en el estreno de la última obra de Anabel Veloso en el Teatro Auditorio de Roquetas de Mar, Almería.

A Anabel Veloso y Alberto Ruiz ya nos sentimos unidos. Los sentimos compañeros de batallas y luchas y los sentimos cerca porque participaron en Costa Contemporánea, ofreciendo un fragmento de Poema Sinfónico n.º 2, además de su apoyo, sonrisa y ánimos para el proyecto, y porque son buena gente, muy buena, y te dan ganas de abrazarlos continuamente.

Son divertidos, muy divertidos, sencillos, generosos, alegres, pero sobre todo artistas. Queremos seguir de cerca sus duras empresas, sus desasosiegos e ilusiones y triunfos, con una caña entre manos y risas que quiten hierro a las barreras, y con la ayuda que necesiten. Porque creemos en su trabajo, y ayer constatamos que nuestro apoyo, el que espero que podamos seguir dándoles, no puede tener límite. Constatamos que merece la pena apostar por ellos, merece la pena que su obra se vuelva a representar, que tengan la oportunidad de volver a lucir su elegancia en un escenario, que se les reconozca el esfuerzo y el arte que van desplegando allí donde van.

Poema Sinfónico n.º 2 es una obra ambiciosa. A Anabel no le frenan los juegos al despiste ni los regateos económicos de ciertas personas e instituciones. No, ella se siente en la obligación de ser fiel a sus ideas artísticas y arrasa en medios y despliegues, en vestuario, músicos, escenografía... Su obra no es una obra cualquiera, ninguna lo es, son obras cuidadas en bambalinas, rieles, cables, atrezzo, medios, por meses y meses de duro trabajo.

Un director (el maestro Javier Latorre) se encuentra la escena de su orquesta abandonada. Ante tal sensación surgen los recuerdos de su pasado. Pero sobre todo presencia la vida que aquellos instrumentos abandonados van tomando en el cuerpo de los bailaores Anabel y Alberto. Un piano de teclas se vuelve orgánico y Anabel contonea su figura al toque que sugieren las manos de Alberto. Luego llegarán los cellos, la carpa... Son instrumentos que cobran vida, la excusa coreográfica para mostrar su baile más personal.

No nos aburrimos porque esperamos el próximo instrumento y nos sorprendemos ante la imagen de dos arpas, el instrumento y Anabel con un hermoso traje cuyos flecos evocan las cuerdas del arpa. No nos aburrimos porque escuchamos el cante de Gema Caballero en directo, porque vemos a Fred Astaire y su irrepetible danza y a un Alberto que al unísono agita el bastón y se mueve rápido pero personal y flamenco. No quitamos la mirada porque reaparece Javier Latorre a revisar su orquesta, a levantar las telas que guardan del polvo a sus instrumentos, a evocar sus recuerdos de éxito y disfrute escénico. Y entonces una tela ha dividido el escenario, y la iluminación cobra importancia y la escena parece más pequeña, cuando a ritmo de guitarra y percusiones, se ilumina la parte trasera y Anabel y Alberto aparecen detrás del tapiz para bailar, en penumbra, como entre recuerdos del maestro, junto a él, con cuidado y fuerza a la vez.

Si además no sólo nos dejamos llevar por el hilo de la obra, sus sorpresas y juegos de imágenes, metáforas, evocaciones, alusiones a otras obras, a otros artistas, a otras épocas, sino que frenamos nuestra ansiedad como espectadores y nos dejamos llevar por cada salida a escena de los bailaores, entonces, descubrimos lo fácil que nos lo está haciendo Anabel.

Porque sus coreografías son distintas, tienen una marca especial, muy personal. Su baile, sobre todo el de Alberto y Anabel, es el baile de lo bien aprendido y bien reinterpretado.

En danza, en cualquier tipo de danza, es fundamental el ritmo. Y Anabel y Alberto saben darle ese ritmo que engancha y que hace disfrutar. Empiezan suaves, lentos, entreteniéndose en las posibilidades de sus brazos, en la belleza de las imágenes que crean y de la comunicación que emana de ambos. Muestran despacito sus posibilidades, como a cámara lenta. Siento que me dicen, sin querer decirlo, que no tienen prisa en mostrar sus fantásticos y rápidos zapateados, porque su baile es el de dosificar para disfrutar y hacer disfrutar, y, sí, así nos quedamos embobados en sus giros lentos, en sus brazos y pechos abiertos y grandes. Todo lo que sabe Anabel lo ha digerido con un arte calmado y tan elegante que hace que cuando llegan al zapateado rápido, ese que tanto nos sorprende a los ignorantes del flamenco, hagamos la digestión de la comida más placentera, la que empieza poco a poco y parece que nos deja con ganas y entonces nos sorprenden los ingredientes acelerados, fuertes e intensos. Así sí, así se puede regodear desde el principio el espectador con todo lo que nos ofrecen.

Además de la emoción que sus gestos, sus imágenes, su sensible utilización de los tiempos y espacios escénicos transmiten, además me doy cuenta, y disfruto enormemente de ello, de que la concepción de Anabel del baile es profundamente innovadora.

No nos ha querido sorprender a la primera con las virguerías que pueden acabar aburriendo a los diez minutos; se hace dueña de los tiempos, las músicas y el espacio de manera ambiciosa y natural. Sólo son dos y a veces tres bailaores, pero parecen muchos más porque a diferencia de otros artistas gestiona las posibilidades escénicas y espaciales sin miramientos.

Y la modernidad no sólo reside en la utilización de estos recursos bien aprendidos y bien reinterpretados, sino que la vemos también en sus propios pasos. Y ahí mi emoción, como danzarina de danza contemporánea, se ve doblemente recompensada. Anabel es una bailaora muy contemporánea. Sé que ha tomado clases de esta disciplina, pero lo más importante es ver la capacidad que tiene de fusionarlo (dejando de lado las manidas fusiones del flamenco y el contemporáneo) de una manera tan tan natural. Y me encantan sus brazos que sorprenden porque acaban contemporáneos, que luego vuelven a abrirse tan flamencos y hermosos, pero que se frenan o bajan en seco para girar casi con el pie en flex, o cómo utiliza una segunda, una ondulación del pecho o un cambré para ser la más flamenca o la más hermosa contemporánea.

Mucho gusto, mucho estilo, mucha elegancia, mucha inteligencia es lo que hace falta para que esta unión de ingredientes no hubiera producido un espectáculo abarrotado y hasta agobiante, lleno de elementos, recursos, referencias, pasos de todo tipo y origen. La clave está en esa elegancia y buen arte, que cuando se envuelven en un sabio uso del tempo y un gusto calmo y lleno de goce es cuando se consigue que una obra, sea corta o larga, tenga dos o veinte bailarines, enganche de las tripas al espectador.

Si queremos poner alguna pega, que para mí no las hay, sería que tal vez vi que podían dar más de sí. Seguramente el cansancio acumulado, algunas preocupaciones y el compromiso que llevaban a cuestas hicieron que esos momentos que de verdad saben atrapar no fueran aún más hermosos y grandes.

Y esta pega tiene una solución, que se reconozca más su trabajo, que actúen de nuevo y que se apoyen de cabo a rabo sus producciones, y entonces sí, sólo se dediquen a bailar con esa pasión con la que tienen que bailar, lo que les mueve y les hace estar en la cima del arte con mayúsculas. El arte hecho con pasión y sinceridad. Ellos tienen eso y mucho más, y lo que les falta les llegará, estamos seguros.

Fotografías: Pollobarba

www.pollobarba.es

La revista Ajícara

2010-08-28T04:26:00.000-07:00

"Ajícara cumple su primer año de vida y el equipo al completo lo vive con la firme convicción de convertir esta revista en una plataforma mucho más dinámica, más reivindicativa y moderna" (Sara Molina, directora de contenidos)

Así hablan Sara y David, con ilusión, entusiasmo, con ideas que se agolpan en sus cabezas, con proyectos a medio y largo plazo, con ambiciones posibles aunque difíciles, con el peso del trabajo a sus espaldas, con lo más duro de los inicios ahora macerado con el azúcar de la satisfacción y el deseo de seguir con y para la cultura.

Costa Contemporánea se siente cerca de su trayectoria y sus aspiraciones. Se siente cerca porque ambos movemos nuestros proyectos con la misma pasión, desde la nada prácticamente, tras un viaje de llegada desde las grandes ciudades hasta el campo almeriense y con la convicción casi total, a pesar de los riesgos evidentes, de que incluir, apoyar, fomentar, crear, acercar... la cultura a la provincia de Almería es posible.

Almería, esa pequeña olvidada por sus mismos actores, esa en la que ni siquiera las administraciones le confían la capacidad de estar preparada y abierta a la cultura. Sin embargo, algunos, los que llegamos de fuera y los que están luchando dentro, nos negamos a ello. Nos negamos y lo intentamos. Ajícara se la rifan los ciudadanos, la conocen, la piden y se alegran de tenerla en sus manos. Y Ajícara es cultura, y, por lo tanto, los almerienses necesitan que les llegue la cultura al mismo nivel que los que nos movemos en ella necesitamos ver que la tienen accesible.

Así, en un año la revista Ajícara se ha consolidado entre los medios de comunicación de la zona como la única y más valiosa herramienta de comunicación cultural, el más sincero y cuidado material de los mismos habitantes de Almería, el lugar, el foro de conexión de los que queremos a la provincia y confiamos en ella. Sus contenidos, su trabajo, su autoexigencia, el mimo y la dura dedicación, incluso los disgustos, todo está en esas publicaciones bimensuales, todo maquetado con la pasión que se huele al pasar las páginas, que se percibe por el tacto cuando leemos a sus colaboradores.

Y Ajícara se vuelca con nuestro proyecto. Evidente. Para ellos no hay dudas, cómo no apoyar proyectos que desean fomentar la cultura en Almería. Para ellos es lógico, como para nosotros seguir a su lado y ayudarles también en su permanencia y crecimiento. Apuestan por nosotros, apuestan por lo que puede ser un proyecto más grande, no sólo un curso intensivo, sino un proyecto grande en las actividades, en los participantes, en los anhelos y objetivos.

Como el nuestro, el suyo empezó y continúa gracias a la ayuda de los colaboradores más generosos, no los olvidemos, que creen en ideas, en las grandes ideas. Sin esos colaboradores ni Ajícara ni nosotros iríamos por estos caminos tan prometedores.

Y en todos estos viajes creativos y de proyectos por fin nos vamos encontrando algunos y por fin podemos sonreír porque somos más, aunque dispersos, los que nos movemos por las mismas cosas. Nos encontramos, sonreímos porque nos parecemos, nos animamos los unos a los otros, le damos vueltas y pensamos constantemente en las posibilidades, y de nuevo nos damos cuenta de que existen posibilidades más allá de los límites que creemos ver. Sólo hay que tener ideas, sólo hay que creer en la cultura, sólo hay que moverse con pasión, como cuando danzamos, como cuando escribimos, como cuando creamos...

En Costa Contemporánea estamos felices de saber que aquí, sí, entre pitas, aloes, cactus y chicharras, hay gente que se mueve como nosotros con esa pasión de creer en sus ideas y luchar por ellas. Las grandes ideas son las que mueven el mundo. Y las nuestras, las de Ajícara y las de Costa Contemporánea, son grandes porque las hacemos con pasión, mucho mimo, mucho trabajo y mucha ilusión. Y Costa Contemporánea además hoy ha crecido unos centímetros al encontrarse con la más alta del grupo, con Ajícara.

Hoy queremos mover el mundo, hoy queremos mover nuestros pequeños mundos, hoy queremos más cultura.

Anabel Veloso. Entrevista a esta bailaora almeriense, nacida del mar

Presentación del trabajo en residencia de Michelle Man

2010-07-16T09:38:00.000-07:00

El sábado 17 tendrá lugar en la Nave del Duende la muestra de la primera fase del trabajo en residencia de Michelle Man.
Hora: 22.00
Lugar: La Nave del Duende

Coreografía: Michelle Man

Composición musical: Fran MM Cabeza de Vaca

Bailarinas: Carolina Blutrach Jelín, Iris Muñoz García, Libertad González Abad, Aiala Etxegarai Mendiguren, Michelle Man

Escenografía: Elena Pérez Garrigues y Daniel Blanco Cohen - NINOM

Vestuario: Irene Cantero

Iluminación: Michelle Man

Escritora visitante al proceso de creación: Nerea Aguilar Sanz

Estamos ante la primera fase del trabajo creativo de 15 días del proyecto TENT. Por primera vez Michelle Man ha podido llevar a cabo un trabajo en residencia en compañía y de estas magnitudes, en la Nave del Duende. Quince días de convivencia, trabajo, creación y profundización en las claves que cada disciplina debía aportar al proyecto.
Este proceso culmina en la muestra de una pieza que será reflejo del trabajo de indagación en el lenguaje corporal y su relación con la música, así como con la escenografía y el vestuario, en caminos de ida y vuelta. Así, se trata de la muestra de un trabajo coral en el que el músico, la coreógrafa, los bailarines y los arquitectos han ido creando en común, se han dejado contagiar por las distintas propuestas, para llegar a una pieza que refleja la evolución de un trabajo absolutamente rico, fruto de una esfera de intercambio y comunicación.

Nuevas fechas en Costa Contemporánea

2010-06-15T02:34:00.001-07:00

Foto: Pollobarba

Cambiamos las fechas de Costa Contemporánea para que quienes quieran asistir lo tengan más fácil:

Puente de octubre: 9-12 de octubre, llegada el 8.
Más información, inscripciones y dudas en la página oficial.

Estreno web Costa Contemporánea

2010-05-31T03:13:00.000-07:00

Ya tenemos una página web para Costa Contemporánea

Ya se ha abierto el plazo de inscripción, reserva tu plaza.

Bienvenido a tus vacaciones en danza.

Fotografía: Pollobarba

Wim Vandekeybus y Pascal Magnin

2010-05-26T12:02:00.000-07:00

Ya sabemos que la danza contemporánea sufre sólo de los límites que le queramos poner, por lo que por lo tanto son relativos. Uno de los límites que cada vez supera mejor, y de cuya superación sale tan fortalecida, es el del espacio.

Se bailan las calles, las bibliotecas, los museos, los semáforos y hasta la playa...

Wim Vandekeybus realizó en 2005 esta hermosa película danzada. Belleza y perfección hasta sobre la erosiva arena de playa de su Última vez.
Fantásticos como siempre los bailarines, pero sobre todo la hermosura de algunas imágenes, las que nos da una película en la que se demuestra, una vez más, que se puede bailar casi todo.

O la película Dance for camera, de Pascal Magnin, y sus danzas en el campo y en el agua:

Sara Román en Provisional Danza

2010-05-20T10:51:00.000-07:00

Me topo con esta bella mujer y aún más preciosa bailarina en unas fotos de Miguel Ángel García de una coreografía de Provisional Danza.

La conocí en la escuela de Carmen Senra. Hay gente que verdaderamente nace con un don para la danza. Casi no tenía experiencia a sus espaldas ni siquiera en clásico, y se manejaba como pez en el agua entre los movimientos fluidos, la relajación de la cabeza, la precisión técnica...

Anuska Alonso, de la que he hablado antes aquí, y Sara me hacían sentirme dentro de una puesta en escena en cada clase. Sobre todo porque se veía claramente su potencial. Anuska es ya muy grande, y me alegra que Sara esté con Carmen Werner, que esté a la vista.

Ahora sólo espero verla en directo y confirmar mis predicciones de hace tantos años ya.

Costa contemporánea. Curso intensivo octubre

2010-05-19T02:33:00.001-07:00

Ya está en marcha el curso intensivo de danza contemporánea Costa contemporánea que estamos organizando en la costa de Almería para octubre de 2010. Los detalles se irán mostrando en el blog costacontemporanea.blogspot.com.

Un taller de danza de cuatro días con Michelle Man y Guillermo Weickert, de investigación, creación, actuaciones, espectáculos y vacaciones, con alojamiento y desayuno incluidos en el paraje natural del cañón del río Aguas.

Líneas en movimiento. Luis Martínez

2010-04-16T03:25:00.000-07:00

En esta ocasión nos acercamos al arte gracias a uno de los mayores ilustres visitantes de este blog, Luis Martínez.

Y debemos acercarnos más cuando vayamos a la inauguración de su exposición:

Jueves, 22 de abril
Galería María Correas
Padilla, 1
28006 Madrid

Las líneas para mí son la mayor expresión del movimiento. El punto se queda atrás (pero presente en su pasado) y la fuerza, impulso, energía, atracción, etc. se hacen presentes, parecen querer decír aquí estamos y nos mostramos porque nos movemos, porque estamos dejando huellas gracias a nuestro movimiento.

Un movimiento apoyado a veces por el color, que ofrece sombras y fondos y espacios. Ofrece planos, distintos planos en los que de nuevo imaginamos al hombre en movimiento porque nos podríamos desplazar por ellos.

Una bella obra al alcance de nuestra vista, al alcance de nuestra humilde percepción. No necesitamos más, porque se muevan o no las líneas de Luis Martínez, se atraigan o no los puntos de su arte y se solapen o no los planos en sus obras, todo eso al final nos da igual porque lo que importa es lo que nos mueva a nosotros, y porque "Tanto menos se goza de las obras de arte cuanto más se entiende de ellas" (Adorno).

Y yo no entiendo nada, yo percibo y siento.

Yo no entiendo, pero me gusta el arte de Luis Martínez.

De vuelta al cuerpo y la mente: yoga Iyengar

2010-03-17T10:48:00.000-07:00

Tras unos meses de ausencia, en los que el cambio de residencia, de ritmos, de mentalidad, etc. han hecho que me silencie en exceso. Tras haber ejercitado mi danza sólo de manera intensiva con el objetivo de prepararla para las actuaciones del Día de la Mujer. Tras decidir que no puedo dejarme de lado aunque alimente mi cuerpo y espíritu ahora que vivo en un lugar más saludable. Tras todo ello, he vuelto a mi cuerpo y mente tomando clases. De momento comienzo con el yoga Iyengar.

Es un placer verme de nuevo ante un profesor, rodeada de alumnos en silencio que escuchan y aprenden. Es un placer dejarse llevar por las indicaciones, que te entran por los oídos y que recibe tu cuerpo. Es un placer moverse y conocerse a uno mismo en el movimiento, en la respiración, en la fuerza, en la constancia, en la lucha, en la búsqueda de la serenidad.

El yoga Iyengar, siempre recomendado para bailarines, es muy duro físicamente. Con eso ya me engancha, por mi perseverancia en el perfeccionismo y en la lucha por mejorar cualquier cosa que considero necesaria para mi bien. Es un ejercicio difícil porque conjuga muchas cosas, porque te lleva a límites insospechados, a los que es posible llegar gracias a una relajación y confianza, una meditación difíciles también de alcanzar. Duelen algunas posturas, duele rotar la cadera en sentidos opuestos porque cada pierna debe tirar a un lado. Duele sacar el pecho, proyectarlo mientras realizas una postura aparentemente incómoda. Duele pero gusta.

Gusta porque quien te sabe dar bien una clase inspira la confianza y la paz que necesitas, porque confías en que en ese ambiente de calma tu cuerpo está más receptivo a lo que le pidas.
Me gusta porque me miro con los ojos del cuerpo sin espejo, y aún no me encuentro, aún no saben mirar mis ojos y ser conscientes de que estoy bien colocada, porque lograr esa conciencia corporal requiere su tiempo.

Me gusta porque es un reto a mi necesidad de ejercicios dinámicos y activos, por lo que me gusta buscarme en situaciones de paciencia, calma y resistencia. Me gusta investigar en mi cuerpo y sentir todas sus partes, los hombros, los abductores, la cadera, los omóplatos, y, aunque no me lo indiquen, seguir buscando, seguir alargando, seguir estirando, seguir llenando el cuerpo, seguir respirando, y cada vez que respiro buscarme dentro. Porque mis retos están en tantas partes que sentirme que los busco poco a poco me llena de placer.

Necesitaba una clase, necesitaba sentirme en cuerpo, como dice Michelle, que para mí también significa sentirme en mente, algo muy ligado al yoga, donde van tan unidos ambos polos.

No sé si llegaré a las inquietantes posturas de esta disciplina, no sé si conseguiré hacerlas sin esfuerzo, o troncharme flexiblemente respirando y gestualizando la calma. Pero sé que desde mi inexperiencia y humildad, abriré esos ojos corporales para llenar lo físico de mente abierta y deseosa de aprender algo tan complicado y hermoso a la vez.

Fortaleceré mis músculos, seguro, flexibilizaré mi dura constitución, respiraré mejor y viviré más acorde con esta etapa de calma, en mente y cuerpo.

Me falta bailar, aquí es difícil. Necesito bailar, pero sabía que para empezar, y mientras encuentro cómo, el yoga me daría paz y ejercicio necesarios como para afrontar mi vuelta al trabajo constante de la danza. Mientras, aprendo y disfruto del yoga Iyengar.

La filosofía de las mudanzas

2009-10-12T02:15:00.000-07:00

Hacer cajas, tirar, deshacerse de cosas que creías imprescindibles y descubrir otras que guardaste sin darte cuenta y, ahora, cobran más importancia.

En todo ese vaivén de recuerdos, papelajos, ropas del pasado y anotaciones sin sentido, me he encontrado con unas anotaciones sobre la lectura del libro de Salvador Pániker, Asimetrías. Pániker filosofa lo cotidiano en un ir y venir del nihilismo al positivismo, una posmodernidad de pensamientos y lugares comunes. Cosas que todos pensamos en algún momento y que yo recogí hace tiempo parecen ahora premonición a mis cambios actuales.

Son interesantes, pues, las anotaciones sobre la identidad, tan relativa. Esa identidad que sin darnos cuenta buscamos como marca para diferenciarnos del resto. Buscamos reafirmar lo que creemos ser con ese "soy así...". Pero el hacerlo acaba eliminando lo que soy hoy, porque lo que soy, lo que siento hoy será distinto mañana.

Es curioso ver en cuanto a la identidad cómo nos definimos en un espacio y un tiempo concretos, rodeados de ciertas cosas como la ciudad o la gente. Y nos cuesta salir de ello, porque creemos abandonar nuestra identidad, pero, incluso si traspasamos esas barreras conocidas, en otro espacio y tiempo distintos, arrastraremos el rastro de lo vivido. No hay que tener miedo, entonces.

Si pensamos que además hoy el concepto de identidad queda definido por lo que tenemos, por lo que consumimos, los perfiles son aún más difusos. Nuestra identidad se define por lo que poseemos y por la comodidad de lo conocido. Nos cuesta salir de situaciones incómodas porque en la repetición de esas incomodidades también acabamos sintiéndonos a gusto. Tengo esto, trabajo en esto otro, tengo esta novia, estos amigos, cojo el coche, pago el piso... aunque todo ello nos produzca angustia. Incluso en esa repetición algunos dicen ser felices, o tal vez lo consigan. Proclaman serlo y estar definidos.

Deberíamos aprovechar esos malestares (nunca con autocomplacencia) para hacer una revolución identitaria y así desclasificarnos a nosotros mismos y de los demás.

Hacer una revolución desde fuera y dentro de lo cotidiano, sea en la forma que sea. Lo que siempre fue intocable, permanecerá igual porque sobrevivirá lo que nos construye, pero ya nos habremos desclasificado, y para ello hay que cuestionarse esa libertad fundada en un dolor autoinflingido para evitar la autocomplacencia. Y es que cuanto más autocomplacido está un sujeto con su identidad, más cerrado e intolerante es con los demás y el mundo que le rodea o las posibilidades que se le abren.

Una lucha por la emanciapación del ser que se base en no tener miedo a la no identidad.

Be my friend

2009-10-10T10:15:00.000-07:00

http://www.youtube.com/watch?v=wbP0c9TZfzM

Imágenes en movimiento, fotografías, amigos, movimiento del presente, del pasado, del futuro, movimiento, siempre en movimiento.

Breathe me,

I'm small

I need it

be my friend

...

Olga

2009-10-09T11:18:00.000-07:00

Foto: José Ignacio Vidal: http://www.flickr.com/photos/pollobarba/

Te conocí en Carmen Senra. En clase, discreta, en el vestuario, cercana y alegre, siempre alegre. Trabajamos juntas, nos acercamos a la creación temprana juntas, mientras tú empezabas un camino laboral que coincidía casualmente con el mío. Y nos fuimos conociendo, con el tupper en la Senra mientras ensayábamos. Clases y más clases, y nos distanciamos un tiempo. Costaba verse, tomar una cerveza, pero, ¡sí!, conseguimos retomarnos en la danza y la amistad, sí, conseguí ver más a menudo esa sonrisa, sentir esos abrazos largos que das, conseguimos bailar juntas de nuevo, divertirnos juntas, reír, ser cómplices, contarnos nuestras cosas, recibir clases, dialogar... Tus consejos, tus correcciones, tus análisis, siempre tan ciertos y tan respetuosos. Debes saber que escucharte es un placer, es un aprendizaje y es dormir tranquilo, por ser escuchado y analizado en positivo.

Y conseguí volver a verte bailar.

Desde el principio te he dicho lo mismo: créetelo, muéstrate, ábrete, entrégate, eres la mejor, demuéstralo en escena, en un casting, que se crean que eres la mejor porque tú te lo creas, levanta la mirada, abre pecho, eres la leche, créetelo. Siempre lo dije, pero veo que lo vas haciendo, y ganas tanto... Sabes que tu calidad de movimiento es única, que mueves el aire con los brazos, que eres precisa con la técnica, que pacificas con el movimiento como lo hacen tu compañía, tus observaciones, tus diálogos. Pero dale fuerza, enfádate si hace falta en el escenario, arriesga, rómpete, sé pasional.

Ay, pero me pacifica tanto tu presencia, y lo sabes, me serena tanto tu delicadeza bailando... Es que verte bailar es ver a alguien que respeta algo, que respeta, pero que, agrandando los movimientos como tú haces, busca también disfrutarlos, busca apoderarse de ese tiempo-espacio danzado.

Y ahí estamos tú y yo en la foto. Tú me miras y yo soy consciente y te tiendo un reojo. Tus manos me gusta cómo bailan porque palpan el aire, porque tienen vida, nunca mueren, y ahí abro mi mano y mi pecho para dirigirme a ti que me llamas con esa mirada serena, pero que me dice te necesito, que me dice que vaya, con confianza y tranquilidad.

Cuando no sepas si ir o venir, cuando dudes si dejar o tomar un camino, cuando quieras más de esto y menos de lo otro, cuando, cuando, cuando..., búscame sin reparos, búscame con tus inseguridades o tus alegrías, tus ganas de hablar sabia, tus flaquezas y fuerzas, con todo. Quiero seguir escuchando tu voz al otro lado que diga "pequeñaaaaa", para compartir ideas y carcajadas. Y, por favor, búscame para verte bailar o bailar contigo, porque tu presencia en un proceso escénico se me hace absolutamente necesaria.

Y para hoy: pasión. Estaré ahí para querer tu danza y quererte a ti a partir de ella.

Te quiere,
Nerea

Noelia

2009-10-09T11:16:00.001-07:00

Foto: José Ignacio Vidal: http://www.flickr.com/photos/pollobarba/
Aquí estamos las dos, en la Noche en Blanco. Qué gusto, Noe...

"Me gustan tus ojos...". Ésta fue una de las frases que me enamoró de ti cuando hicimos aquella pieza. Me enamoró, a mí y a todos, tu forma de decirla, de expresarla, de pestañearla, moviendo las manos, avergonzada y picarona.
Tus ojos grandes, dispuestos a observar, aprender, absorber, escuchar. Y como con los ojos te expresas con muchas otras partes de ti. Dices que te cuesta expresarte con la palabra y cierras la voz por si acaso, sin darte cuenta de que ya expresas con muchas otras cosas tuyas. No tengas miedo, porque si eres capaz de transmitir con todo tu cuerpo tanto como transmites, la voz, la palabra, es un órgano más, déjalo fluir como fluyes el movimiento.
Encandilas con tu mirada, tus manos bellas y tus brazos fuertes, tu ritmo absolutamente dinámico, enérgico y adecuado, tu fluir natural, como un animal, fuerte pero adaptado al medio, flexible y generoso con el espacio que lo rodea, con el suelo, con la piel del otro, con el espacio que abres con la mirada.
Noelia, expresas tanto con el cuerpo, eres tan potente, tan generosa bailando que debemos pedirte más porque atrapas con tu derroche de energía y tu entrega y disfrute, sin llegar nunca a la exageración. Te pido más.

Y además eres tú, tú en tu planeta. Así de tierna, allí en tu mundito, que resulta curioso verte leona en escena. Tu planeta de pensamientos a solas, de reflexiones varias, estoy segura de que llevas al suelo de una clase o de un escenario. Allí lo llevas todo, y es tu medio, querida felina, es tu selva, tu jungla particular, donde pisas segura, aunque camines por la ciudad de otra forma, ahí, bailando, pisas suave y con peso, sigilosa y contundente a la vez. Pisas retozando, jugando, riendo, peleando, suspendiendo, bailando, bailando, bailando...

Es un absoluto placer verte en movimiento, escucharte a través de tu cuerpo, de tus músculos perfectos. Me llegan tanto tus planetitas mentales cuando bailas, tus mundos interiores, contradictorios, pero realmente tuyos y tan personales, que no dejaría de verte bailar.

Y sé que allí en tu planeta de animales y pensamientos varios me has hecho un hueco. Y sé que sin muchas palabras nos entendemos hermosamente, con miradas y con formas de entender la danza casi idénticas, con formas de entender el movimiento y la escena, el proceso creativo. ¿Lo ves? Transmites tanto con todo tu ser que sólo te falta, felina mía, dar un paso, y como una leoparda atreverte más con todo, sea la palabra o lo que quieras en la vida y en la danza. Tienes un arma de comunicación tan potente que debes explotarlo y creer en él, en ti, en lo hermosísima que bailas, lo fantástica que miras, lo sugerente que te mueves. Llegas, Noe, llegas mucho.

A mí me has llegado desde el primer día y me fuiste enamorando con tu proceso, con tu avanzar en la danza, con tu cada vez más arrolladora entrega a ella. Me tienes encandilada con tu forma de expresión, tu jungla y tus planetas, tu mundo difícil de conocer pero cercano, primario, animal, sensitivo. Me llegas y llegas a todos.

Si me pestañeas con esos ojos y mueves esos brazos, me tendrás siempre en tu planeta para verte bailar entre los árboles de tu jungla.

Te quiere mucho,
Nerea

Hasta pronto, Michelle

2009-10-09T10:39:00.000-07:00

Sé que te gusta esta foto, y no me extraña. No la pongo sólo porque te gusta, sino porque están tus brazos, tu mirada, tu danza...
Te escribo porque sé que te gusta leerme, leerme de danza, hablar de danza. Te escribo también porque te lo mereces, te lo quería regalar y porque quiero hacerlo. Desde aquí te quiero hablar un poco más de lo que te he hablado, como he podido, con mi cuerpo y con mis palabras, con un café o una tónica delante...

No me equivoco si digo que soy más danzarina, como a ti te gusta llamarnos, desde que entraste en mi vida los martes y jueves. La danza contemporánea que vivo desde que empecé a recibir tus clases es diferente. Lo he dicho aquí más veces y lo recalco. Cualquier persona que tome contacto con tu pedagogía y tu danza, que sea mínimamente sensible, aprende sobre sí mismo, sobre su cuerpo, su mirada, su soltura ante la vida y el movimiento, su actitud en escena, su actitud ante la vida, siempre gozándola, siempre exigiéndose desde el disfrute. Si alguien no explora esas capas que propones desgraciadamente se está perdiendo algo inusual: la generosidad absoluta de tu entrega por y para la danza, la danza humana. Se está perdiendo acceder a la danza individual y colectiva a través de los sentidos más palpables, los físicos, y los más profundos, los de la esencia de cada uno.

Yo sé que a alguna de esas capas he llegado. Y si no lo he hecho, el reto de acercarme es casi tan importante como saborear cada uno de sus matices. Eso es, saborear. Saboreas la danza y saboreas a la gente, y, por tanto, tu gente la saborea también. Aprendes de ella también porque eres sencilla y generosa, abierta y respetuosa, y lo que ofreces lo haces desde el sentimiento puro de amar algo con coherencia. Haces saborear gracias a tu sinceridad y coherencia ante la danza y la vida, haces que intuyamos tus propuestas hasta el punto de que nos las llevamos con nosotros, dejan un poso bien densito, pero bien sabroso, un poso que amasamos con el nuestro para crearnos a nosotros mismos como danzarines o como sentidores de la danza, como palpitadores del cuerpo, como intuidores de los estímulos. Dejas un poso sereno y pacificador, gracias al cual, con esa confianza que depositas en nosotros, es imposible no relajarse y disfrutar aprendiendo, y disfrutar bailando, viendo un espectáculo, hablando sobre danza...

Y siempre estás ahí, con tus alumnos, aconsejándolos, ayudándolos en su camino, desde el respeto y el dejar hacer, dejar aprender.

En esta nueva etapa que inicio, como te dije, eres de las cosas que más me cuesta dejar atrás. Sé que seguirás ahí, que volveré a ver tus manos y tus pies reflejados en un espejo de clase, a volver a verte grande y hermosa en escena o detrás de ella, a conversar a nuestra manera sobre lo que vemos, sabemos o intuimos sobre la danza. Sí, lo sé, pero me conectas de un tirón como con una flecha flexible los pies al suelo y el suelo a la cabeza. Me conectas la realidad de la danza con la evasión de lo más espiritual y mental de la misma. Me conectas, pues, conmigo misma, y a mí con la danza de esa manera tan natural y que tanto bien me hace, porque yo también soy realidad y sueño.

Quisiera llevarte conmigo, quisiera bailar contigo, quisiera aprender de ti, disfrutar de ti en esta nueva etapa, quisiera bailar esta etapa contigo. Pero no es posible, lo único a lo que debo agarrarme es a ese poso y extraer de él el tirón de la flecha que me sujete, como con un centro fuerte, mis pies en la tierra y mi mente voladora en la danza. Sé que me has dado recursos, que los tengo y sólo tengo que explotarlos y comentarlos contigo, y volverlos a disfrutar. Contigo.

Sólo quería agradecerte antes de decirte hasta pronto lo grande que eres y lo sabia que haces la danza, sabia por humana y sensible, pilares fundamentales en la vida. Quería agradecerte que seas así en todos los sentidos que me has ofrecido, en todos.

Gracias, gracias, gracias.

Siempre,
Nerea

Recomiendo encarecidamente

2009-10-03T06:42:00.000-07:00

PRÓXIMAS ACTUACIONES de El Pont FLotant

Ejercicios de amor

Teatre Serrano (Gandía)
viernes 16 de octubre a las 22.30h
dissabte 17 de octubre a las 22.30h

Auditorio Universidad Carlos III (Leganés)
Festival Internacional Madrid Sur
www.institutodelmediterraneo.es
jueves 22 de octubre a las 14h y a las 20h
viernes 23 de octubre a las 14h y a las 20h

Yunquera de Henares (Guadalajara)
sábado 31 de octubre

Como piedras

Sala Cero (Sevilla)
viernes 9 de octubre a las 20h y a las 22.30h
sábado 10 de octubre a las 20h y a las 22.30h
domingo 11 de octubre a las 20h

el pont flotant
C/ Baró de Patraix, 5 – 46018 València
teléfonos: distribución: pro21: 96 310 70 18
cursos: 646 01 27 61
oficina: 96 341 38 38
elpontflotant@gmail.com

www.elpontflotant.es

Puertollano

2009-04-14T23:28:00.000-07:00

Mierda, no tengo tiempo. Tengo notas, muchas notas de lo que vi en la Feria de Teatro de Castilla-La Mancha para plasmarlas donde se lo merecen. Lo haré... Fuimos de invasores, pero también estuvimos como espectadores, y vimos algunas de las piezas más increíbles que habíamos visto nunca, sobre todo de teatro.

De momento, un avance, porque se lo merecen. El Pont Flotant.

Ejercicios de amor (El Pont Flotant)

“Llegamos a tiempo, todavía tenemos tiempo…”

Desde Valencia, Jesús Muñoz, Alex Cantó, Joan Collado y Pau Pons llegan vestidos de nosotros mismos, sin maquillar, sin imposturas, sin aderezos ni afectaciones, conviven con nosotros en una dehesa en el campo para irse vestidos de blanco, tras casi tres horas, y dejarnos la ternura de la realidad en nuestras manos, el vino y el estómago lleno, de paella caliente y gratitud. La que sentimos al ver una de las mejores obras que jamás se han visto, hecha desde y para el corazón, sin mayores exageraciones, la intimidad del corazón verdadero.

En una dehesa, un recorrido por distintas estancias que simulan un colegio en el que somos alumnos como los actores. Somos infancia de nuevo, inocencia y verdad, y comienzan las lecciones de amor. Pasamos a la adolescencia, y en besos, atrevimientos y verdades, cerca de la lumbre, constatamos las propias fricciones del hombre, desde las que jugamos en un vaivén de verdades y cariño. Siempre cariño.
El pasado, el tiempo, el amor, la amistad, la sinceridad… Todo en un jardín entre amigos, copa en mano, con los recuerdos de lo que nos divirtió, lo que nos unió.
Nos hubiera gustado que nuestras vidas cogieran otros rumbos, o haber elegido algo distinto, pero estamos felices porque agradecemos lo vivido, y nos casamos, se casan con la amistad, con los sentimientos, divertidos y sinceros.
Con dosis de un cariño continuo, inmutable y una naturalísima interpretación, con pausas, humor y hasta movimientos bailados. Con todo hacen un paréntesis en la vida, nos pausan la vida al espectador, al que regalan el tiempo, el que pierden con el estrés de la ciudad. Le regalan el poder de olvidarlo todo y acudir a lo inmutable, hacer una “excursión” al juego, a los recuerdos, pero sobre todo a la sinceridad real de un amor alejado de las cursilerías, un amor real, en el que hay cambios, diferencias, contradicciones, pero siempre hay sentimientos que no varían.
Una pieza pensada desde lo más hondo de la confianza, y para el público, al que esa naturalidad acerca a la posibilidad de ser seres sin tiempo, pero sin olvidar la madurez de lo vivido. La vida como el ejercicio placentero de vivir el amor, vivir la vida. Vivir la vida real, con amor.

Y se van de blanco, sonrientes, casados los cuatro, sobre una bicicleta. Y nos dejan impactados, porque el teatro es mucho más que un escenario, mucho más que un texto declamado, es tantas estancias como tienen nuestras vidas, es la realidad de vivirlo todo con lo que realmente merece la pena, la unión entre personas.

Arte sin apoyos

2009-02-19T03:44:00.000-08:00

Ya sabemos que la crisis pega a todo. Pero si golpea a sectores que ya sufrían antes estamos ante la crónica de un réquiem anunciado...

Réquiem por un arte sin apoyos
La crisis lleva la danza a un callejón sin salida, según tres coreógrafos
BEATRIZ PORTINARI - Madrid - 18/02/2009

Se supone que lo tenían todo para triunfar y así lo hacen, pero los jóvenes coreógrafos sienten que se están quedando sin energías y sin apoyos. No hay dinero para vestuario, a veces ni siquiera para iluminación, sólo encuentran reconocimiento en el extranjero y cada día resulta más difícil que un programador apueste por sus espectáculos. Chevy Muraday (danza contemporánea), Antonio Najarro (danza española) y Dani Pannullo (danza urbana) coinciden en denunciar la precaria situación de la que consideran "hermana pobre de las artes". En las próximas semanas mostrarán sus últimas creaciones en el festival Cartografías de la Danza del Teatro de Madrid, con la esperanza de que el público sí les dé su apoyo.
"La situación de la danza va de mal a peor. Recuerdo mis primeras producciones en las que tenía vestuario, escenografías y asistentes que me ayudaban. Ahora sólo tengo recortes y nos planteamos los espectáculos diciendo: 'Bueno, vamos a hacerlo sin vestuario, sin decorados, sin técnicos de sonido...", explica Chevy Muraday (premio Nacional de Danza 2006) con un hilo de voz y los ojos empañados. Precisamente una de las coreografías que presenta en el festival, titulada Tres son multitud (viernes 20 y sábado 21, a las 22.30), consiste en combinar su irónica danza contemporánea con la música y la iluminación gestionada por los propios bailarines.
Pero parece que el ahorro de costes no es suficiente para que les contraten. "Nuestros espectáculos no se venden, no apuestan por nosotros. Los programadores se están escudando en la crisis para no ofrecer danza, y eso nos está consumiendo la vida", reivindica Muraday, que a pesar de las dificultades sigue innovando, como muestra su otra coreografía presentada en el festival, Des-hielo de recuerdos (hoy y mañana, a las 20.30), donde los bailarines funden grandes bloques de hielo con sopletes o secadores de pelo para extraer objetos del interior del agua helada.

Para Antonio Najarro, que presenta en el teatro de Madrid Jazzing flamenco (sábado 21, a las 20.30, y domingo 22, a las 18.00), el fallo del sistema consiste en no educar al espectador o no mostrarle que existen más de cuatro bailarines famosos. "Si el público no sabe diferenciar entre una persona que simplemente zapatea rápido y un espectáculo con cuerpo de baile de gran envergadura, no podemos hacer nada. Desgraciadamente, trabajo mucho más en el extranjero que aquí", advierte Najarro.
Otro estilo de baile en auge pero poco subvencionado es la llamada danza urbana, cuyo máximo exponente, el bailarín argentino Dani Pannullo, presenta en el festival Little Street Pieces (27 y 28 de febrero, a las 22.30), una mezcla de breakdance, hip-hop y cultura urbana. Pannullo no ha perdido la fe: "Creo que la mala situación no puede durar toda la vida. La danza urbana se está estabilizando como género y sólo nos queda seguir trabajando en ello".
Cartografías de la Danza. Teatro Madrid. Avenida de la Ilustración, s/n. Entradas: de 10 a 18 euros. Más información: www.teatromadrid.com

Voy a bailar, voy a bailar...

2009-02-05T02:49:00.002-08:00

Para Diana.
Gracias.

Danza contemporánea en la Enseñanza Secundaria

2009-01-15T02:47:00.000-08:00

Noelia Liébana Gómez llegó a mí a través del correo electrónico. Es una estudiante de instituto de Barcelona. Una adolescente que quería investigar sobre la danza contemporánea y hacer un trabajo con sus tesis e hipótesis. Al contrario que con otras personas que acuden a mí solicitando mi ayuda, inmediatamente quise echarle una mano en la medida en que el correo electrónico nos lo permitiera. Una persona tan joven cuyos estudios no son propiamente de danza y que se interesa por la contemporánea, por saber más y plasmarlo por escrito... Todo ello hacía interesante la ayuda que le pudiera prestar. No así a los "espontáneos" que me piden frases para sus libros, ideas e incluso pasos para coreografías...
Noelia ha aguantado todos mis análisis escritos. Siempre se me quedaban cortos para preguntas tan extensas y generales, a veces, como eran las que me formulaba. La danza contemporánea tiene mucho que decir, y si queremos entrar en su historia, en su técnica, en sus figuras, en su presente en el mundo entero, etc. etc. se hace muy difícil transmitir por mail lo más importante, lo que ayudara a una investigación y exposición de un tema con lógica y sentido. Sin embargo, ella siempre ha recibido agradecida mis comentarios, los enlaces o vídeos que le mandaba, la lista de nombres de compañías, la cantidad de calificativos que aportaba, etc.
La enseñanza actual tiene muchas carencias. Una de ellas es la que hace que los estudiantes sean incapaces de investigar por su cuenta, acostumbrados a técnicas de estudio ancladas en el pasado y sujetas a los libros. Una necesaria capacidad crítica, investigadora y de personal tendencia hacia el aprendizaje por medios propios... Todo eso se ve dificultado por sistemas de enseñanza que no hacen más que impedir el desarrollo de las capacidades que estos adolescentes tienen. No se confía en que las tengan y por tanto acaban por perderlas.
Su tutor le pedía que concretase en tesis más claras, que aclarase las definiciones, y ella me lo transmitía así. Sin embargo, la danza contemporánea no es algo que se pueda despachar en unas líneas, en unas páginas y que se pueda definir con una teoría tan clara como a la que están tanto los profesores como los alumnos acostumbrados a analizar el compendio cultural que "han de tener". ¿Quieren que definamos la danza contemporánea con claves, del mismo modo que se hace cuando se define erróneamente la Generación del 27 o la Guerra Civil española? ¿En cuatro claves que sean fáciles de digerir y aprender? No, no se puede, porque la danza contemporánea, como muchas artes, es una amalgama de muchas cosas. He querido transmitir eso precisamente, que es un compendio y que por tanto debemos acercarnos a ella abstrayéndonos de definiciones prefijadas y matemáticas, que, aunque encontremos puntos en común, es un arte en evolución como evoluciona el ser humano en su vida cotidiana, en sus sentimientos, su relación con el mundo que le rodea, etc. Sí hay ciertos parámetros de los que no se sale, por lo menos la verdadera danza contemporánea. Unas líneas que empezaron hace tiempo (aunque no es tanto) y que se siguen repitiendo, aunque se reinvente el color que se le esté dando. Pero, como algo actual, se mueve natural y sensible al presente del hombre que la está creando y ejecutando.
Por supuesto, me he quedado corta porque carezco de los conocimientos necesarios para poder analizarla, incluso con cifras, estadísticas y más nombres que ella me pedía. Pero en los meses de conversaciones escritas se han repetido algunos nombres, algunas ideas, que ella al final ha sabido tomar sola y sin mayores doctrinas. Y en su exposición incluirá vídeos de Provisional Danza. Y eso me alegra.
[Quiero añadir aquí un vídeo de Miradas 2 sobre la última pieza de Provisional Danza, El privilegio de morir.]

Quizás ninguna de las dos hayamos llegado a lo que nos proponíamos cuando iniciamos nuestras charlas. Quizás el medio de comunicación complicaba las cosas, las carencias de ambas partes y lo extenso y complicado del tema. Pero el simple hecho de que una estudiante de bachillerato quiera incluir en la anquilosada enseñanza pública su interés por la danza y sus ganas de aprender todo lo posible de ella me llena de satisfacción. Espero que gracias a eso, a su "creativa" iniciativa, al menos ella, y espero que también los compañeros que escuchen su exposición, se haya sentido más cerca de algo que todavía en España y sobre todo para el común de los ciudadanos es un arte bastante incomprensible, propio de modernos que hacen cosas raras. Y poco a poco, a través de una enseñanza muerta en muchos aspectos, pero con resquicios de luz que provienen la mayoría de las veces de unos pocos estudiantes, ese ciudadano común se dé cuenta de que la danza contemporánea le puede gustar, porque es algo tan humano como la vida misma.

Gracias Noelia por haberme hecho partícipe de tu luz.

Manifiesto en apoyo al Mes de la Danza

2009-01-09T03:05:00.000-08:00

Manifiesto de Apoyo al Mes de Danza
Firma este manifiesto de apoyo en http://www.apoyoalmesdedanza.com/
Durante 15 ediciones, 15 años, la ciudad de Sevilla ha disfrutado de la cita puntual con la danza contemporánea que ha ofrecido el Festival del Mes de Danza. Dicho festival ideado por los gestores culturales María González y Fernando Lima surgió como una iniciativa privada para cubrir el vacío de programación de la danza contemporánea en nuestra ciudad, dotarla de presencia y acercarla al público en general.
A lo largo de todos estos años y con un apoyo institucional siempre limitado y confirmado fuera de plazo, el esfuerzo del reducido equipo humano que ha desarrollado el Mes de Danza ha conseguido importantes objetivos:
- Generar un numeroso público sensible a la danza: Las estadísticas de asistencia de público a los espectáculos y actividades programados por dicho festival revelan un número en incremento siempre constante a lo largo de las distintas ediciones hasta alcanzar un alto % que se ha mantenido durante los últimos años. Se trata de un público fiel y comprometido que no sólo responde a las propuestas del Mes de Danza sino que continúa asistiendo a otros eventos relacionados con la danza a lo largo del año.
- Situar a Sevilla en el mapa de la danza contemporánea: Antes de la creación del Mes de Danza la visibilidad de la actividad de danza en Sevilla era prácticamente nula. Una iniciativa como la de Mes de Danza es clave a la hora de atraer la mirada externa sobre la ciudad de una manera constante y eficaz. Así, muy pronto en el resto de España y también en el extranjero la programación del festival sirve de escaparate y de referencia para seguir lo que está ocurriendo dentro y lo que llega de fuera. Gracias al Festival, Sevilla es una ciudad en la que existe la danza.
- Crear una cita anual y puntual para las producciones de pequeño y mediano formato: Iniciativas previas al Mes de Danza en Sevilla, tales como el Festival de Danza de Itálica o la programación del Teatro Central o del Teatro de la Maestranza estaban por entero enfocadas a las grandes producciones y compañías de gran formato que si bien importantes, obvian una gran parte de lo que representa la realidad de la creación contemporánea en danza e ignora a un importante número de creadores y coreógrafos que no trabaja en ese contexto ni se distribuyen en tales circuitos.
- Incluir la danza contemporánea en los espacios escénicos de la ciudad así como la creación de nuevos espacios de exhibición: La iniciativa del Mes de Danza consigue durante sus 15 ediciones gestionar espacios escénicos de la ciudad que nunca (o en raras ocasiones) habían programado danza, así como introducirla en espacios que se mantenían vírgenes, tales como espacios de enseñanza o urbanos. En muchas ocasiones el uso de estos espacios para danza y el acercar hasta ellos al público ha conseguido que la programación dedicada a danza en los mismos se extienda a lo largo de todo el año, no limitándose a las fechas del Mes de Danza.

- Promover y dar visibilidad a la creación coreográfica local: Año tras año el Mes de Danza ha sido una puerta abierta para la exhibición de los trabajos de creación de los coreógrafos sevillanos y andaluces, tanto los poseedores de una trayectoria consolidada como aquellos emergentes que , de no ser por el festival, no habrían tenido ninguna estructura que les facilitara el acceso a los teatros. Así mismo el Mes de Danza se ha encargado de propiciar el salto de algunos intérpretes locales en el mundo de la creación coreográfica, realizando invitaciones expresas y ofreciendo las condiciones necesarias para producir este salto. Esta labor es de una importancia reseñable en la consolidación de una realidad local en lo que a danza contemporánea se refiere ya que durante estos quince años son ya todo un numeroso grupo de jóvenes intérpretes y creadores los que han conseguido lanzar y consolidar sus carreras gracias al apoyo y la existencia de una estructura como la de Mes de Danza. Su intervención sobre el tejido empresarial de la danza en Sevilla es tan directa y tan vital (la aparición de nuevos coreógrafos es la base de la creación de nuevas compañías) que sería imposible entender el presente de la danza en nuestra ciudad desligándolo de la presencia de este festival.
- Creación de nuevas iniciativas en danza contemporánea: Los organizadores del festival, siempre inquietos y en constante crecimiento, han sabido hacer del Mes de Danza una plataforma para distintos eventos y festivales que en su comienzo usaron la estructura de dicho festival como matriz en la que crecer y desarrollarse hasta lograr su independencia y una identidad propia. Así festivales tales como "Huellas: danza en paisajes insólitos" ( además de su edición sevillana, con más de seis ediciones en su versión cordobesa y múltiples ediciones por distintos municipios andaluces; en muchos de ellos este festival fue pionero en presentar una iniciativa de danza contemporánea), "Universi…danza: danza en la universidad" ( con ediciones en Sevilla y en Málaga), Cádiz en Danza (hoy en día sigue siendo el único festival de Cádiz dedicado en exclusiva a la danza) , etc, comenzaron siendo propuestas del Mes de Danza que con el tiempo no sólo han conseguido ser eventos independientes, sino algo muy importante, trascender los límites de la ciudad y extenderse por la práctica totalidad de las provincias andaluzas. Se consigue de esta forma descentralizar la cultura andaluza y hacer extensible a toda una región una iniciativa que en principio sólo focaliza el ámbito urbano. Es obvio así mismo que el esfuerzo del equipo del Mes de Danza sirve de inspiración para otras iniciativas y eventos, no sólo del ámbito privado sino de la Administración Pública.
- Relacionar y establecer diálogo entre distintas entidades e instituciones: Con su labor constante y su filosofía claramente apolítica y desprejuiciada, focalizada únicamente en objetivos culturales y artísticos, el Mes de Danza ha obtenido otro objetivo paralelo pero de capital importancia, como es el de conectar y poner en colaboración a distintas instituciones y entidades que realizan un trabajo relacionado con distintos aspectos de la danza pero de forma hasta la fecha individual y paralela, estableciendo así puentes de comunicación entre el ámbito de los profesionales y el de la enseñanza, el ámbito privado y las instituciones públicas, etc.
- Un Festival vivo, en crecimiento y en continuo desarrollo: Uno de los logros de los organizadores del Mes de Danza ha sido el de no acomodarse en la mera repetición de fórmulas y la búsqueda constante de nuevas estructuras que se adapten lo mejor posible a las nuevas necesidades de la realidad de la danza y de la ciudad. Así por ejemplo, conviven en la programación espacios que se mantienen desde la primera edición y que gozan de gran popularidad (caso del "Ahora bailo yo", taller de danza para el público no profesional) al tiempo que , dado que la presencia de la danza va siendo más habitual en la ciudad durante el resto del año, aparecen nuevas propuestas y sus objetivos siguen evolucionando: desde su decimocuarta edición aparece un eje temático y conceptual en torno al cual se articula la programación del festival, lo que permite profundizar y madurar la mirada y el criterio del público asistente, ampliar la "ambición artística" de la propuesta y equipararla con otras iniciativas europeas consolidadas. Se trata pues de un festival "maduro" y aún en crecimiento.
En definitiva, es mucho lo que este festival ha aportado a la ciudad y a todos aquellos ciudadanos sensibles con la danza y con la calidad en la oferta cultural en general. Y mucho lo que puede seguir aportando si se le deja crecer y evolucionar con unas buenas condiciones para su gestión económica y artística.
En la rueda de prensa de presentación de la XV Edición del Mes de Danza, su actual directora y responsable, María González hacía balance de los años de festival y lanzaba un mensaje drástico pero realista: el Mes de Danza se ahoga por falta de compromiso de las instituciones patrocinadoras y desaparecerá este mismo año si no se establece un compromiso con él.
Después de quince ediciones, no sólo las aportaciones de las distintas instituciones oficiales que lo suportan (Junta de Andalucía, Ministerio, Ayuntamiento de Sevilla) no se han incrementado prácticamente en los últimos años, sino que la confirmación de dicha ayuda llega tarde y cuando toda la programación e incluso la publicidad está ya cerrada y comprometida.
En estas condiciones resulta imposible realizar una buena y madura planificación de las líneas de programación y de gestión de la ayuda. Se trata por tanto de exigir de dichas instituciones no sólo un mayor compromiso en cuanto al aspecto económico sino en su decisión firme de apoyar a dicho festival y permitir una mejor gestión de dicha inversión, procedente de dinero público, para así poder gestionarlo de una manera más eficaz y rentable. En definitiva: más medios, confirmados con más antelación.
¿De qué sirve crear nuevas iniciativas y festivales si somos incapaces de defender y luchar por aquellos que ya existen y que siguen funcionando bien? ¿Cuál es nuestro poder para hacernos oír por las instituciones y hacerles entender qué es lo que queremos y cómo? ¿ Es posible hacerles entender que no estamos interesados por más demostraciones culturales de efecto a golpe de talonario que no sirven para nada y que no dejan nada en la ciudad?
¿No son 15 ediciones suficientes para demostrar la valía de un proyecto y hacer un balance objetivo de sus resultados? ¿Cuánto hay que esperar? ¿Conseguiremos movilizarnos por una vez antes de que el Mes de Danza desaparezca o permaneceremos una vez más de brazos cruzados viendo como las instituciones públicas deciden qué, cómo y cuando tenemos que consumir su cultura?
POR TANTO:
Los abajo firmantes, coreógrafos, bailarines, técnicos, actores, gestores culturales, público del Mes de Danza y en general ciudadanos sensibles con aquellas iniciativas culturales que creemos que deben ser apoyadas y prolongadas, exigimos del Ayuntamiento de Sevilla, de la Junta de Andalucía y del Ministerio de Cultura que pronuncie su firme apoyo al Mes de Danza de Sevilla evitando así su desaparición y garantizando su continuidad e independencia.
Firma este manifiesto de apoyo en http://www.apoyoalmesdedanza.com/

Silencio

2008-12-18T23:42:00.000-08:00

Una de las propuestas de Michelle ayer consistía en improvisar con "manos silenciosas". Si cogemos literalmente esa idea, procuraremos movernos sin hacer ruido, procuraremos que nuestras manos no hagan ruido. Pero para mí la propuesta fue más allá. Para empezar, las manos no pueden hacer ruido por sí mismas, a menos que las golpeemos contra el suelo o entre sí, por lo que tenía que ser algo más.

Sentí el silencio de los movimientos como la idea que tengo del silencio mismo y vi que lo podía materializar mejor si lo relacionaba con las caricias. Sí, esas caricias en las que rozas casi sin rozar, un poco con distancia entre piel y piel, casi sin tocar. Esas caricias en las que la aproximación puede hacer que no se dé el roce, sino a crear espacios y tiempos sutiles y conscientes donde los márgenes entre la distancia y el contacto se vuelven frágiles y por tanto sugerentes.

El silencio entonces se me antojaba como algo muy frágil, relacionado con todo aquello que se produce en un estado de quietud, suavidad, calma, como un concepto lleno de aire, de vacío... pero de un vacío muy lleno. La quietud, la calma interiores. El silencio es algo frágil porque parece que se puede romper enseguida y por eso es tan grande y tan pequeño a la vez. Lo asemejo a todos esos estados interiores de grande-pequeño, de todo-nada, en los que nos podemos dejar llevar por la sutileza de las negaciones: lo no tocado, lo casi acariciado, lo no dicho, lo sugerido, lo casi lleno, lo casi pensado, lo meditado... En todas esas negaciones se producen situaciones en las que nos movemos en los límites del todo y la nada, en las que podemos saltar las fronteras, ansiosos por no dejarnos en calma, y caer en horrores al vacío, horrores al vacío de un silencio, de un contacto, de movimientos, de pensamientos.

La quietud, la calma. Dejarse arrastrar porque no tenemos miedo a ser tan silenciosos, a no decir nada, a no tocar con la piel entera, a no pensar buscando conclusiones.

Y así, las manos, y por tanto el cuerpo, no es que se movieran para no hacer ruido, sino que disfrutaban de su silencio. Me vi dejándome arrastrar placenteramente por la sensación de no tener que decir nada, de no tener que mover nada.

El placer del silencio, el placer de la meditación, de asomarnos a nosotros mismos a escondidas pero sin ocultarnos, dándonos del todo. Son estados, todos ellos, de dejarse calmo y tranquilo al devenir de los procesos sin romperlos, sin hacer ruidos interiores porque estamos serenos y no tenemos miedo de romper los límites, porque disfrutamos de ellos al mismo tiempo, porque disfrutamos de esas "nadas" sin pretensiones, porque no tememos perdernos en un gran silencio o en una soledad en la que meditamos.

Las manos silenciosas mueven el resto porque ya nos hemos dejado llevar por un todo callado, con placer, como cuando nos dejamos llevar por un tiempo sin ansiedades de fin, por un espacio en soledad sin nada más que ella, la soledad, por unos momentos de meditación.

Meditar, silenciar dejándonos arrastrar por los hechos interiores en sí, sin que lo exterior condicione esos vacíos tan llenos, y disfrutar esos vacíos tan llenos porque se han hecho "todo" al sentirlos tan nuestros y tan sin miedos.

Así, en las líneas difusas de los estados mentales, nos movemos casi al límite del ruido, casi a punto de decir algo, de romper la quietud. Como cuando nos aproximamos a una caricia...

Saber dosificar los límites, las barreras, para no caer en el contacto explícito, la idea subrayada o la palabra remarcada. No hace falta. Esos márgenes tan pequeños son tan grandes cuando los disfrutamos en calma, que generan otro movimiento; un movimiento lleno de sutilezas que hablan por sí solas, que arrastran al resto del cuerpo, al resto del pensamiento.

Sin miedo al vacío, podemos dejarnos llevar por los límites de nosotros mismos, seguros de que si queremos podemos romperlos, pero conscientes de que queremos seguir disfrutando, sinceros, ante nuestros propios ojos interiores, de nuestro silencio, de nuestra soledad meditada.

Mal Pelo

2008-12-04T02:57:00.000-08:00

Desde 1989 Pep Ramis y María Muñoz en Mal Pelo han desarrollado su propio lenguaje de movimiento e interpretación.

Trabajan investigando en el cuerpo y las relaciones cotidianas con los temas de siempre. Pero trabajan el cuerpo y los movimientos de una manera muy personal, real, consciente y que nunca para, que siempre está en continua "ricerca" del enriquecimiento de la danza.

Hace poco, Michelle me dejó un libro que bien podría reeditarse. Se llama Mal Pelo, l`animal a l`esquena, y está editado por ellos mismos, con fotografías maravillosas de Jordi Bover, en el año 2000. En esta bella obra se conjugan los textos, los pensamientos de sus creadores, las imágenes de una trayectoria, los bocetos, dibujos y desarrollo de las creaciones y las entrevistas o diálogos con otros grandes de la escena. De todo ello podemos extraer una visión global de su filosofía de la danza, humana y trabajada, de su filosofía de la creación y la vida. Un libro necesario y bello y una compañía realmente imprescindible.

Uno de sus textos, bellos y sabios todos, dice:

Imagino el animal

que cargamos sobre nuestras espaldas.

Es un animal desarraigado,

un compañero de viaje invisible y poderoso

que guarda todo aquello que hemos amado...

Ante nuestra mirada se presenta

un mundo lleno de elementos desordenados.

Acompañados por el animal,

elegimos nuestro propio orden,

ejecutamos una fragmentación arbitraria del mundo,

y la llenamos de un valor propio.

¿Qué cosas elegimos?

Corremos, y al correr notamos

el peso del animal.

¿Corremos hacia la vida para recuperar

la ilusión de lo que ya no existe?

¿Para conseguir la realización

de lo que todavía es posible?

Corremos, y al correr notamos el peso del animal,

el peso de la humanidad, y nos abruma.

Un solo hombre no puede cargar con todo.

Sabias filosofías de la expresión humana del movimiento (fisicalidad animal) exterior e interior. Las búsquedas, los caminos, las ejecuciones y estructuras de la vida, las ilusiones, lo amado, los caminos elegidos, el pasado... Como animales nos movemos por todos esos vericuetos, y como animales buscamos, nos movemos y nos cansamos.

Pero, aunque conscientes de que no lo podemos todo en la escena artística y vital, como animales seguimos en movimiento.

Muchos de los animalillos en aprendizaje en danza y vital estaríamos encantados de poder tener en nuestras manos este libro...

El futuro articulado por la perfección

2008-11-30T14:16:00.001-08:00

La danza del futuro está aquí. Los frikis se encargan de demostrarnos que los mejores animales de compañía, las mejores amas de casa o los mejores sirvientes son los robots. Pero los frikis están llegando muy lejos, como llega lejos la ciencia. Los frikis hasta programan robots que con un estilo Locomía mueven al unísono los abanicos. Al ritmo de la música la coreografía se desarrolla perfecta en cuentas, en dúos o cuartetos. Hay hasta tiempo para la improvisación de los muñequitos que fríos y sin carga interior ejecutan a la perfección lo que el coreógrafo-técnico-friki les ha propuesto.

El futuro está aquí. Suena a vieja, pero de niños tocábamos un órgano pequeño o dábamos al play del casete para que sonara la canción de Mecano o Flashdance, y entonces, aunque nuestra madre nos esperara para cenar, como no había móviles, nos quedábamos en la casa de nuestra amiga. Al otro lado su hermano jugaba con el castillo o el barco pirata de los playmobil, y la mayor escuchaba George Michell. La tele, encendida de fondo, aún tenía Barrio Sésamo u Oliver y Benji, que el pequeño dejó a medias. Y nosotras, con nuestro casete, y los deberes y los pica a pica sobre la mesa como tentempié, repetíamos la coreografía, con la camiseta de hombreras que le habíamos quitado a nuestra madre. El padre de familia llegaba tarde de trabajar y saludaba frío y cansado. Había llegado más tarde de lo normal, pero tampoco tenía móvil. Y daba dos golpes a la puerta, se asomaba y allí estábamos sudando intentando cuadrar infantiles movimientos y sin los calentadores y el mallot de la actriz. En el recreo al día siguiente, mientras algunos jugaban al 22, otros al fútbol o al rescate con beso, o los más solitarios comían el bollicao y más tarde los Gublin, yo sacfrificaba mis intervenciones en el partido de fútbol para seguir ensayando la coreografía.

Parece de vieja, pero hoy podemos ir a morir a la luna, conectarnos vía casi todos los medios con el resto del mundo, hablar en todo momento como y cuando queramos, pero podemos seguir viendo Barrio Sésamo, los Fraggle o Sensación de Vivir, podemos buscar a los frikis del mundo que sean fans del peta zeta en Google, que sean nostálgicos de aquellos tiempos, gracias a la ciencia. Lo podemos todo.

Y ahora hasta podemos ver y hacer bailar, igual de inocentes movimientos que entonces, pero sin perdernos el recreo.

Aprender a decir no me gusta

2008-11-30T14:11:00.000-08:00

Hay que aprender a decir que no, a decir no me gusta y no me importa que lo sepan. Aprender a escribirlo, pero siempre justificarlo. Hay que saber justificar para decir que no nos gusta algo. No todo lo que vemos es excelente e ignorar a los que nos decepcionan es no hacerles aprecio. Algunos se merecen que sí les hagamos aprecio.
Por eso he escrito una crítica negativa sobre Europa de Arrieritos.
http://www.danzaballet.com/modules.php?name=News&file=article&sid=2651

Invasión Danza

2008-11-26T02:35:00.001-08:00

Invasión danza

Feria de Arte Independiente

2008-11-24T23:24:00.000-08:00

El sábado improvisamos en el Palacio de Congresos, con motivo de la FAIM.
Si bien, noté en momentos falta de ritmo o de crecimiento del ritmo de la pieza, incluso no me noté como en otras ocasiones realmente dentro de una energía, viví momentos reales con Noe, Carmen, Marina, Laura y Salva. Momentos de comunicación y escucha.
Revisando los vídeos que Salva ha colgado en youtube, me quedo con este de Marina y un espectador. La improvisación en la calle, como sabemos, se presta a todo lo que surja, a todo, y hay que saber atraparlo, hay que retener las posibilidades que nos da tener tan cerca a la gente, y ser capaces de percibirlos como parte de nuestra "pieza" y, si lo notamos, incluirlos bien sea con una mirada, un roce o bien con su plena integración en nuestro espacio.

Espero seguir bailando la tan agradecida calle y todos sus elementos, que, como saben quienes me leen, es una de las cosas que más me llenan de esta nuestra danza contemporánea.

Les Slovaks (2)

2008-11-20T01:42:00.001-08:00

No hablé en su momento del Festival Internacional de Deltebre. Y no hablé porque vine conmocionada, porque habría necesitado tiempo para meditar, para saborear y entender el potente poso que dejó en mí aquella experiencia. Y no lo tuve, tuve que agarrar las riendas de la vida diaria a la fuerza, y se quedó aparcado.

Al ver a estos tres grandes maestros y bailarines en su espectáculo, y tras haber visto las fotos que Roberto Oliván ha colgado en facebook del Festival (de donde he cogido las que aquí aparecen), he recobrado el regustillo a DANZA con mayúsculas.

La maestría de sus clases tal vez radicaba más en verlos a ellos, en ver su técnica, su personal movimiento, su velocidad de ejecución, la complicidad que entre carpa y carpa veíamos que tenían entre sí. Hombres aparentemente distantes, sonrientes pero algo fríos, exigentes con su danza llena de propuestas hasta entonces jamás vistas por mí. Eran perfectos en las ejecuciones de las coreografías de sus clases, y nosotros, la mayoría, no alcanzábamos en su totalidad ese nivel, pero lo disfrutábamos por lo que tenían de reto, porque nos llevaban por caminos nuevos. Tono, ese animal, era y es muy rápido y limpio, Peter, pequeño, es suave, cae al suelo en silencio, excesivo e increíble silencio. Es blando porque se adapta a todo, al cuerpo, al suelo, al aire... Pero con líneas siempre presentes. Martin, que nos propuso unas lecciones de improvisación, es paz, es calma bella, es sensaciones. Nos invitaba a regodearnos en los momentos que se crean en la improvisación, a hacerlos grandes y técnicos.

Son energía pura, son desplazamiento continuo, son abundantes cuerpos, porque es increíble cómo consiguen mover todos los puntos del cuerpo. Ves que todo el cuerpo está activo, todo: los dedos, los hombros, la cadera, los pies, todo, absolutamente todo entra en acción.

Son hombres de acción, la acción-reacción que surge a partir de una tensión muy amada. Se les nota, den clase o interpreten en la escena, que su pasión es natural porque casi han nacido con ella, pero no por eso se dejan llevar por algo conocido, sino que siguen atrapándola y disfrutándola porque viven danzando o danzan viviendo. La expresión más lógica de lo que tiene que ser un bailarín: sentir la danza como la vida misma, con energía, saltando obstáculos con valentía, poniendo lucha y fuerza a todo, siendo pasional sin olvidar la cabeza y los centros, los equilibrios...

La técnica aprendida, como supimos en escuelas de dura disciplina, ya está en ellos a un nivel casi perfecto, con veintitantos años nada más como tienen. Ahora, y desde hace tiempo, sólo tienen que dejar que fluya, sólo tienen que mostrar esa unión natural que se produce entre lo absolutamente asimilado e interiorizado y la pasión que nunca se debe dejar de agarrar con tensión. Y ahora además lo elevan a mayores potencias con esa unión comunicativa que han creado con Les Slovaks.

Me pregunto cómo serán sus vidas. Como cuando lees un libro y sientes que el autor transmite enseñanzas y filosofías reales y sabias de la vida, piensas si su vida será así de sincera, pienso si, de acuerdo con mi idea de que mucho de como danzamos en realidad vivimos, vivirán pasionalmente a la vez que equilibrados. Posiblemente no, posiblemente como cuando conocemos a un genio artista nos sorprende su vida. Y me da igual, es una duda que me surge pocas veces y que además tras la duda de un segundo, luego la aparco, porque las biografías de los grandes suelen darme igual, suele darme igual cómo vivan, cómo se enfrenten a la vida, porque para mí ya se están enfrentando a ella de una forma muy real, con pasión y sinceridad. Y lo muestran danzando con todo, la cabeza y el sentimiento.

Les Slovaks

2008-11-18T23:36:00.000-08:00

Estaba nerviosa, íbamos a ver a Tono, Peter y Martin, junto a sus compañeros. Fueron nuestros profesores en el Taller Internacional de Danza de Deltebre. Nos habían sorprendido sus clases, pero esta pieza nos dejó sin palabras incluso cuando fuimos a darles la enhorabuena...

Les Slovaks Dance Collective
Opening Night, 14, 15 y 16 de noviembre

De Eslovaquia al Teatro Pradillo, la amistad y la historia. Se criaron y estudiaron juntos danza desde niños. Separaron sus carreras para formar parte de las compañías más importantes de danza contemporánea del mundo (Rosas, Última Vez, Larbi Cherkaoui, Akram Khan o Roberto Oliván, entre otros). Y en 2005 decidieron volver a sus raíces y potenciarlas con la comunicación de esta danza hermanada.

Opening Night es la muestra de esa amistad y del deseo de recoger su tradición con las manos y el cuerpo madurados por la danza que han experimentado. Una pieza valiente por improvisada, hermosa por sus pautas, humorística por los personajes que crea lo imprevisto, sorprendente por el perfecto dominio técnico, llena de cuerpos que expanden sus alrededores con líneas inusuales y un centro que les permite hacer de sí mismos seres con el máximo movimiento posible. Animales de tierra y aire o animalillos juguetones se comprenden y hacen reír con quites y gestos cargados de complicidad y libertad escénica. Son bestias que dominan la velocidad y la pausa. Y un violinista, de increíble habilidad, embellece, folclórico y sutil, junto a la iluminación. Son una masa viva que late en armonías espaciales, se transporta, pero que vive de seres individuales a pesar de esa unión, seres de distinta factura, que suben, bajan, crean niveles y planos, inundan rápidos el escenario, para invadir nuestra visión con todos los cuerpos, con toda la complicidad de sus miembros, y siempre en abundancia viva.

Y así mantienen a un público pendiente de una hora de improvisación. Porque son grandes y completos bailarines. Los cinco regalan dibujos de su cultura, su emoción y su amistad y la hacen latir expresiva con la vida acompasada de la diferencia en un conjunto cercano, intenso y vivo.

El colmo de la improvisación

2008-10-26T08:15:00.000-07:00

Ayer viví en primera persona qué puede ser el colmo de la improvisación. Y como lo viví, como participé en ello, todo lo que aquí puedo decir tiene un toque subjetivo y sentimental. Cuando vea vídeos podré decir algo más.

Artistas que no se conocían antes, músicas, efectos, proyecciones que no sabíamos cómo serían. Allí nos dimos cita todos, en la Pradillo, cada uno con su historia personal y artística detrás. Nos vimos las caras, dos besos y poco más. Compartimos camerino... y a escena. Ya dije que no sabíamos qué podía salir de ello. Podía ser un desastre o podía ser, como mínimo, curioso e interesante. Un laboratorio, en cualquier caso, del que aprender, con el que experimentar, conocernos a nosotros mismos, saber qué puede salir de la sorpresa, de lo inmediato, qué le puede llegar a un público conocedor de este tipo de performances y a otro que está al margen completamente de ello.

Partiendo del principio claro de no esperar nada, de no buscar alcanzar cotas muy elevadas, de asumir las limitaciones o los riesgos de algo así, sólo podíamos salir al escenario queriendo disfrutarlo, y con los sentidos abiertos, muy abiertos. A partir de ahí, lo que surgiera dependía de todos, no de uno sólo, dependía de la energía que creara cada grupo con sus participantes y sus creaciones espontáneas. Dependía de esa apertura de mente, la que debíamos poner los que allí nos plantábamos y la que tenía que tener el público. Unas mentes blancas, en general, libres y sensitivas.
La idea, pues, o así lo entiendo yo, debía ser alcanzar una unión a través de la escucha y la comunicación entre las distintas disciplinas. No debían sobresalir egos, no debían dominar unas cosas sobre otras. Aunque esto es siempre difícil. Alguien me ha comentado que inevitablemente, aunque se consiguiera esa unidad, había alguien que llevaba el hilo en cada pieza. Sí, tal vez sea inevitable o necesario. Si el resto de los componentes sabían adaptarse a los guiños que les daban los demás, y sacar de ahí una "historia", una respuesta, estaríamos llegando a ese diálogo. Si cada uno establecía un monólogo, dejaríamos fuera al público, para empezar, y le quitaríamos la potencialidad que este proyecto tenía.
Pero, claro, es difícil. Tus ojos, tus oídos, tus brazos, cuerpo, respiración, tu cabeza y sensaciones... Demasiados elementos alerta, demasiadas cosas a las que prestar atención. Pero cuando estaba allí sentía un gran placer al descubrir o captar un guiño de mi músico, al ser consciente de él. Porque era una pauta a la que agarrarme, me estaba tendiendo una mano, y si la sabía coger y él sabía seguir escuchándome y me contestaba, estábamos agarrándonos el uno al otro, sosteniéndonos en la improvisación, por lo tanto el vértigo era menor porque te sentías acompañado.
En mi parte tal vez pudo parecer que el peso recaía sobre mí. No quisiera esa visión de protagonismo, porque no era una pieza o una improvisación de danza. A un lado estaba David Aladro-Vico y de fondo las proyecciones de Philipp Contag-Lada. Philipp no pudo asistir, por lo que la escena quedó para la música, la proyección sin Philipp y para mí. David estaba en penumbra, pero estaba. Sin él el avión no me habría asustado, no me habría convertido en un muñeco, no habría caminado sin rumbo o no me habría detenido en sus silencios. Dialogamos o así lo sentí yo. Y dialogamos de nuevas. Es como cuando conoces a alguien por primera vez y no sólo te habla de a qué se dedica, dónde vive o qué hace en su vida, sino que te cuenta algo más allá sobre sí mismo, y tú abres los ojos y los oídos y le escuchas atentamente. Asientes con la cabeza, preguntas por algo que te interesa más, comentas e incluso intercambias una opinión sobre sus visiones. Así lo viví yo. Seguramente debería haber ido más lejos, deberíamos haber llegado más lejos en esas conversaciones en vivo y artísticas. Pero sin prepararlo, sin conocer ni yo su música ni él mi movimiento o el vídeo, dialogando con lenguajes distintos que no conocíamos conseguimos hablar uno común; el de las energías, o no sé cómo llamarlo. Un lenguaje común puede ser el de las miradas, el de los gestos, el de traspasar códigos y entenderse con las sensaciones.

[Fotografía de Sandra Fernández]
Tampoco sé muy bien qué percibió el público. Sé que gustaron unas partes más que otras, que se quedaban con guiños, imágenes, posturas, momentos. Sé que estas "modernidades" son difíciles para la gente, que a veces no comprenden o simplemente no les transmiten nada. Pero había momentos, y es en eso en lo que consistía el evento de ayer, en el momento, en captar el momento. Lo debíamos captar, agarrar los participantes, y el público, más inteligente de lo que presuponemos, es capaz también de pillar al vuelo los momentos que la inmediatez le da. Sé que si no les llegaron algunas piezas fue porque había algún ego que despuntaba o porque cada uno, demasiado asentado en ese "colmo de la improvisación", no fue más allá y se quedó en sí mismo. Una pena porque en esos casos no lo disfrutaron ni ellos ni el público, observador aparentemente pasivo, pero que en actos como éstos se vuelve de un inteligente activo que asusta.

El colmo de la improvisación, por tanto, para mí es tener que hablar un lenguaje común con gente de la que no conoces su trabajo, hacerlo sobre un escenario, con un público y no en tu casa entre colegas, con una limitación de tiempo, con otras limitaciones que surgirán del momento por lo inesperado de la idea. Es el colmo de la improvisación, es el colmo de tirarse al vacío, arriesgar y creer en ello. Y, como digo siempre, si te das sincero en todo las cosas salen. Si crees en un proyecto, te mostrarás con esa sinceridad y lo que salga de ahí puede gustar más o menos pero es sincero.
No buscamos que guste a todo el mundo, bueno, cada uno supongo que buscará algo distinto, es inevitable, pero no buscamos una aprobación general, sino un sentirse bien en escena, en ese vértigo. Si te sientes bien en escena, algo le tiene que llegar al público. Pero, ojo, en este caso era sentirse bien en escena en conjunto y no uno mismo, sino sentirse bien gracias a que hay otros elementos que están contigo y que forman un todo, nunca con la idea de ser el protagonista.

Y tengo que dar la enhorabuena a los participantes, porque todos nos hemos tirado por este barranco del que no veíamos el final de la caída, y, sobre todo, a Berta y David por habernos dado esta gran oportunidad de estar ahí, pero de estar con ellos y no solos. Así lo he vivido yo, he sentido que estaba con ellos, que era una parte más de la idea.
Berta y David se han trabajado muchísimo este ciclo, con dificultades técnicas, de intendencia, incluso físicas. Han puesto todos sus recuersos a flote y solos, prácticamente solos, han difundido, promocionado, proyectado, contactado con los participantes, han conseguido sacar adelante un ciclo que la escena contemporánea necesita tener en sus carteles. Y me han dado la oportunidad de estar ahí. He tenido el gran privilegio de compartir ese espacio, esa idea, esas sensaciones con ellos, aunque me hubiera gustado estar más presente. Pero... en la vida existe otro colmo de la improvisación, el de la vida misma, en la que nos vemos obligados a "resolver", como dicen los cubanos, para sacar adelante nuestra otra vida, y, por eso, tal vez porque no puedo implicarme más, tanto como me gustaría, en proyectos como éstos, los disfruto y exprimo al máximo.
Espero poder seguir teniendo la posibilidad de improvisar la vida y el arte como hasta ahora, porque gracias a ello la "vidilla" que todo ello me proporciona me hace disfrutarlo todo casi al límite.

Gracias y muchos besos sin improvisar, besos premeditados.

Recordatorio

2008-10-24T11:23:00.000-07:00

Recuerdo que mañana estaremos en la sesión de improvisación del festival Zona Híbrida, en la sala Pradillo a partir de las 20:30. Las entradas pueden conseguirse en Atrápalo y en Entradas.com.

Poesía

2008-10-23T09:48:00.000-07:00

He retomado un librito de poesía de juventud de un antiguo profesor mío, del que mucho aprendí y con cuyas clases más disfruté, Francisco Javier Ávila. En su poesía juega mucho con el lenguaje, con las palabras, se las inventa, como juega con las imágenes, las de las ciudades, la gente y los sentimientos y los cuerpos. Sus palabras bailan también:

Mira sus dedos,
mide si de algo más. Palpa sus sueños
de acción,
la pesadilla misma de su país
conoce con los labios
la inmensa longitud del círculo, pregunta
si no habrá entretenido el curvo rumbo, quiere
que sepan bien dónde tienes los pies y a dónde ladra,
quiere,
que sepan que este baile no es más que un alfiler,
que es casi tanto lujo como una dentellada,
que este giro
tarda mu-
ere y
llega.

Las cosas que bailan en mi cabeza

2008-10-17T00:56:00.000-07:00

Hacen plié y demiplié, giran, se desplazan por la mente, dan grandes zancadas, adelantan a las otras, saltan, se quiebran, se levantan... Las ideas hacen improvisaciones en mi cabeza.
Porque ¿en qué momento estamos?, ¿en qué momento están? Veamos los giros y vaivenes de mi mente...

La dichosa situación económico-laboral, el dichoso momento actual, con sus miedos, sus valentías, sus vueltas de tuerca. Ahí, mis ideas van saltando unas sobre otras, para dar grandes pasos, pero se frenan porque tienen inseguridades, porque además no saben estarse quietas ni sumisas al estado actual de las cosas, a como nos vienen dadas. Ellas, estas ideas prácticas, ocupan la mayor parte del tiempo su despliegue en el espacio vital hoy día.
La danza. Busco reabrirle hueco entre las anteriores, busco que se deje iluminar, con ese rayito en su plexo solar, entre las otras más serias, más adultas. Pero el cuerpo "está tonto". Ya puedes haberlo machacado hace unos meses que el pobre, como le des una pausa, se atonta, parece que se olvida de todo. No se olvida, pero hay que despertarlo, recobrar los centros, las posiciones, las manos, que no se mueran en las líneas. Que el cuerpo sabe, sí sabe, ha aprendido, pero se ha dormido e invadido un tiempo por las necesidades del momento, las prácticas, se ha olvidado de los movimientos que antes salían solos y más bellos. Ahí estamos, dándole su lugar con las clases.
Y los proyectos: vaya, para los proyectos dancísticos y laborales también necesitamos un hueco. Y queremos crear, crear ideas, crear ganas, estar en movimiento continuo, y nos falta el tiempo, nos falta porque al final hay que comer, y, por tanto, trabajar, coger el metro, pagar impuestos... Pero sí, hay ideas, hay ganas de invadir la calle, de danzarla, de promocionar la danza, de escribirla...
Pero somos un todo al final, y las ideas que se frenan por inseguridades propias del pragmatismo necesario invaden las otras partes de la mente que se dedican a lo más creativo, a la danza. Y es que no están en compartimentos estancos, nunca tenemos habitaciones para cada cosa de la vida. Si tenemos una puerta abierta e iluminada, su luz llegará a las demás estancias, sin embargo, si está cerrada, da igual que tengamos terraza o pasillo grande, porque su luz nunca llegará a esos otros espacios en los que creíamos tener a salvo las cosas que nos dan alegría, que nos dan vida.
Y en ésas estamos, intentando abrir puertas, intentando que nos llegue la luz por las rendijas de abajo de los dormitorios de la mente. Intentando que en esos días en los que no llueve sobre nuestras cabezas cojamos un embudo que absorba la iluminación y la conduzcamos al resto de la cabeza, del cuerpo, del sentimiento. Intentando sacar la luz de las rendijas, de entre los barrotes, y exprimir los rayitos que se cuelan un día sí, tres no.
Qué simpleza la mía, cierto, esto lo vivimos todos, pasamos días malos, días peores, y casi todos por lo mismo. Y además algunos contamos con la ventaja de tener más dormitorios que los demás, dormitorios en los que bailamos-vivimos, pero precisamente por eso, porque tenemos más que inundar, más que abarcar, y porque el cuerpo es el dueño de esas otras habitaciones, algunas cosas se nos escapan a nuestro control.
Porque lo que no se nos escapa a nuestro control porque no depende de nosotros, se nos escapa porque sí depende. Por tanto, siempre estamos atrapados, en un ir y venir, en un paso adelante, paso atrás, en un giro a medio dar, en un salto sin todo el impulso, en una caída poco amortiguada, en un release poco relajado, en un desplazarnos poco, en un cansarnos en ese esfuerzo... atrapados en nosotros mismos, cabeza-cuerpo, interior-exterior, movimiento hacia fuera y hacia dentro, avanzar-retroceder, crecer-menguar... Atrapados sin salida, sin la salida aparente, pero con la salida que no creemos ver.

Ahí, buscando los vericuetos de las salidas traseras, por donde se cuela la luz, de nuestra mente.

Rendijas con luz:

- Proyecto invasión danza

- Iniciativa Teatro Pradillo, Zona Híbrida

Pisando Ovos

2008-10-09T06:59:00.000-07:00

Me gustan. Pisando Ovos me gusta.

Ayer vi su última pieza, 30.000, y me gustó.
Sólo quería decir eso. Ya diré más y mejor.

Este vídeo no pertenece a la pieza de ayer, pero...
también me gusta.

CRECE (Circo Price) y Rob Tannion

2008-09-28T01:27:00.000-07:00

Más en Danza Ballet...

Del 25 al 28 de septiembre el Price nos sorprende. Personalmente, por fin veo el circo que me gusta.

Ex alumnos de la escuela de circo Carampa demuestran lo aprendido tras esa formación y la que han adquirido en las mejores escuelas de fuera y su experiencia como verdaderos profesionales del circo.
Es ese circo contemporáneo de los sentidos, con música, iluminación y estética atrayente desde que comienza el espectáculo. Hay un hilo conductor, hay una implicación de todos los participantes... Han conseguido un resultado compacto y preciosista y poético.

Formas contemporáneas, movimientos y posiciones o pequeños gestos de danza contemporánea que dan unidad a la hora y media que se hace corta.
Se nota la dirección, coreografía, escenografía de Rob Tannion (coreógrafo, intérprete y cofundador de la compañía Stan Wont Dance). [Ver las fotos del flickr de Nuno Santos Photos.] Su trayectoria es interminable, pero lo recordamos sobre todo por su participación en el teatro físico de DV8 [pego algunos vídeos del fantástico Cost of Living]. Un gran lujo que lo hayan tenido tan cerca...

Y también se nota la ayuda a dirección de José Reches.
Crece tiene mucho estilo, mucho gusto. Sugiere desde las increíbles formas circenses con una interpretación interior dosificada y muy bien traída.
Quiero hacer mención de los participantes, que en pocas semanas han sacado, también ellos, adelante esta fantástica obra (Zenaida Alcalde, Víctor Garmendia, Ignacio Herrero, Virginia Librado, Francesca Lissia, Rafael López, Lorenzo Mastopietro, Alfonso Medina, Miguel Muñoz, Irene de Paz, Celso Pereira, Alfredo Pérez, Marilen Ribot, Laura Rubio y Ángela Sáez) y de Javier Jiménez, a cargo de la dirección del proyecto.
Enhorabuena a todos, a Carampa, a la Asociación de Malabaristas, que cumple su vigésimo cumpleaños, al Price, a todos los que hayan participado en ello. Fantástico.
Que sigamos viendo cosas así.

Espacio Propio. Curso intensivo de danza contemporánea

2008-09-23T08:46:00.000-07:00

Fernando N. Pelliccioli y Carlos Osatinsky (Berlín) impartirán, del 6 al 10 de octubre, un curso intensivo de danza contemporánea-improvisación.
El momento (Augenblick) de las cosas está ligado a situaciones físicas; un parpadeo, una mirada, por ejemplo.
“Espacio Propio.Augenblick” busca establecer un espacio de apertura, de pasaje, que se encuentra en constante estado de evolución.

"Abordamos un tratamiento y desarrollo creativo del movimiento en donde el
cuerpo se exprese como un medio bajo un flujo de constantes cambios de
necesidades internas y externas, en una exploración desde un estado intuitivo
hacia una apreciación más amplia y dúctil, cayendo fuera del confortable
equilibrio cotidiano hacia un permanente estado de desequilibrio. Tomamos como
principio kinético el movimiento que nace desde nuestro centro y se proyecta a
través del cuerpo, expansivamente, más allá de sus límites. Trabajamos en
generar estados energéticos y emocionales haciendo incapié en el desarrollo de
una atención de la energía individual y su interrelación con la energía grupal.
Nos apoyamos en la capacidad de observarnos a nosotros mismos para así poder
darnos a lo que ocurre en nuestro entorno con confianza, mediante la entrega, la
escucha y la aceptación, fundamentos que nos permiten establecer vínculos y
trascender obstáculos para el libre flujo del ser creativo y escénico."
Fernando Nicolás Pelliccioli y Carlos Osatinsky, ambos de Buenos Aires y residentes en Berlín, de fuerte formación académica y vital en danza contemporánea, proponen llevarnos a vuelos poéticos, hacia la emergencia de una experiencia motriz más rica, vital y significativa.
FECHA: Del 6 al 10 de Octubre
HORA: De 17 A 20 h
LUGAR: 'EL NAVEGATORIO' (Av. Pedro Diez 38 1º C-Metro Oporto. Madrid)PRECIO: 120 e
MÁS INFO: Fernanda: 647103867-ferdanza13@hotmail.com

La Fura dels Baus

2008-09-20T07:55:00.000-07:00

Ayer fui a ver Boris Godunov, el estreno de La Fura dels Baus en el María Guerrero de Madrid.
Y reflexiono.

Han querido hacer ficción, bien; parten de un hecho real, el secuestro del Teatro Dubrovka de Moscú, en 2002 por parte de un grupo de terroristas chechenos. Bien. Por lo que, como en muchas otras piezas de arte, se parte de un punto para hacer ficción a partir de ahí. Aceptamos encantados lo que el artista quiera ofrecernos. No pedía que nos gasearan, de hecho, como en realidad acabó haciendo el gobierno ruso para dar cerrojazo al secuestro. Pero, sabemos quién es La Fura, e imagino que quien va sabe lo que puede esperar de ellos. Al menos el impacto, el sobrecogimiento, el miedo ante lo inesperado. Pero no. Ni siquiera sus pequeños artilugios caseros conseguían que creyéramos que estábamos, como ellos pretendían, en el centro de la acción, en la piel de aquellos espectadores que fueron secuestrados durante tres días. Es cierto que se percibe el deseo expreso de la compañía de tender hacia el teatro textual, y al mismo tiempo de mantener sus bazas, como el uso de la tecnología, los audiovisuales o de quebrar el espacio escénico. Pero algo flaquea y no sé bien qué es. Los actores estupendos y la puesta en escena (dejando de lado los cablecitos, kalashnikov y bombas casi tipo quimicefa), con sus músicas y sonidos chirriantes, la iluminación y los audiovisuales, que nos permitían ver qué pasaba en el exterior y en los pasillos del teatro..., estupendo, sí.
Pero ocurre algo con la Fura, y es que cuentan con un público siempre difícil. Por un lado, quienes a estas alturas se asustan de que vayas a verlos, es decir, quienes los han dejado aparcados en aquella radical (en el buen sentido) ruptura con todo, de sus años mozos, y se asustan. Y por otro, quienes precisamente lo que esperamos es eso, que nos azoten las mentes a partir de unos sentidos desde el principio de la acción totalmente noqueados.

Yo no pude ver esos años mozos de los que hablo. Surgieron hace más de veinticinco años, con la llegada de la democracia, en Cataluña, bajo ese llamado Teatro Independiente. Rápidamente se apartaron de la clara política para ofrecer el mayor espectáculo posible, pero siempre se los asoció con una tendencia, con la reivindicación, la lucha... En los ochenta, su época dorada, se les empezaron a adjudicar adjetivos que tendían al punk, la performance centroeuropea o la danza butoh. Y para mí, además, eran una especie de muestra del Teatro Físico, tan duro, difícil de ejecutar y de ver, pero a la vez tan, tan interesante. Rompió las barreras arquitectónicas del teatro. El público y los actores en un mismo espacio; había que correr, había que huir o te impregnarían de sus flujos, pringues, vísceras... Como el mismo teatro de calle, proponían la participación de un público, al mismo nivel que ellos. Este lenguaje lo recuperaron después, sí. Pero las cosas han cambiado...
Y lo que yo me pregunto es el porqué del cambio. Por supuesto, todos hemos de evolucionar; nunca seremos, a medida que crecemos, tan "rebeldes" como cuando éramos "jóvenes", cierto, y además no hay tal vez tanto contra lo que protestar (al menos en apariencia). Si es así, perfecto, es una elección por evolucionar hacia un tipo de espectáculo distinto. Pero no sé por qué, entre las olimpiadas, las fiestas del Dos de Mayo de Madrid, un espectáculo en el María Guerrero... no sé por qué las cosas a mis ojos apuntan hacia otro lado, y no quiero pensar mal.

No me vale entonces tampoco la explicación de que ahora son otros tiempos, no. Precisamente es de estos grupos, que ya por fin consiguieron un estatus de rebeldía popular, cercana e inmediata, de los que esperamos que den caña, y si no de quién.

Sí, sí, entran con sus metralletas disparando en el teatro, gritan, cuelgan cables e incluso te plantan una bomba detrás de tu asiento (de butano pintadita a mano, eso sí...), lloran, corren y vuelven a disparar. Pero, dejando de lado lo anteriormente dicho, como obra teatral falla en algo, y entonces, al fallar, cobra importancia lo que no hemos conseguido de ellos. Es decir, si no puedes disfrutar con los ojos como platos de su lenguaje, aquel que algunos aún esperamos, y lo que se nos ofrece es otro lenguaje, el teatral, o lo haces bien o el espectador te pedirá lo que hacías bien y se preguntará por qué no hiciste lo que sabes hacer.

Sí han mantenido, como decía, esa presencia plástica y visual, bandas sonoras rítmicas y angustiosas, por ejemplo. Tal vez, en ese su laboratorio escénico, en el que trabaja la Fura desde hace tanto tiempo, hayan querido probar una mezcla más, un experimento más que a la larga los haga genuinos por tocar tantos palos, ámbitos, escenarios, arquitecturas artísticas, temas, formas, etc. Sí, tal vez, verlos en su todo, en su trayectoria haga que los valoremos más de lo que ya lo hacemos. Pero en ese caso sus creaciones estarían hechas por y para sí mismos, porque el espectador nunca se puede tragar las tantas mil piezas que un grupo como éste ha creado durante tanto tiempo, para así comparar y sacar conclusiones. El espectador paga por una y si tiene suerte y vuelven a su ciudad, por otra (complicado esto en Madrid, donde durante muchos años no pudieron actuar), y así siempre que pueda, pero es para él para quien se hacen las obras. Y si no es así, estamos ya en un error escénico. Y, en este caso, creo que han fallado. La Fura, al menos a mí, me ha fallado.

Y pego un vídeo de lo que eran en su tiempo. Que no se me tache de sadomasoquista, porque no se trata de eso; se trata de que aun en estos tiempos todos, absolutamente todos, necesitamos que nos den caña a través de los sentidos, para que nos removamos, nos agitemos y por tanto se despierte a partir de ahí algo en nosotros que nos haga reaccionar, pensar o simplemente sentir. Y el arte está para eso, ¿o no?, para hacernos sentir.

Zona Híbrida, del 22 al 25 de octubre. Pradillo

2008-09-20T01:58:00.000-07:00

Ineludible, obligatorio, necesario...
Eventos como éste hacen de Madrid la ciudad que queremos que sea.
La Sala Pradillo nos acerca a estos nuevos planteamientos interdisciplinares. Varios artistas trabajan a la vez, juntando sus disciplinas (vídeo arte, electrónica, plásticas, audiovisuales, danza, ciencia y tecnología aplicadas al arte...).
Zona Híbrida habla de las mezclas, del futuro de ellas, de los límites, de los nuevos hábitats artísticos que se están creando.

Del 22 al 25 de octubre, en la Sala Pradillo, ZONA HÍBRIDA

Y nosotros participaremos con LRM Performance. Procuraremos empaparnos de los elementos que nos propone su hábitat, disfrutarlo de la mano de la improvisación y de los artistas, Berta y David. Gracias, chicos.

Y a los que leéis esto, os esperamos, si no en todo el ciclo, al menos para vernos a nosotros, el sábado 25 de octubre a las 20:30.

Aquí pongo un ejemplo de su trabajo:

Injusticias político-dancísticas

2008-09-12T01:24:00.000-07:00

A ver si retomo mi relación con este blog. Lo tengo abandonado y eso me pesa.
Empiezo por este enlace que retrata las injusticias que este mundo capitalista, de miedos al otro, de ignorancia infinita ejerce sobre ciertas nacionalidades. Si eres bailarín y encima árabe tus posibilidades de ser humillado se duplican.
Leedlo, muy fuerte.
http://guerraypaz.com/2008/09/10/un-nombre-arabe-te-hara-bailar-en-israel/

Recomiendo en julio

2008-06-27T03:30:00.000-07:00

Para quienes se queden en Madrid en julio, recomiendo los siguientes eventos gratuitos y alternativos que seguro que refrescan los cuerpos acalorados.

Dúo Cabecita Loca de Sinffin Danza, de Carmen Varela y Sylvia González.

- 5 de julio a las 21 h, en el festival Gatadans 08 (plaza del Ayuntamiento de Guadarrama), junto a Iris Muñoz y Nacho Martín, 10 & 10 (Hebras de mujer), El Curro DT, etc.

- 17-18 de julio, a las 20 h. Estreno de 2+2 Dúo Danza junto a la compañía Chati Paulao. Centro Cultural de Moncloa y 23 de julio, Centro Cultural Julio Cortázar (Av. Antonio Machado, 20).

No necesito excusas, es Santiago

2008-06-18T08:14:00.000-07:00

Es verdad, no necesito excusas. Es mi blog personal, ante todo, pero es que este post no contiene nada sobre danza contemporánea (al menos de momento).

Lo he leído y necesitaba que estuviera aquí. Suelo leer a Santiago, suelo incluso hacerle comentarios, y sobre todo suelo aprender y emocionarme con su blog.

Su escritura, como ya le he dicho a él, es el tipo de escritura que a mí me mueve, como me pasa con las demás artes (las plásticas, las escénicas, etc.), porque es la escritura de lo cotidiano. Y él retrata la cotidanidad como si su mente hiciera fotos continuamente, a medida que va viviendo. Además, suele tener esa sabiduría del artista humilde y sencillo, el peso de los grandes cerebros plagados de conocimiento, el que le dan los libros, las películas y sobre todo la sensibilidad sobre la vida misma. Y todo ello lo retrata en Materiales, allí está todo, bueno, aunque como buen hombre misterioso se guarda cosas, pero allí está su esencia, reconocible para quienes de verdad le conocemos. Cada entrada tiene un poco de su ironía, o de su crítica, o de su cercanía a las cosas y a la gente, o de lo que le mueve en la vida, sus aficiones, sus pasiones, sus desilusiones, sus penas y sus motivaciones más fuertes...

Pero lo que me fascina de su escritura es esa forma de hacerla como si no le costara. Vaya, y aquí lo conecto con el resto de las artes, y cómo no con la danza. La maestría está en imaginarnos al artista tranquilo y reposado, del que fluyen fácilmente, sin esfuerzo aparente, las ideas, los brochazos, las técnicas formales, el movimiento o lo que sea. Fluyen sus armas como la cosa más natural del mundo, como sin inmutarse, y encima con ese aplomo de lo verdadero, lo sincero, lo sabio y grande, y bien dicho, muy bien dicho, como sin pestañear, como si el día entero se pasara escribiendo y lo hiciera tan naturalmente como cuando duerme o come, con esa serenidad y sencillez. Pero es que quien es un verdadero escritor, vive la vida escribiéndola, la mira desde unos ojos que la sobreescriben, como quien es fotógrafo, que la ve desde su objetivo interno, como quien la baila, aunque sea interiormente...

En fin, sin enrollarme más, pego unas de sus últimas palabras, conmovedoras, sabias y sencillas.

"romper el día

alguna vez, de vuelta a casa, me gustaría no regresar. doblar la esquina y perderme. cumplir la vida con lo puesto.

madrugar nos hace dóciles. trasnochar perder la conciencia.

puedes conocer más y sentirte tan inútil.

y por último, quien anhela, pierde."

Taller de danza contemporánea

2008-06-16T03:56:00.000-07:00

Desde Albacete me llega esta información.

Taller de Danza Contemporánea
nivel intermedio/avanzado
23-26 junio, de 10 a 13h.*
Sala Espacio Temporal (Madrid), precio: 150 euros
C/Loreto y Chicote, 3.
Metro: Callao y Gran Vía
Contacto: marisolrozo@yahoo.com

- Despertaremos nuestro cuerpo con un calentamiento basado en la técnica release, atendiendo a 5 principios básicos: uso de la respiración, control de nuestro centro, conexión entre las distintas partes del cuerpo, transferencia de peso y trabajo de suelo.
- Trabajaremos después ejercicios de precisión de la técnica Cunningham: torsiones, tendus, battements. Y también ejercicios de Limón para soltarnos y jugar con el peso y la suspensión.
- Después aprenderemos varias combinaciones de pasos, y aplicaremos los conceptos aprendidos previamente para desarrollar en profundidad estas frases de movimiento en el espacio.
*El taller podría realizarse en horario de tarde dependiendo de la disponibilidad y preferencia de los alumnos.

Cris Gómez

Bailarina formada en la London Contemporary Dance School, (The Place). Ha bailado en Alemania con la coreógrafa Silke Wiegand, en México con Müuval Collective y en Japón para Spain Mura.
Actualmente reside en Barcelona, ha trabajado con la compañía Sol Picó, además de impartir talleres fuera y dentro de España.
Titulada en Danza Clásica por el Conservatorio de Danza de Albacete, y diplomada en Ciencias de la Información por la Universidad de Salamanca.Interesada en la coreografía, ha recibido becas del Ministerio de Cultura para distintos proyectos, entre ellos Lullaby para la promoción de danza en las escuelas, y Enámbar, proyecto destinado a la creación de trabajos coreográficos más experimentales.

Hay formas y formas. Ensayos con Michelle

2008-06-14T01:33:00.000-07:00

Es cierto que simplemente es un festival de fin de curso, para el que no hay grandes pretensiones.

Pero Michelle le pone la misma pasión que si fuéramos a actuar en un gran festival, y, por lo tanto, nosotros hacemos lo mismo.

Para mí es muy curioso su método, acostumbrada a que aunque se trate de una muestra de este tipo siempre he vivido ensayos con mucha disciplina, con muchas horas detrás, con exigencias en horarios y búsqueda de "cierta perfección".

Michelle resuelve, ésa sería la palabra, sabe resolver, en primer lugar porque su mente se mueve rápida y sagaz e inteligente por las imágenes que busca. Resuelve y aprovecha. Aprovecha el poco tiempo que hay, aprovecha los recursos de los participantes (está abierta a sus sugerencias en todo momento) y su disponibilidad, aprovecha incluso lo que la coreografía le va dando, las energías. Por eso es rápida, muy rápida. No sólo va creando ciertas cosas sobre la marcha, bajo imágenes prefijadas, que mira y remira para que queden bien, para que nos queden bien, sino que las crea para y por nuestra diversión.

No está el gran ego del coreógrafo que ve en la muestra de un festival su lugar de exhibición a costa de lo que sea. Michelle sabe que si no nos transmite esa energía, ese positivismo, esa confianza en nosotros, en nuestras energías, en nuestras capacidades... nosotros no las transmitiremos en escena.

Yo nunca había participado en una coreografía con ella. Pero ya me habían advertido del placer que hay en ello.

Y nos pregunta, y se deja sugerir, y se entrega, todo ello sin perder la autoridad.

Es una vuelta de tuerca más a su método pedagógico, del que ya he hablado en otras ocasiones. Me recuerda a ciertos métodos de enseñanza alternativa, que para algunos podrían no funcionar. Porque hay métodos en los que la disciplina, la gran autoridad del superior y de los materiales de apoyo son las únicas armas, métodos en los que el grito, las obligaciones, las exigencias son las únicas formas de enseñanza. Pero, no, de nuevo vemos cómo hay otras formas que pueden funcionar, pueden funcionar pero tal vez porque alguien como Michelle cree en esas formas alternativas.

Partir de la pasión y el entusiasmo y las ganas por bailar, sea donde sea, tanto ella como nosotros, y no olvidar en ningún momento esa prioridad, aunque tengamos que llegar en un ocho o salir en un cinco. Y es que creo que no todo el mundo es capaz. De nada sirve un método de enseñanza alternativo en manos de quien no cree en él, de quien no confía más que en sí mismo y no en sus alumnos.

Michelle cree en nosotros y eso se transmite desde el primer día.

Michelle se entrega en tiempos reducidos, en coreografías que adapta a un nivel común, en la búsqueda del disfrute sin grandes ambiciones técnicas. Y no lo dice, todo esto no lo dice, pero lo transmite, lo vamos viendo, y nos vamos dejando llevar, porque vemos cómo se van plasmando sus imágenes en un grupo homogéneo, unido por una gran energía, la que da pasarlo bien.

Y nos dará tiempo hasta para limpiar, nos dará tiempo a tener las cuentas claras, etc. ¿Cómo? No lo sé, creo que porque bajo sus manos las cosas fluyen con mayor naturalidad para que la asimilación sea más sencilla.

Hay formas y formas de crear, de enseñar, de transmitir, pero tal vez sólo funcionen con Michelle porque ella lo hace así porque es así. Danzamos como somos.

Recomiendo. David Lakein

2008-06-04T02:55:00.000-07:00

Pego la información del taller que impartirá este creador estadounidense, en Alemania este verano, del 11 al 25 de agosto en Berlín y Stolzenhagen.

Muy interesante la creación e improvisación a partir de imágenes.

IMAGE-MAKING LABORATORY
advanced workshop in composition,
improvisation, and performance skills

Working individually and in small groups, we will make several images each day, either quickly with reckless abandon or slowly with careful consideration. The frame of our creation process will vary greatly: completely open, tightly structured, with a specific focus, or global theme. We will refer continously to these questions: What disctinct components does an image have? Which are central and which act in a more supportive manner? Where are the boundaries of an image; when does is begin, end? What are the differences between an image and a larger scenic entity? In working with the elements of body/figure, movement/action and setting/atmosphere, we will gain a more nuanced and precise awareness of how they influence, and in which ways interact with each other.
We will explore the compositional tools available to us as we develop and refine our images. Addressing and further clarifying such issues as timing, location in space, audience position, will enable us to make our images more visceral and intelligible, powerful and resonant. Our aim is to deepen our awareness of the choices we confront and options at our disposal during the different stages of the decision-making process, and in so doing, gain a greater degree of freedom and feeling of trust with our images.
The body and its position within an image will be investigated closely, as well as some essential performance skills. An important part of our research will be exploring the diverse textures and distinctive aspects of presence. Our investigations will include: whether there is such a thing as a neutral, disinvested body; the differences between “being” and “presenting;” how to draw or defer the audience’s attention.
An essential aspect of the image-making process is developing an intuitive sense and considered understanding of when and how to ask relevant questions of ourselves and others. We will investigate how to approach asking for, receiving, and giving feedback, and how it can be organically integrated into the creation process.
On some occasions we will leave the familiarity of the studio, working and performing in different environments, inside and outside.
There will be an informal showing at the end of the Lab.

http://www.davidlakein.com/
workshops@davidlakein.com

http://www.ponderosa-dance.de/

Rojo. Michelle Man and Friends

2008-06-02T04:13:00.000-07:00

El Festival de Teatro de Calle de Valladolid supo a poco más que a cañas por culpa de la dichosa lluvia. Sin embargo, pudimos ver la pieza que presentaba Michelle junto a Iris Muñoz, Lucía Bernardo, Nacho Martín, Salvador Villora y Billie Pérez. Música original y en directo a cargo de Alfonso García y Javier Sagustune y vestuario de Lucrecia Martínez.

Rojo en la plaza de San Benito, rojo improvisado, rojo en los labios, rojos los zapatos, rojo por todo el espacio... Mismas calidades de movimiento, gran utilización del espacio (precioso verlos correr e inundarlo todo), variedad de ritmos, buenas pausas y buen uso de los tiempos. Imágenes, rojas y atrayentes, sugerían alegría, energía, diversión, cadencias, etc. Fuerte presencia escénica, sobre todo de Michelle, que buscaba cierta complicidad con el público.

Saltos y cogidas con los pololos al viento, miradas que encontraban movimientos comunes... Supieron atrapar los momentos bellos, no los dejaron escapar, sabían cazarlos y gozar de ellos.

Y más imágenes grupales en rojo de una masa de personajes que frenan en líneas, que trazan diagonales, que se agrupan y hablan o juguetean, que se deslizan como bichos por el suelo, y que se disgregan mirándose para volver a juntarse en algún momento a partir de un gesto, una mano, un puño o una calidad concreta.

Un verdadero placer para los sentidos.

El movimiento de las cosas. Vidal y José Luis Sampedro

2008-05-27T01:19:00.000-07:00

Una de las primeras frases del último libro de José Luis Sampedro, La ciencia y la vida, dice: "... para dialogar es imprescindible parar, librarnos de afanes cotidianos, de la vorágine que nos aturde". Anoche oía en una entrevista a este sabio escritor. Es más bien un sabio de la vida, lo que pasa es que como pocos tiene el privilegio de necesitar escribirlo y de hacerlo bien.

Vidal (para mí, Nacho) retrata muy bien las paradas del movimiento sugerente de la vida. La fotografía puede ser detener el tiempo, eso ya lo sabemos, pero él lo detiene en movimiento; sus fotografías mantienen una estela de movimiento no sólo de lo que retrata, sino de un movimiento reflexivo.

Ambos mueven sus cosas, sus mentes, sus ojos, sus reflexiones o sus no reflexiones. Y digo mueven las "cosas", porque mueven lo cotidiano.

José Luis Sampedro está descontento con el mundo, con este mundo, con esta vida. Es un activista de la libertad, es un activista de la comprensión al otro, es un activista del movimiento de las mentes.

Nacho Vidal mueve sus pupilas, quién sabe si con una reflexión previa. Pero las mueve hacia imágenes que desde lo cotidiano le mueve algo en el coco. No sólo transmiten belleza, sino que transmiten esa libertad de elección de lo que podemos atrapar de la vida.

Ambos se mueven en códigos de libertad, porque sus mentes creen en ella y sus vidas además la retratan.

Atrapar las cosas, generar acción. Tanto uno como otro generan acción, y lo mejor de todo es que tal vez no son conscientes. La acción y el movimiento producidos desde las cabezas reflexivas, los ojos atentos, las mentes alerta... hacia lo cotidiano de la vida, las cosillas del hombre, del ser humano y la sociedad en la que se maneja.

José Luis Sampedro dice que la sociedad occidental está al borde de un infarto. Un infarto producido por un egocentrismo terrible. El infarto es la mayor expresión del frenazo temporal y de acción. Es un bloqueo, es un fin de movimiento y de vida. Estoy de acuerdo... Sin embargo, quienes reflexionan y hablan sobre esa sociedad, o la retratan, a ella y a sus individuos, están tendiendo unas venas hacia ese corazón, para que no deje de palpitar, porque no habrá infarto social si miramos al otro, si sacamos la vista de nosotros mismos. Dos miradas rebeldes que enfocan, retratan y critican desde la inteligencia y la alegría.

Porque eso también es importante: enfocar la vida, aunque sea para criticar o reflexionar, con alegría.

Y es que a mí no sólo me interesa el movimiento de mi cuerpo o del resto. Necesito mover todo lo demás; sin mover la mente no movemos ni nuestro cuerpo, ni nuestro espacio, ni nuestro tiempo como es debido. Y para mí el movimiento está profundamente ligado a las imágenes, y lo que éstas te transmitan, y a las reflexiones, y, por supuesto, a la escritura.

Improvisación Lavapiés

2008-05-26T03:27:00.000-07:00

En las improvisaciones, mientras unos bailábamos otros improvisaron una barra de ballet.

Los niños dieron bastante la lata, pero hay que ver qué guapos están así quietecitos y sentados. Se lo pasaron mejor que nadie.

¿Meter la cabeza para no ver, para buscar algo, para buscarle sentido a lo que hay dentro, para esconderla y que no nos vean, para qué?

Los carritos eran un recurso de imagen, las interpretaciones pueden tener que ver con las jornadas agroecológicas que allí se celebraban, pero eso ya queda a elección del espectador. Nosotros sólo propusimos imágenes y movimiento.

Los temas eternos versus Roberto Oliván

2008-05-17T08:18:00.000-07:00

[MÁS sobre Roberto Oliván]

Cómo es la vida. A veces a los incrédulos y escépticos nos pone en situaciones en las que dudamos si existan o no las casualidades.

Llevo unos días dándole vueltas y conversando sobre los temas eternos que se cuestiona el ser humano. Le doy vueltas y encuentro respuestas, aunque, como siempre, más preguntas. Eso está bien.

El caso es que al mismo tiempo estoy investigando de nuevo sobre Roberto Oliván, sus creaciones, su idea de la danza y del arte escénico. Y me encuentro con unas palabras que definen e introducen el tema de su última pieza, para el Centro Coreográfico Gallego, El kiosko de las almas perdidas. No quiero añadir más a lo que en ellas se dice, porque justo es no sólo lo que nos planteamos todos, sino que en estos días es uno de los centros de atención de mi cabecita.

"¿Estamos seguros de que estamos viviendo nuestra propia vida de la manera que desearíamos? ¿Estamos en el lugar correcto y del modo adecuado?...

Éstas son preguntas con una incertidumbre asombrosa... Sus respuestas son quizás la base de nuestra felicidad más profunda. Pero obligan a analizar, estructurar y cuestionar asuntos de alta complejidad relacionados con esa red social invisible que nos une a todos los seres humanos como especie.

Hay tantos modos de ver las cosas como individuos existentes. Cada modo personal va dado por unas ciertas experiencias personales que nos llevan a percibir esa realidad delante de nosotros de esa manera tan peculiar.

Estamos condicionados enormemente por todas esas normas de conducta que supuestamente deberían funcionar para todo el mundo. Pero eso solo se ajusta a una realidad parcial. Probablemente a la realidad más práctica relacionada con la organización y el control social.
Lo cierto es que la diferencia entre el individuo y la organización social es abismal. La organización social obliga a ceñirse a normas y regulaciones. El espíritu humano tiene otras premisas esenciales más relacionadas con la busqueda incansable de la felicidad. Y ésa, una vez de nuevo, viene condicionada por necesidades muy personales y diferentes en cada individuo. Diferencias todas válidas y justificadas, por tanto respetables.
Sexo, dinero, satisfacción personal, familia, profesión, supervivencia, tranquilidad, comodidad, trabajo... todos estos son conceptos y términos muy actuales y presentes en la vida cotidiana. La invasión de imágenes, ideas, opiniones, exigencias por una justicia evidente... simplemente nos desbordan en cualquier lugar en donde haya presencia de seres humanos. Sensaciones de ser utilizados e incrustados en una máquina social que habitualmente no devuelve satisfacción ni sensación de plenitud. Pero el instinto humano sigue siendo más fuerte que todo esto junto. Seguimos luchando por encontrar la felicidad deseada de la misma manera que las raíces de un árbol siguen rompiendo el asfalto construido en su superficie.
"Kiosko das Almas perdidas" nos acerca a ciertas realidades paralelas dentro de las fantasías personales de cada persona. Nos muestra cómo esos pequeños momentos de felicidad dan sentido a nuestra existencia aparentemente insignificante en algunos momentos."

"Éste es el punto de partida para una nueva generación. Una generación de Almas Perdidas. Un estado de cuestionamiento personal y al mismo tiempo colectivo ponen en duda si lo prioritario es la vida palpable o la vida paralela de las ideas y deseos. Un estado de revolución espiritual en donde lo ya vivido pasa a ser una premisa de validez cuestionable."

Las manos

2008-05-05T02:02:00.000-07:00

Tengo las manos muy pequeñas. Seguramente no podría haber tocado el piano. Sin embargo se puede bailar aunque se tengan las manos pequeñas. Pero el trabajo es doble. Acercarse a como tienen que ser las manos en danza contemporánea es todo un mundo, en mi caso, por el tamaño, tal vez un medio mundo o un megamundo. Pero eso no me hace desistir; sigo buscando el camino de mis manos, o ellas lo están buscando.

La danza clásica deja claro cómo debe ser la posición de sus manos: entreabiertas, con los dedos como si fueran a asir algo pero suaves y con una leve curva que venga de la muñeca.

En los inicios del contemporáneo estas formas se mantuvieron y vemos manos excesivamente líricas, como con aleteos suaves tipo de lago de los cisnes.

Luego la danza contemporánea en todas sus fases ha ido interpretando las manos. Martha Graham incluso las contraía al igual que contraía todo el cuerpo, pero no sólo las contrajo generando una especie de cuencos en ellas, sino que también daba la posibilidad de abrir las palmas hacia el exterior como muestra de energía con los dedos levemente abiertos.
Sí, las manos son la punta y el origen de la energía. La ofrecemos por medio de los dedos que son prolongación de las palmas y éstas a su vez de los brazos.

En ocasiones se interpretan las manos contemporáneas como algo que ha de ser lineal y rígido, aunque todo depende mucho de qué corriente estemos hablando (Limón, Release, Cunningham, etc.). Sí, la línea es fundamental, pero porque en general para la danza las líneas son fundamentales. Pero esa línea se puede conseguir sin encorsetar las manos. Por aquí empiezan los problemas: debemos aparentar suavidad, mostrar que en nuestras manos hay aire, que nuestras manos amasan un aire denso, amasan lo que las rodea, pero con suavidad no con rigidez (vemos por ejemplo la foto de Doris Humphrey).
Asimismo, las manos son prolongación de los brazos, lo que significa que no sólo no podemos cortar la energía en la muñeca, sino que el movimiento no puede generarse a partir de ellas, ni siquiera de los brazos, sino de más atrás, de los omóplatos. Una fuerza que venga de algo más profundo y que no resulte forzado.
Pienso en manos que me llegan, que tienen esa fluidez, esa suavidad y al mismo tiempo esa vida, esa energía en los dedos. Normalmente las manos que se me vienen a la cabeza veo que forman un todo con los brazos, es decir que sus brazos también transmiten; su todo desde la espalda hasta los dedos. Pienso en las manos-brazos de Michelle Man, de Teresa Nieto, de Ángela Rodríguez (éstas muy reinterpretadas, pero personales y bellas).
Y si hablamos de brazos, como sabéis, no puedo evitar de nuevo nombrar los de Pina Bausch.
Vuelvo a poner el vídeo de Cafe Müller. Si vemos esas imágenes, sus manos en ocasiones como digo yo aletean un poco pero tienen esa fluidez y suavidad que viene de unos brazos largos y elegantes. No se quedan en el aleteo, muestran la energía que viene de más lejos y que pasa por los dedos hasta llegar a no sabemos dónde.
Michelle describe o explica a veces el movimiento de los dedos y las manos, o lo que deberían mostrar, no sólo como una parte del cuerpo que ofrece energía y que amasa aire denso, sino que incluso debe parecer, o debemos sentir, que sutilmente tocamos una tela de araña. Ahí es donde entendemos la vida que deben tener los dedos, que no pueden morir.
Si mueren nuestras manos, si las dejamos relajar en exceso o si las ponemos demasiado rígidas, muere todo el movimiento, cortamos todo el movimiento en ellas.
Algo más en que pensar para que nuestro movimiento tenga la mayor vida posible.

Improvisaciones para una vida bailada

2008-05-03T02:29:00.001-07:00

Un elástico, crear espacios, plazas de Madrid, gente conocida y no tanto, ojos que miran, silencio y sonidos de la calle, tensamos la goma, tensamos la cuerda, la aflojamos, la pisamos, nos tocamos, nos miramos, aceleramos los ritmos, corremos cuesta abajo y frenamos los pies para volverlos a soltar, a saltar, a deslizar, a dejarlos llevar... Los brazos no son nuestros, son de nuestros cuerpos, los ojos no son tuyos, son de nuestros cuerpos, la piel estaba para el sol, pero era de nuestra respiración, de los sentimientos.

Nos coreografiamos sin pensar, sólo creamos las imágenes que los instintos nos apuntan, y seguimos bajando la cuesta. Procuramos pausar los tiempos y esas imágenes que por gustosas las creemos bellas. No sabemos cómo se ve desde fuera pero eso no importa porque si lo estamos disfrutando algo de esa energía llegará a la gente que nada espera.

Fue una improvisación en la plaza del Reina Sofía y en la Cuesta de Moyano. Es una foto de Pollobarba, mi querido fotógrafo.

Y recupero unas frases del mensaje del Día Internacional de la Danza:

"La danza es el espejo que refleja lo imposible hecho posible, para que todo el mundo pueda tocarlo, sentirlo, escucharlo y experimentarlo."

"Cada vez que nuestras manos tocan, ocurre algo bello. Lo que el alma recuerda, el cuerpo lo representa a través del movimiento. Por ello la danza es la fuerza curativa a la que todos podemos acceder, tú eres mis ojos y yo soy tus pies."

Y hoy que es un día de recuerdos, y hoy que soy recuerdo e imágenes vividas y queridas tengo la suerte de saber que mi cuerpo puede sentir que lo baila todo, hasta los recuerdos...

Porque quienes bailamos la vida pulimos con el movimiento las aristas que ésta nos va dejando en el alma, podemos limar los picos feos para dejar suaves y bellos hasta los recuerdos.

Un sábado alternativo I

2008-04-24T02:37:00.000-07:00

El sábado 19 de abril fue uno de esos días en los que uno se alegra de ver que algo se mueve en la ciudad fuera de los límites de las programaciones, en locales apenas conocidos. Las grandes ciudades tienen esa posibilidad, que la gente busca las alternativas para ofrecer arte incluso sin pedir nada a cambio, por el simple hecho del placer que les da compartirlo y disfrutar de ello.

Comenzamos en Clave 53, con la tarde "Gramos de ternura". Allí pudimos ver la proyección de "Cuando digo una palabra". Una pieza de Dácil González y Gustavo Martín. Una pieza estupenda para unos bailarines sin parangón. Pero estábamos deseando que comenzaran las muestras en directo. Y llegó África Clúa con "Mapa de África". Humor, sensualidad, suelo, juego. Nos dio todo lo que quería darnos, en forma de sentidos, porque hasta el gusto tuvo su lugar con nubes de azúcar que saboreamos encantados mientras veíamos cómo se pintaba los contornos de los músculos con un lápiz de labios. Buena interpretación, buen desparpajo y gran efecto. A continuación Simona Ferrar me dejó con la boca abierta con "Alicia en el país sin fronteras" y "La callas solo". Esta intérprete que junto con Valeria Alonso recibió el primer premio del Certamen Coreográfico de Madrid en 2006, aglutinó en dos piezas la esencia de las buenas interpretaciones. Crítica, ironía, contención de la expresión... Todo ello traspasaba y llegaba más allá de las pocas filas de la sala, que se le quedaba pequeña para tan grandísimo peso escénico. Fantástica en las risas, en lo ridículo, en lo tierno, en lo doloroso.

Valeria Alonso (a la que podemos ver bella y fatal en la serie de televisión Cuestión de Sexo) y Ezequiel Díaz nos metieron en su casa. "Cortar por fax" es un trabajo en proceso. Nos incluyen en los metros de su hogar y como voyeurs, como vecinos curiosos que quisiéramos estar dentro de las historias de los demás, sentimos el placer de vivirlo desde muy cerca. Valeria tiene la fuerza de los grandes actores que interpretan en todo momento, cuando el otro actor hace su parte, por ejemplo, porque no está ausente. Te la crees así en la vida cotidiana, te la crees histérica de desamor, desequilibrada por las penas e impotencias que generan las rupturas y desengaños amorosos. Te la crees sensible, dulce, rota y llena de odio. Se mueve pequeña por esa casa puesta en nuestras manos, dando portazos y gritando con acento argentino llena de pasión. Se come la escena. Una pieza dura y a la vez tan real en la que consiguen a pesar de todo transmitir lo más jodido del sufrimiento con el esbozo de la risa.

La inteligencia estaba servida por las dos piezas, la de Simona y la de Valeria. Y digo inteligencia porque no hay nada más sagaz e inteligente que llevarle a un público al terreno de la dureza humana por medio de la risa, como si de un Borges se tratara. La risa, la ironía se vuelven más duras cuando las servimos con pinceladas de humor, humor duro y real como la vida misma.

Aquella tarde en Clave 53 vimos tres piezas de arte en toda regla, dignas de ser representadas en salas con más aforo, dignas de ser apuntadas en las reseñas de la Guía del Ocio. Pero su modestia, su generosidad y el disfrute humilde tanto de los intérpretes como del público le dan mayor grandeza a estos que sí son artistas, porque no van de ello.

Foto: Simona Ferrar y Valeria Alonso en Osario, pieza ganadora del Certamen Coreográfico de Madrid, 2006.

Un sábado alternativo II

2008-04-23T03:33:00.000-07:00

Después de la tarde en Clave 53 fuimos a Lavarte Bar. Allí tendría lugar la sesión de contact improvisación del grupo Convivio Danza. Fernanda, Ana y David ampliaron los límites del local. Se dispersaron por la calle y bajo la lluvia comenzaron sus improvisaciones entre la gente, cerca de ella, solos y juntos entraron al local. En el hall se movían ya con ganas, pero el espacio era justo y pasamos a la sala. Una sala con la pared de un cálido violeta, con sillitas pegadas a ella y una música electrónica de fondo. Ellos llevaban su idea trabajada, su motivo e hilo conductor, pero nosotros no lo sabíamos. Como siempre salió Fernanda y comenzó fluida su improvisación. Fernanda sabe fluir y quebrar el cuerpo y mantiene una actitud serena en el rostro, con seguridad y disfrute calmado. Supo dosificar muy bien los tiempos, retuvo movimientos en pausas y silencios con acción. Después David se fue acercando al centro de la sala por el suelo. De negro quedaba hermoso con la pared de fondo. Su estilo propio salió pronto, sus brazos largos, cada vez más limpios, sus pliés y rebotes, pero enseguida se dejó llevar por aquella otra energía que Fernanda había iniciado y que al final tomaron los tres sin movérseles un pelo. Ana es dulce, su cara con sonrisa dulce y pícara contrasta con un cuerpo técnico. Sabe incluir en sus movimientos improvisados la técnica que conoce. Y sabe sobre todo crear situaciones de contacto fluido.
Los tres mostraron una gran comunicación. Las energías no se escaparon porque mantuvieron el ritmo que iban creando. Es bonito ver los caracteres y estilos de cada uno al bailar y ver cómo los conjugan sobre la base de una misma sensación, de una misma energía. Los contacts resultan naturales, no resulta forzada una cogida o un apoyo al que llegan sin esperárselo, porque se adaptan a lo que el devenir les ofrece. Se tocan con confianza y se miran y nos miran; tocan los muebles y los pies de los presentes, tocan y palpan la pared y el suelo. Cuando se aceleran los tres y crean un ritmo intrépido también saben dosificar incluso esa energía y Fernanda creaba paisaje, entonces, al fondo y nos dejaba con su fondo bello y tranquilo mientras el foco principal era un dúo hermoso de David y Ana. Así se turnan con naturalidad y sin desasosiego. Van aprendiendo a no ambicionar la escena, van aprendiendo a apreciar el peso de las cosas pequeñas, de los movimientos sutiles, de las pausas y los pequeños gestos bailados. Y al mismo tiempo saben desatarse con el no cuidado cuidado de la improvisación.
Se les ve disfrutar, se les ve investigar pero dejándose llevar ante todo. Se les ve compenetrarse y generar diálogos en los que con sus movimientos repiten situaciones que en la otra esquina hizo el otro y reinterpretarlos como cuando mantenemos un diálogo, una discusión, un debate.
Pudo parecer duro, pudo parecer que de fondo había una historia dura e incluso violenta, pero también aprenden a cambiar de registros y a darle hasta humor o desenfado.
Eso me gusta, me gustan los cambios porque sorprenden al espectador que se deja llevar por lo que no esperaba. No se le quita la carga profunda a una muestra aunque le metamos unos movimientos graciosos, tal vez al contrario se enfatiza más en el fondo de la idea porque por contraste lo apreciamos más.
Desde la impro en el espacio Menos1 hasta ahora ya ha habido un cambio.

Están aprendiendo a seducir, están aprendiendo a innovar, están aprendiendo a dejarse llevar cada vez más. A partir de ahí, con la química que ya tienen, sólo tienen que seguir así y los conocimientos que ya poseen saldrán cada vez con mayor naturalidad. Están llegando a la esencia de la improvisación: mostrar su peso en la escena, su Presencia.

Cartas a un joven bailarín

2008-03-30T10:22:00.001-07:00

Materiales me regaló no hace mucho este libro de la editorial libros del Zorzal.
Hay muchas cosas interesantes de las que se pueden extraer comentarios y conclusiones sobre la danza.
Pero una de ellas me apetece comentarla, ya que últimamente he vuelto a ver la necesidad de tenerla en mente en las clases, y es "el centro".
Y para ello, el recientemente fallecido Maurice Bejart recuerda a Martha Graham y sus palabras sobre el centro. Ésta dice: "Me haces preguntas acerca del centro... centro del cuerpo, centro del movimiento, centro del espacio...
Cada ser humano es el centro del mundo. Esta sensación legítima que puede engendrar el egoísmo más recalcitrante y la opresión más brutal constituye sin embargo la base de la existencia profunda. El pienso luego existo de Descartes no es otra cosa. Pero de ese centro debe irradiar la belleza de la vitalidad y de la energía transferida, en el caso del bailarín (o del actor, o del músico...), a aquello que llamamos el público, el otro".

Y Bejart comenta: "la lección cotidiana de baile, de algún estilo, de alguna técnica, no debe tener como fin adquirir un nuevo virtuosismo ni agregar sobre el ya adquirido. No es una gimnasia, es una toma de conciencia.
Conocer su cuerpo, mirarlo por esa visión interior del ojo del cuerpo, saber exactamente por qué estoy aquí, por qué voy, por qué me detengo, por qué tal brazo o tal gesto".

"... He aquí el cuerpo; esta introspección se hace presente, únicamente para el conocimiento, únicamente para la reflexión, y permanece liberado y no se ata a nada en el mundo."

El centro es el centro del cuerpo, que nos sirve, tras su conocimiento, para controlarlo en un sentido técnico, pero que va más allá, traspasa las fronteras de nuestro cuerpo para con esa consciencia llegar al otro, al mundo.

Ateneo, Noche de los Teatros

2008-03-29T03:15:00.000-07:00

Viendo las fotos de danza eter, me encuentro con las de Jesús Robisco, muy buenas, de Virginia y Quini. Sé que también había otros conocidos, como Anuska. Buenas fotos y seguro que buenas interpretaciones. Qué bien seguirles la pista.

Los bailarines de la CND

2008-03-29T00:54:00.000-07:00

Ayer fui a ver a la Compañía Nacional de Danza. Tres piezas: Hevel (Nacho Duato), Quintett (William Forsythe) y White Darkness (Nacho Duato).

Sobre las piezas haré los comentarios pertinentes más adelante. Pero por el momento quiero mencionar a los bailarines de esta compañía y en especial a aquellos que actuaron ayer y que me llamaron poderosamente la atención.
Está claro que la creación de las obras de danza sin la piel, los músculos y el alma de los bailarines no sería igual. Ellos recogen lo que las mentes de los coreógrafos ven en imágenes y han de ejecutarlo con la pasión y la técnica que poseen. Pero siempre los hay que destacan. No sabemos por qué, pero incluso quien no entiende de danza siente el imán de alguno de los bailarines, no puede apartar la mirada de alguno en concreto.
Y ése fue el caso, ayer, de Yolanda Martín. Yolanda Martín es toda fibra. Sin un cuerpo de sílfide, sino músculo al completo, se mueve con autoridad, seguridad, pero sobre todo mucha pasión. En Quintett, con su vestido rosa, desde que se sitúa en escena con poses clásicas, no podemos dejar de mirarla. Ella también quiere atrapar la mirada, y levanta la vista, su expresión adecuada a la pieza, y sonríe. Es un todo, su cuerpo y su expresión. Un dominio del cuerpo que apunta a la perfección porque ejecuta limpia y delicadamente, con fuerza y energía. Es decir, con una pasión aplastante que llena el escenario. Volvemos a disfrutar de ella en White Darkness, de su suavidad, de su liviano peso y potencia escénica. Flota, vuela, salta, se impone, interpreta... todo.

El trabajo de los bailarines de la CND no es moco de pavo. A las órdenes de un genio como Nacho Duato, tienen que lidiar horas con sus cuerpos para sacar de ellos los imposibles movimientos que les propone el creador. Sus trabajados físicos reflejan las duras horas de ensayo pero que no por ello les quitan la pasión y el dominio de éstos que un casi perfecto bailarín debe tener. Son muy limpios, son perfectamente técnicos, algunos incluso con formas contemporáneas mejor integradas e interiorizadas, pero virtuosos todos. Yolanda Martín es de las que sabe integrar la técnica, perfecta, con las formas contemporáneas. Bellos redondos, contracciones y brazos se unen al componente clásico en enérgicos movimientos arrolladores y con aplomo. Cuando han de ser duros y secos, lo son, cuando ha de parecer que todo lo hacen sin esfuerzo, lo consiguen. No corrigen, no dudan... están seguros del dominio de su cuerpo y de la coreografía, pero sólo algunos destacan y sobrepasan el peso del trabajo hasta el punto de que no podamos dejar de mirarlos. Y Yolanda es una de ellos.

Mi más absoluto reconocimiento a esta gran bailarina y a todo el elenco de la Compañía Nacional de Danza, el cuerpo que pone a nuestro servicio y disfrute las ideas de las mentes creadoras. Sin ellos no podríamos disfrutar del arte coreográfico, sin ellos no se nos pondría la piel de gallina.

Madrid en Danza

2008-03-28T02:23:00.000-07:00

Comienza el ciclo Madrid en Danza.
Del 9 al 29 de abril más de trescientos artistas de diversos países se dan cita en Madrid capital y alrededores. Además habrá conferencias, talleres y cine.
Un festival, que abre Lanónima Imperial (foto), que no podemos perdernos.

La Noche de los Teatros

2008-03-25T23:55:00.000-07:00

Hoy se celebra la Noche de los Teatros.
Programa variado en el que también podemos ver danza en la calle, en el Ateneo...
Recomiendo a las 21 h "Sesión continua: escaparate de las artes" (la Werner, Abreu, la Runde, Guillermo Weickert...) en la calle Alcalá 31; y distintos pases del conservatorio en el Ateneo (Anuska Alonso, entre otros).

Electrónica versus copyleft

2008-03-25T16:30:00.000-07:00

A la espera de encontrar una forma de colgar sesiones de electrónica más pesadas, y mientras me informo del copyleft, o las obras libres de derechos que tanto afectan a cualquier creación artística, propongo un acercamiento a todo ello a partir de música libre.
Ahí, en la sección de electrónica he encontrado algunos ejemplos que podemos ir escuchando libremente mientras leemos. Hay bastantes más:
En EscalaNetlabel
En wifiblanes
En Overkillers

Moverse:
- a cámara lenta; - acrobáticamente; - a la deriva; - al unísono; - a tu aire, a mi aire; - a tus anchas, a mis anchas; - a paso de tortuga; - a pulso; - armónicamente; - a tientas; - a todo tren; - atropelladamente; - como un loco; - con cautela; - con decisión; - con fluidez; -con pasión; - con pies de plomo; - con soltura; - de puntillas; - desenfrenadamente; - a empujones; - a hurtadillas; - a medio gas; - a la desesperada; - a pasos agigantados; - a pecho descubierto; - a toda pastilla; - a trancas y barrancas; - codo con codo; - contra reloj; - contra viento y marea; - de buen grado; - de incógnito; - de puntillas; - de soslayo; - impaciente; - por mi propio pie, por tu propio pie; - por todo lo alto.

Movimiento-música:
- acompasado; - abrupto; - airoso; - ajetreado; - armónico; - beligerante; - brusco; - centrífugo; - circular; - compulsivo; - creciente; - grácil; - sostenido; - trepidante; - vibratorio; - vivo.
- contagiosa; - dejarse llevar; - desenfrenada; - exuberante; - frenética; - cadenciosa; - cálida; - envolvente; - penetrante; - vibrante; - electrónica.

Acercamiento, afluencia, agitación, ajetreo, andadura, ascenso, auge, aumento, bajada, bajón, brinco, caída, cambio, compás, danza, desarrollo, descenso, desviación, dinamismo, dirección, evolución, frenazo, fuga, garbeo, giro, huida, impulso, inercia, persecución, pirueta, progreso, quiebro, rapidez, regreso, retirada, ritmo, rodeo, rumbo, salida, trasiego, vaivén, velocidad, viaje.

Improvisación en Francia (Burdeos). David Lakein

2008-03-13T09:29:00.000-07:00

C O N T A C T I M P R O V I S A T I O N W O R K S H O P

with David Lakein

26 - 27 Apr ~ Bordeaux, France

This class will go off-roading in the contact hinterlands.

We will see how our duets benefit from the moments we are apart, rather than have these moments of separation undermine the richness and riskiness of our dance.

Which compositional tools support us to find inspiration from our solo expeditions’s flora and fauna, rather than be overwhelmed by them?

How can we move through moments when we feel "lost" in space and “empty” of ideas?

Cutting our way deeper into the improv bush, we'll hike into the muddiness of departure- and arrival-moments, seeing how we can discover <<>> in the midst of <<>>.

This workshop is suitable for both for beginners and more experienced contact practitioners.

Language : French & English

Dates

26.4 14:00-18:00

27.4 12:30-16:30

Price:

70 / 50 reduced for students & jobless.

You must pay 30 to guarantee your spot.

I M A G E – M A K I N G L A B O R A T O R Y

Advanced Workshop in Composition, Improvisation & Performance Skills

with David Lakein

28 Apr - 2 May ~ Bordeaux, France

In working with the elements of body/figure, movement/ action and setting/atmosphere, as well as voice/text and object/costume, we will gain a more nuanced and precise awareness of how they influence, and in which ways interact with each other. Various improvisational approaches and techniques will be introduced and researched, and serve as a critical aid in the initial generating of material.

We will explore the compositional tools available to us as we develop and refine our images. Addressing and further clarifying such issues as timing, location in space, and audience position, will enable us to make our images more visceral and intelligible, powerful and resonant. Our aim is to deepen our awareness of the choices we confront and options at our disposal during the different stages of the decision-making process, and in so doing, gain a greater degree of freedom and feeling of trust with our images.

The body and its position within an image will be investigated closely, as well as some essential performance skills. We will experiment with varied approaches to identifying and placing a specific physical quality in the body, so as to gain a wider-reaching and more multi-dimensional understanding of the sources of and complexities contained within our performance attitude. An important part of our research will be exploring the diverse textures and distinctive aspects of presence. Our investigations will include: whether there is such a thing as a neutral, disinvested body; the differences between “being” and “presenting”; how to draw, deflect, or defer the audience’s attention.

The laboratory will include site-specific work. We will spend time in the street and other locations in the city, in village squares and in nature in the countryside, as well as around the early-morning kitchen table and the late-night riverbank. We’ll discover similarities and differences between making images inside and outside the studio, be it in private and intimate or public and formal surroundings, letting our approaches and experiences in each influence and inform the other.

An essential aspect of the image-making process is developing an intuitive sense and considered understanding of when and how to ask relevant questions of ourselves and others. We will investigate how to approach asking for, receiving, and giving feedback, and how it can be organically integrated into the creation process. Writing will also form an important part of our experience, as a source for material, an aid in the compositional process, and a feedback form.

The laboratory is open to participants from all backgrounds (dance, theatre, mime, visual arts, photography, etc) and is suitable for both beginning and highly experienced image-makers.

There will be an informal public performance on the last day.

Language : French & English

Number limited to 18 participants.

Dates:

28-29.4 & 2.5 Bordeaux

30.4 & 1. 5 Nérigean (35 min. outside Bordeaux) www.jardindalice.fr

We will work 4 hrs / day in the studio, 3-4 hrs / day outside, and also sometimes in the evenings.

Price:

250 / 220 reduced for students and jobless > If paid before Apr. 7

300 / 270 reduced > If paid after Apr. 7

+ 8 / night for housing & 10 / day for shared cooking, in Nérigean

David Lakein (USA) is a Berlin-based Director-Choreographer, Performer, Teacher, and Writer.

He studied philososphy and theater in the United States, and dance and performance in Berlin and at the School for New Dance Development in Amsterdam.

David’s work swirls around the borders between dance, theatre, cabaret, and performance art and embraces the edge between the profoundly serious and ridiculously silly. He is the Artistic Director of the international artistic platform Paradogs Bay, and in the Organization Team of the Ponderosa TanzLand Festival.

Full CV & Photos : www.davidlakein.com

www.paradoxbay.org / www.paradogsbay.org / www.ponderosa-dance.de

Information & Registration:

Eric Ellul

+33 (0)6 712 721 33

performetanoia@yahoo.fr

En una España de debates...

2008-03-04T00:50:00.000-08:00

Mientras España sigue con la mirada la pelota que va de un campo a otro, mientras millones y millones de espectadores esperan los sondeos que dan porcentajes a la niña de Rajoy y al Buenas noches, buena suerte de Zapatero, mientras nos entretenemos con las disputas que esperábamos hace años de caras a caras no deportivos pero sí de un ejercicio de cancha ahogado, al límite, un ejercicio de resistencia que quema sus últimos cartuchos, que arrastra los reproches, los gráficos y las mentiras, la tomadura de pelo bipartidista por la mesa de una supuesta democracia, mientras la política es más espectáculo que nunca y por eso mismo, como cuando nos engancha un reality o una serie americana, nos sentamos con el sándwich y la mantita y el cigarro a mano para no levantarnos y observamos críticos, pero pasivos (la pasividad activa de la tele) y nos reímos de nuestros candidatos, y disfrutamos con los patinazos, la demagogia, lo incomprensible y sonreímos y nos indignamos porque sabemos que no somos tan borregos como ellos creen, pero seguimos aun así la pelota porque estamos entretenidos.... Mientras todo eso pasa, España se sigue moviendo. Mientras nos hacen creer como en otras ocasiones cuál es el centro de nuestros días, y al día siguiente seguimos levantándonos a cuestas con las cuentas bancarias silbando, las huelgas a flor de piel, la leche que se te acaba y que encima ha subido, en definitiva, la realidad a la que apelan estos dos monos de feria, de su propia feria, mientras todo eso sucede, hay otras realidades a las que nunca se referirán nuestros políticos. Esas realidades son las más personales, y menos mal que no se referirán a ellas, sólo faltaba, porque ahí sí tenemos libertad de acción. Mientras todo esto sucede, nosotros actuamos, somos protagonistas de otra historia, la nuestra, la de cada uno. Cada uno con su historieta, su movimiento personal, sus cosillas, como yo digo.
Mientras todo esto sucede y repaso los comentarios, noticias, artículos, sondeos, etc. de la prensa veo que lo que realmente me mueven son otras cosas. Me interesa la política, no estoy ajena porque formo parte de ella. Soy crítica y me gusta serlo y participar y enterarme, pero en mis Favoritos tengo otras etiquetas que me llevan por las otras cosas que me mueven más. Entre ellas, etiquetas de danza. Mientras que el mundo se mueve por arriba, en una atmósfera inalcanzable de popes y manipuladores disfrazados de representantes, que organizan nuestro mundo macro y micro, nosotros nos movemos en el suelo. La gente pisa los suelos de la ciudad sin escoltas y sin trajes de los Presupuestos, pisa los suelos, las baldosas, las aceras abiertas por las obras, pisamos ese asfalto que realmente es nuestro. Pisamos el suelo de la realidad, de la verdad no televisada. Lo pisamos y lo bailamos. La ciudad, la realidad son nuestras más de lo que pensamos. Y ellos no lo saben, que no lo sepan nunca. Sigamos haciéndolo cada vez más nuestro, a escondidas de sus porcentajes, sus corbatas y sus farsas. Sigamos bailando nuestra realidad. Porque, repito, por ahí estamos yendo por el camino de la libertad y de la inteligencia. Cada uno que baile su terreno, su suelo, con esas sus cosillas. Ahí nunca podrán entrar ellos. Y nosotros, inteligentes, podremos ver, valorar y juzgar todo ese circo, pero ellos nunca podrán valorar el terreno de nuestras cosillas, las reales.
Fotos de María. (Improvisación en la plaza de Tirso de Molina.)

Miguel Marín

2008-02-23T04:05:00.000-08:00

Ayer estuvimos en Caixa Forum. Concierto-proyecciones Travelling, de Miguel Marí n.
Un espacio que se prestaba poco para una música así, electrónica, ambient. Una música hipnótica, con ciertos ritmos y arreglos digitales, con un violín de calidad en directo que invitaban a estar tumbado en un sofá o en una sala de conciertos y no en esa disposición fría y distante de unos asientos propios de una sala de cine.
Aun así me quedo con ciertas composiciones que sugerían, me sugerían, mover el cuerpo al ritmo o fuera de él de ese preciosismo electrónico. Una electrónica delicada que Miguel Marín ya ha puesto no sólo en manos del cine, sino en manos de la danza, para la compañía Erre que Erre.

María no vino, las llaves la secuestraron. Mi María es un pájaro y no enjaulado como el del vídeo (titulado "María is a bird"). Por eso lo pego, porque la María pájaro tuvo que rescatar otras libertades, que no la suya que ya la tiene, y se perdió el concierto.
Para mi María libre.

Buen provecho

2008-02-15T01:43:00.000-08:00

Buen provecho... por lo que se puede aprovechar de las clases de Michelle, y buen provecho a todos los que vamos porque si masticamos todas sus propuestas y las saboreamos, haremos una digestión de reyes.
Ayer Michelle nos preguntaba con qué nos quedaríamos de la clase. No pude decir mucho; a mi acostumbrada timidez se sumaba que eran demasiadas cosas las que se me venían a la cabeza dignas de un buen provecho, de un gran banquete de danza.
No debe de ser fácil hacer una clase así de completa y que además llegue a los alumnos.
Pero aquí, refugiada tras el anonimato y la distancia de la pantalla y las teclas resumo algunas de las cosas que sin duda me pude llevar de la clase de ayer:
- Podemos improvisar sin ser siempre nosotros y nuestras habituales formas de movernos. En esta ocasión se trataba de desmembrarnos, de aflojar los plieges y los ángulos del cuerpo, por supuesto siempre controlando. Una pauta más de las que nos propone Michelle que nos ayuda a descubrir nuevos caminos.
- Me encanta la fuerza física que nos propone en ocasiones, ver nuestros límites y capacidad de aguante, nuestro fondo, nuestra confianza en que no tenemos por qué cansarnos por más que repitamos secuencias que cansan y agotan aparentemente. Podemos acelerar los ritmos, saltar, girar, y hacerlo repetidamente. Nuestras fuerzas parecen flaquear, pero si las ignoramos y nos buscamos cada vez que volvemos a hacerlo podemos transformar el cansancio y aburrimiento (no lo sentí en ningún momento) en aprendizaje y diversión.
- Para ello es imprescindible la respiración. No sólo haremos más bellos los movimientos, sino que llenaremos de aire los saltos, rentendremos los movimientos, o los contendremos, para dosificar las energías. Y así aguantaremos el tirón físico al mismo tiempo que le daremos fluidez y potencia.
- Observar a los compañeros. Entender su movimiento y buscarnos en él es una vía más de aprendizaje. Nos salimos así un poco más de nosotros mismos, cogemos la humildad necesaria y la admiración por el otro y, sin llegar a imitar, tomamos las sensaciones que los compañeros nos transmiten, lo que nos llega de ellos, lo que nos gusta. De nuevo, no estamos cómodos tal vez en lo que acostumbramos a hacer, pero es un reto más para nuestro camino en el crecimiento de la expresión y el movimiento.
- Las secuencias, ejercicios de pliés, diagonales y la coreografía, al final, todo ello conseguía el ovillo del hilo propuesto desde hace unos días. La idea de para ti para mí, la idea de hacia fuera y hacia dentro, el dinamismo junto con la dosificación y el relax, lo físico, la técnica y lo sugerente y más calmado. Los polos se encuentran en Michelle, porque no hay blancos o negros, sino un hilo que los conecta. Nosotros somos la rueca que debemos ir masticando su hilo propuesto.
- Mirar. Mirar con los ojos lo que nos rodea. Apuntar la mirada, una mirada real y no en babia, no dispersa, sino atenta, focalizando. Ayuda a ser conscientes de nuestro baile, de nuestra posición, de lo que estamos haciendo. Ayuda a darle verdad, sinceridad y a transmitir algo más que no sea sólo moverse. Al mirar establecemos una relación con el espacio y los elementos y tomamos consciencia de que realmente estamos en medio de ese todo que es la danza. Nos damos un lugar y nos dotamos de importancia o contundencia. Algo que los ojos transmiten.

Y ¿cómo podemos conseguir masticar y sacar provecho de ese hilo? ¿Cómo podemos llegar a un ovillo, coger esa lana casi virgen y transformarla en algo interesante? ¿Cómo nos llega todo eso?
La respuesta es tan sencilla como complicada. Hace unos días en una charla con ella quedaba clara la respuesta. Y es a través de la fascinación, la pasión por la danza.
Michelle nos entrega, nos ofrece sus armas por medio de la pasión y la fascinación (abierta a dejarse fascinar por lo que la danza de cada uno pueda ofrecerle, también) y nosotros las podemos recoger y amasar y masticar gracias a nuestra propia pasión, a nuestra propia fascinación.
Sin embargo, es curioso ver cómo cada uno tiene un camino en esa manifestación de la pasión por la danza. Si vamos a clases de danza contemporánea es porque nos fascina la danza, pero, cuando como espectadores vemos a los compañeros bailar, a veces nos preguntamos cómo es su lenguaje pasional. Es distinto; cada uno tiene el suyo y como Michelle debemos aceptar los modos de expresión de cada uno. Quizás los hay que aparentemente hacen sin sentir, sin dejarse llevar, simplemente hacen, y me pregunto si están sintiéndose tan fascinados como yo me siento. A veces lo dudo, a veces me inquieta ver falta de energía, de pasión en algunas ejecuciones. Pero luego pienso en la generosidad de Michelle, en su apertura de mente, en que a pesar de eso ella puede creer que todo depende de la forma de ser de cada uno, de su estado de ánimo. Y es cierto, bailamos como somos. Los hay que son más hacia fuera o más hacia dentro, más para ti o más para mí, más extrovertidos, los hay que se dejan llevar por los impulsos, por los momentos de pasión o los que controlan más sus propias sensaciones, los que no acaban de abrirse pero que buscan ese camino.
Los hay de todos los colores, pero estoy segura de que en estas clases, a pesar de algunos momentos de desesperación, ella y nosotros nos encontramos en ese motor, nos encontramos en ese punto: la fascinación por la danza.
Me gusta pensar que a las 19.30 dos días en semana, vidas tan distintas, tan completamente distintas, opuestas, complicadas, duras o simplemente vidas se encuentran gracias a un denominador común: la danza.

Improvisando a flor de piel. Bailando Madrid

2008-01-30T01:37:00.000-08:00

Fecha: 29 de enero de 2008
Lugar: Plaza de Tirso de Molina, Madrid
Motivo: cumpleaños de Michelle Man

Unas quince personas comienzan a ser imantadas por los cubos del mercado de flores, por las farolas, los bancos o la parada del metro. Comienzan las imágenes, aquello que ven los transeúntes, y comienzan las sensaciones de vivirlas, las que sentimos los participantes.
Hacer nuestro el espacio, el suelo, el mobiliario y las miradas ajenas y desconocidas; hacer nuestro lo inesperado, lo no pensado, lo nunca calculado.
Surgen miradas, y respiraciones con la escucha, para poder coreografiar nuestros cuerpos espontáneos, para dejarnos coger, seducir por alguien que llega y nos apoya su cadera, o nos cede una imagen, que recogemos con los dedos, los pies y los músculos.
Improvisar no es anarquía, es libertad de recepción; es abrir la mente que reside en los sentidos. Barajamos en cuestión de milésimas de segundo las posibilidades del cuerpo; confiamos en él porque cedemos al instinto del goce de bailar. No hay ataduras más que las de los límites que nos impongamos. Podemos hacer lo que queramos, pero sobre todo podemos dejarnos sorprender por nosotros mismos. Rodamos por un suelo que ahora es escenario, corremos y saltamos hacia un mobiliario hecho para la contemplación y el paseo; nos reímos de nuestras propias escenas; disfrutamos de un momento de complicidad o del tacto de un cariño bailado. Hacemos danza de lo inesperado. Danzamos el interior de los sentidos y el exterior urbano.
Y controlamos el cuerpo, e intentamos que con fuerza parezcan suaves las cogidas y los contactos. La mente abierta a cualquier opción y el cuerpo receptivo y activo en sus posibilidades.
La gente se para y mira, con las bolsas de la compra. Conseguimos arrancarles de la cotidianidad de la tarde, a pesar del frío y de la cena o los niños que les esperan; conseguimos que también ellos improvisen esa parada. Los hay que no se dejan, que siguen rápido el ritmo de sus pasos de ciudad, pero quienes se paran también abren sus mentes; buscan imágenes, sentidos, significados y, como nosotros, acaban cediendo a la seducción de lo inesperado.
Es danza contemporánea, y la danza contemporánea puede ser popular, porque como tantas otras cosas populares se mueve en el terreno de las sensaciones, del disfrute, del placer de los sentidos. Si nos dejamos llevar, si abrimos nuestras mentes veremos que de todo podemos aprender. Y es que el público es capaz de aprender y disfrutar de las sinceras imágenes que, a través de un placer, alguien le puede regalar.
Quisiera bailar Madrid; quisiera bailar los ojos de los madrileños, quisiera bailar lo que no está concebido para ser bailado y apropiarme de lo que también es mío y regalarle a la gente otras posibilidades que también son suyas.
Todo eso es acercarse a la libertad.

Teresa Nieto. De cabeza

2008-01-27T10:33:00.000-08:00

Con una fácil metáfora (un trampolín), Teresa nos muestra el sino de nuestras vidas, pero bailado. Lo conocemos porque cada uno lo ha vivido. Porque desde allí arriba, desde el trampolín, podemos observar, tirarnos y dejarnos coger, esperar a que pase alguien, un amor, y tirarnos a la piscina, e incluso tragar agua entonces, etc. La vida nos ofrece todo eso y mucho más y nosotros podemos tirarnos a ello de cabeza, sin miedos, porque de todo aprenderemos.
Buena pieza, muy atractiva, de la que espero poder tener más tiempo para escribir más en serio.
Destaco a Jesús Caramés, a Vanessa Medina y a Teresa Nieto. Están estupendos en esos diálogos de contemporáneo-flamenco. No parece una fusión, no, porque cuando hay fusión de disciplinas (algo muy típico actualmente) resultan forzadas la mayoría de las veces. No, es una convivencia pacífica, comunicativa, tolerante, hermosa, y, sobre todo, natural. A ella, a Teresa, le sale natural bailar así. Creo que no sabe bailar de otra forma que con el arte flamenco y las formas contemporáneas, o viceversa o ambas, da igual. Baila que da gusto. Además, su cuerpo sabe aprovechar el conocimiento y dominio de ambas disciplinas. Porque ella baila con los brazos más largos que he visto, y con los hombros. En contemporáneo se meten poco los hombros; Teresa los mete, son una parte más e importante, y le quedan tan bien...
He leído que dentro de poco se quedará detrás, como coreógrafa, salvo alguna colaboración. Es una pena. Hay mucho que aprender de cómo baila la Nieto.
Pego un vídeo de ella con Chevi Muraday y Carmen Werner en la calle. A. decía el otro día que estas grandes, estas con tanta experiencia, deberían dejarse de tonterías y juntarse, y darnos más placer a los ojos juntando el arte personal de cada una.

Erre que erre. Más diversión

2008-01-23T01:18:00.000-08:00

Ya me he descubierto aquí antes como defensora y admiradora de la compañía Erre que erre.
Del 29 al 31 de enero estarán en el Teatro Pradillo (hay entradas en Atrápalo más económicas).
Y digo más diversión, porque últimamente estamos asistiendo a una nueva tendencia. Los últimos espectáculos que he visto, no todos, pero bastantes de ellos, defienden una estética de la diversión. En épocas de crisis tal vez aflora la necesidad de reivindicar las cosas por las que queremos estar en este mundo, como por contradicción con la realidad que se nos ofrece. Por contraste tal vez descubrimos lo que deseamos y por eso el arte muchas veces refleja el subconsciente colectivo. Me alegro de que estemos dejando de lado ese dramatismo, esa insondable introspección, autocontemplación, análisis profundo, meditativo y melancólico en la danza contemporánea, conceptos por los que, por otro lado, se la conoce.
Bien, me parece bien que reivindiquemos lo frugal, lo satisfactorio sin llegar a la superficialidad, porque la profundidad de pensamientos no está reñida con sonreirle a la vida. Alegre de ver danza positiva y divertida en estos tiempos.
En fin, por todo ello, recomiendo encarecidamente este nuevo espectáculo llamado Escupir en el tiempo. Y transcribo unas palabras que ellos mismos dicen de su espectáculo. Dan ganas, no?

"No hay verdadera diversión sin el movimiento de las pasiones..."
"Nuestro anhelo es la apropiación de un tiempo que ahora no nos pertenece..."
"O el único secreto consiste en tratar de dilatar el tiempo de los momentos especiales, detenerse en algunos instantes, intentar divertirse, disfrutar los unos de los otros, conservar a los que quieres cerca..."

10 y 10. Lo k n ves n xst

2008-01-22T00:01:00.000-08:00

El domingo fuimos a ver la nueva pieza de 10 y 10, Lo que n ves n xst.
Algo de decepción. Esperaba más. La reseña completa en Danza Ballet.
En ella no he comentado que algunas partes de la coreografía me recordaban demasiado a otras de Pedro Berdayes, con las parejas interactuando y bailando sobre las sillas. Y, por otro lado, ciertos dibujos coreográficos, cierto humor... también me recuerdan a algunas piezas grupales de Provisional Danza, quienes son tan grandes en ese lenguaje.
Y aquí, como es un espacio personal, quiero darle un lugar a aquellos con los que he compartido escuela: Juanma y Mar. Enhorabuena chicos.
Vuelvo a colgar el vídeo de Hebras de mujer, con Dácil increíble. Recordar esa pieza me reafirma en la idea de que esta última pieza no es redonda como la de Hebras de mujer, y que incluso Dácil no se ha llegado a sí misma a la suela de sus zapatos.

Sorpresas en Fama. Muy fuerte

2008-01-19T01:56:00.000-08:00

Vaya con el reality Fama. Viéndolo me he fijado en uno de los bailarines. He reconocido técnica contemporánea y me he puesto a investigar. Cuál ha sido mi sorpresa al descubrir que estamos ante un buen bailarín de danza contemporánea, premio al bailarín sobresaliente en el Certamen Coreográfico de Madrid y en el 8Másdanza de Maspalomas. Además, ha trabajado, y sigue trabajando, para compañías como Patas Arriba y Otra Danza.
Curioso todo esto porque quisiera saber qué hace alguien con ese nivel y esa experiencia en un concurso televisivo de ese tipo. Su danza no es precisamente la que se busca en el programa, la que se enseña y se explota. Una trayectoria como la suya, además, parece incompatible con este tipo de cosas, que entre otras puede traer la consecuencia de quemar una carrera enfocada a la danza contemporánea seria.
Pero por otro lado podemos pensar que alguien como Juan Carlos Verdú busca ampliar conocimientos si es que consiguiera el premio (la beca en una escuela de danza) y además esto nos da más datos sobre la situación de los bailarines en España que, a pesar de tener un buen currículum y cualidades suficientes, no consigue el lugar que por todas esas aptitudes se merece. En cualqueir caso no creo que gane. Su estilo no es el buscado en el programa, y yo me alegraré por ello, porque así seguirá en el otro camino: en el de la danza y no en el televisivo.
Para justificar mi defensa de su nivel como bailarín pego unos vídeos. Ojo al primer vídeo, lo que dicen de él, y ojo a la conclusión que podemos sacar del nivel profesional de este bailarín.

¡Fluid, fluid, malditos!

2008-01-18T02:58:00.000-08:00

Fluir, dejarse llevar, soltarse avanzando en grandes (ser grande) desplazamientos, soltar los cuerpos y dejarlos fluir en las transiciones que los hacen disfrutar.
Ya lo he comentado antes, pero a veces necesitamos repetirnos las cosas, decirlas en alto o escribirlas en alto para que no se nos olviden.
Fluye ..., fluye... me dicen. Y me lo dicen cuando bailo, siempre me lo han dicho, y me lo dicen cuando vivo. Dejarse llevar. Vaya, es difícil; es difícil para alguien que no puede evitar perder cosas, caer o romperse en la fluidez del cuerpo y la mente. Tener todo controlado, el dominio de las cosas, de uno mismo. Ya pasó eso, tal vez porque pasaron de largo los miedos. Y ahora juego a buscarme en la improvisación, la de las cosas no controladas, no premeditadas, pero con ojos por todo el cuerpo, con ojos observadores del espacio, el tiempo y la gente. Siempre alerta, como un conejo, pero ya sin tensión, como un gato.
Soltar amarras cuando el control está en la seguridad interior es gustoso. Soltarte hacia lo imprevisto, hacia lo que desconoces de ti mismo y que te gusta descubrir o que te descubran, porque ya no tienes miedo de romperte, de caer, y si lo haces, si caes y te rompes, te ríes, te reconstruyes los pedacitos y sigues más grande.
¿Grande y con el pelo suelto? Puf, me cuesta verme en otro papel, porque me puede a veces la vergüenza, pero una vez pasada la barrera, la de la tontería, la de descubrir que nada es tan grave, te adentras a golpe de cabeza en las transiciones (a veces al límite -bien por experimentar los límites-) y descubres que en esas transiciones, en esos desplazamientos de una situación a otra está la madurez: la de la danza, la de la experiencia.
Nos agarramos con facilidad, porque es más seguro, a las pautas, a los horarios, a los ochos, a las normas. Lo que cuesta es dejarse llevar. Hemos sido enseñados para vivir en el miedo; el miedo a no ser correctos, a defraudar y defraudarnos, a no ser como debemos ser... Pero si somos sinceros, si nos sentimos sinceros podremos olvidar los miedos y ser más libres y no hará falta que nos digan que nos quitemos la coleta, o que nos recuerde un amigo que nos dejemos llevar por la vida, porque ya, seguros de esa madurez alcanzada, sabremos que dejarnos fluir será buscar el placer. Y si nos dieran a elegir entre el miedo y el placer, sabemos cuál sería el ganador.

Ángel González

2008-01-12T07:19:00.000-08:00

Ha muerto Ángel González, un gran poeta de las imágenes del amor y la vida.
Porque sus palabras bailan y porque aquí hasta hacen performance:

ESO ERA AMOR

Le comenté:
—Me entusiasman tus ojos.
Y ella dijo:
—¿Te gustan solos o con rimel?
—Grandes,
respondí sin dudar.
Y también sin dudar
me los dejó en un plato y se fue a tientas.

Comienzan las clases

2008-01-10T03:58:00.000-08:00

Por fin. Nunca he entendido por qué se interrumpen, como si fuéramos escolares los que vamos a ellas.
Pues sí, deseosa estaba de sudar, de bailar, de disfrutar.
Y tenemos nuevas clases, las de Sharon Fridman. No necesita mucha promoción porque por lo que vi ayer la clase estaba bastante llena, pero no está de más poner aquí su cartel.

Escena contemporánea

2008-01-10T02:45:00.000-08:00

El Festival Escena Contemporánea
del 28 de enero al 24 de febrero. Música, teatro, danza...
Mis recomendaciones con respecto a la danza:

- 29 y 31 de enero: Erre que Erre, "Escupir en el tiempo". Teatro Pradillo, 20:30. Sobre la diversión con el movimiento de las pasiones.
- 2, 3 y 5 de febrero: Provisional Danza, "El privilegio de morir". La Nave de Cambaleo, 21 h. Entre otras cosas, nos hablarán de poder escoger el destino libremente.
- 12 y 13 de febrero: El Centro de Artes Escénicas, "Yo cocino y él friega los platos". Pradillo, 20:30. Sobre la base de la música de John Cage.
- 14, 15, 16, 17, 19, 20, 21 de febrero: Juschka Weigel, con tres piezas. El Canto de la Cabra, 21 h.
- 16 y 17 de febrero: Club Guy & Roni, "Poetic Disasters". Cuarta Pared, 21 h. Sobre la teoría del caos.
- 21 y 22 de febrero: Membros. Casa de América, 20.30. Hip hop.
- 23 y 24: Senza Tempo, "La canción de Margarita". Cuarta Pared, 21 h. Sobre los recuerdos.
- 23 y 24: Ertza (Asier Zabaleta), "Elagujerodelavestruz". Pradillo, 20:30. Por el miedo se deja de lado lo que verdaderamente se quiere hacer.

Godard

2008-01-08T01:26:00.000-08:00

Porque a materiales le fascina J. L. Godard. Él fue quien me lo descubrió.
Porque Godard, entre otras cosas, ha hecho danzar a esos maravillosos personajes femeninos, llenos de ternura, carácter y sensualidad.
Como muestra, Une femme est une femme. En esta película se dice: "porque me gustaría vivir en una comedia musical". Y a materiales además le gustan los musicales.

Lo que nos faltaba: la televisión

2008-01-07T03:18:00.000-08:00

Fama. La serie sí que era grande. Han tomado el nombre y quieren hacer del programa una especie de serie de Fama en directo y real. Qué sacrilegio.
¿Qué me decís este nuevo reality de Cuatro, Fama?
Desde luego, no me he perdido los casting, he de reconocerlo.
Y no me perderé el programa. Si el mundo de la danza lo tenía difícil, si a los bailarines les costaba encontrar un sitio en este país, sólo faltaba que llegara el merchandising, las luces y los decorados de cartón piedra, el espectáculo más cutre y morboso que sólo busca arañar audiencias para devaluar aún más la visión que se le da a la danza en este país. Un programa que ha triunfado fuera, un programa a imagen y semejanza de OT, Supermodelo o Factor X, pero con serios problemas de consecución, de objetivos posiblemente no estudiados con antelación.
Para empezar, no está mal que triunfe en otros países ya que en ellos la danza goza de un mayor prestigio; hay más compañías de todos los estilos (clásico, contemporáneo...) y hay mayor apoyo del Estado para ellas, por lo que no sólo el público sabe lo que está viendo (no hay un engaño tan claro), sino que podría ser un lugar más para los bailarines y no "el lugar".
Desde el punto de vista de los programas de este tipo, no tengo muy claras ciertas cosas: no creo que consiga gran audiencia el ver en directo cómo se imparten o reciben unas clases de danza. Al menos unas verdaderas clases de danza. Aunque ya harán lo que sea para crear conflictos, ya harán todo lo posible por subir la audiencia; no lo dudo.
Por otra parte, se cae el objetivo de un programa así. En otros del estilo lo que ofrecen al ganador es una "carrera" en ese mundo; ya sea a partir de un disco de dudosa calidad o mandar como estandarte de la canción española a Eurovisión o al certamen internacional de modelos. Vale que esto no es garantía de nada, pero en la música, donde podemos escuchar bazofia sin entender cómo esa bazofia ha llegado a las listas de ventas, sí hay cabida desgraciadamente para todo, incluso para los que salen de estos realities. Pero no en la danza. En la danza el premio no podía ser ingresar en una gran compañía, de reconocimiento en España, porque ni hay tantas ni son tan reconocidas para el gran público ni por supuesto el estilo que se cultivará en la academia tiene nada que ver con la danza seria que hay en este país. No, les dan una beca para estudiar fuera, supuestamente en una prestigiosa academia. Ya veremos, por cierto. Bien, y ahí te las apañes, bueno, pues como la mitad de los buenos bailarines que se las apañan en el extranjero y que son ochocientas mil veces mejores que éstos y ahí están luchando sin conseguir lo que quieren. ¿Por qué? Porque la danza no está como tiene que estar, o no es como tiene que ser. Es una oportunidad, sí, pudiera ser, pero peor que entrar en el conservatorio, que es igual de gratuito y encima no expones ante miles de personas las miserias que en esta televisión sacarán de ti. (Y dejemos de lado la ilusión de quien realmente se expresa bailando y cree que ésta es su gran oportunidad...)
Y luego está lo que te venden, un engaño siempre que venga de la televisión, vale, contamos con ello, porque no es precisamente la calidad lo que se persigue aunque te lo vendan así. Pero a mí me toca más porque entiendo de danza o me importa más que lo que hagan con la música. La calidad sinceramente es dudosa desde el momento en que los profesores son expertos en coreografías televisivas y poco más. Los seleccionados ya cumplen un perfil: no tener gran experiencia, aunque quizás con ciertas aptitudes de las que poder sacar un progreso, y, sobre todo, poseer unos caracteres concretos que al encontrarse con las normas del programa u otros compañeros saquen a flote el espectáculo buscado. Los hay guapos, que se sabe que se ganarán por ello el apoyo de un público que se gastará los dineros en votar vía mensaje, los hay graciosos y entrañables, están los típicos por los que nadie apostaría, bien hecho, claro, para crear expectación de qué coños hace ése ahí si no sabe bailar o no tiene cuerpo para ello o, o, o. Pero no es un casting digno como no lo son los profesionales para lo digna, seria y dura que es la danza en la realidad.
Puf, y luego están los estilos. Sólo hay un patrón y por eso se han quedado fuera los formados en contemporáneo, clásico o flamenco. Es el patrón funky, hiphopero. El que vende, ¿no? Imagino que es lo que creen, pero ahora esto lo venden como una academia de danza multidisciplinar, y en España la gente es muy ignorante y se afianzarán ideas que el público ya tiene sobre ella, sobre la danza. Este tipo de danza es una más, no le quito importancia, pero no es "la" danza de la que extraer un supuesto programa de estudios. ¿Y es la que vende? Pues quizás no, quizás los otros estilos también venderían si se conocieran, los de calidad; la clásica, contemporánea y flamenco de calidad sé que venderían, pero ¿qué podemos pedir de un programa de televisión? Nada serio, imagino. Y el Ullate dentro..., junto a profesores como Marbelys que hace unos giros de morirte pero que confunde el lírico con el contemporáneo. ¿Alguien me lo puede explicar?
Y concluyo diciendo que para mí una de las partes más interesantes de la danza es precisamente la pedagogía, las clases. La educación es un mundo, es un gran mundo en el que no sólo se aprende técnica y se memorizan coreografías. Es mucho más. Y siempre me ha gustado ser observadora de ellas, porque también se aprende y disfruta. Y aquí estoy segura de que se cargarán el peso del significado de una buena clase de danza.
Aun así, lo veré, miraré atentamente esas clases y galas, porque a pesar de todo, no puedo evitarlo, se me escapan los pies...

Cita en Barcelona: TUNE (Travelling School)

2008-01-07T02:00:00.000-08:00

Shahar Dor y Guy Aloni me han hecho llegar la siguiente información.
TUNE es un proyecto internacional e intercultural que invita a artistas de todo el mundo durante diez días a explorar el arte de la improvisación, en una investigación del movimiento y la libertad creativa, usando el escenario, el espacio y la imagen.
El encuentro consistirá en clases técnicas, clases de exploración y dos actuaciones.

Del 15 al 24 de marzo
Escuela de danza AREA de Barcelona
Precio: 400 euros.

Información:
www.movimiento-bcn.org/tune
tune@movimiento-bcn.org
tune@artness.org

Esta foto que pego abajo es del taller que hizo Shahr en la escuela de circo Carampa:

Sharon Fridman

2007-12-07T08:13:00.000-08:00

Vaya, vaya, ya tenemos a "nuestro" Sharon en el portal danza.es
Su referencia biográfica queda escasa, ya que entre otras cosas se han olvidado de mencionar su última quimera: el Certamen Coreográfico de Madrid.
Bueno, poco a poco... Ya tienes el hueco merecido en diversos medios y que se hará cada vez más grande.
Enhorabuena, Sharon.

Shahar en la escuela de circo Carampa

2007-12-07T08:06:00.001-08:00

Estos días está impartiendo Shahar Dor, de quien ya he hablado en este blog, un intensivo de solo improvisación.
El curso ha tenido una acogida que no extraña. Se han abierto fronteras, porque los alumnos no llegan sólo de Madrid, sino también de fuera y del abanico abierto, multidisciplinar y tan rico que es la danza contemporánea y las artes que con ella se relacionan.
Me lo estoy perdiendo. Ahora mismo posiblemente Shahar susurre sus ideas de arte, transmita con ojos y manos la sutileza de la creación, o puede que ya mismo los alumnos estén dando rienda suelta a su interior. Espero que no lo escondan, sino que lo pongan en sus propias manos para, una vez fuera, lo disfruten y lo engrandezcan.

Al día con Provisional Danza

2007-12-07T08:01:00.000-08:00

Ya está Tatiana en Provisional. Estaba hace meses, pero ahora, creo que por primera vez, empezará a aparecer en las próximas piezas. Una más de la cantera de Carmen Senra. Creo que no nos defraudará. Buena adquisición.

Dos menciones importantes (la Werner y el Certamen)

2007-12-01T01:40:00.000-08:00

- Carmen Werner ganó merecidamente el Premio Nacional de Danza 2007. Ya era hora.

- Pisando Ovos ganadores del Certamen Coreográfico de Madrid. Muy de acuerdo, transmiten muchísimo con una pieza (extracto) en la que realmente no bailan.
Sharon Fridman era el ganador para todo el mundo. De hecho, se llevó tres premios, entre ellos el del público, y parte del segundo y tercero que este año inexplicablemente juntaron para dárselo a tres compañías. Me alegro muchísimo por Sharon. Su pieza lo merece y me siento orgullosa de haber sido coreografiada por él.

Denuncias en la danza contemporánea

2007-11-04T03:41:00.000-08:00

Vivimos un momento difícil de la historia. Nos estamos acostumbrando a la violencia, a la humillación, al dolor humano, al deterioro de la tierra... Tal vez por eso, porque nos hemos acostumbrado y vivimos ese mal humano como propio y natural, hace tiempo que en el arte levantan la voz los creadores para recordarnos que algo estamos haciendo mal, para denunciar y hacernos reflexionar... Continuación
Les Ballets C de la B (Import Export), Akram Khan (Zero Degrees) y Sidi Larbi Cherkaoui (Myth) nos han traído al Festival de Otoño esa protesta sobre un mundo y un hombre destructivos que está creando el ser humano.

Myth no entra en la reseña que he hecho en Danza Ballet, pero tendré que hablar de esa pieza en algún momento. Merece la pena.

Kathak

2007-10-28T01:59:00.000-07:00

Y éste es un vídeo del kathak, técnica milenaria de la India que Akram Khan fusiona con la danza contemporánea. De ahí los brazos, giros y manos y dedos, incluso los "taconeos" de pies descalzos que vemos tanto en él como en Sidi Larbi.

Zero Degrees

2007-10-28T01:36:00.000-07:00

Lo habéis visto, seguro. Akram Khan y Les Ballets C. de la B.
Ya enlazaré a mi comentario en Danza Ballet, pero de momento quería recordarlo con un vídeo.
Aquí puedo comentar aquello que no haré en el artículo. Me vinieron muchas cosas a la cabeza cuando lo vi. Una de ellas fue que al ver a Akram bailar pensé en cuál es el prototipo de bailarín. Vemos a un bailarín no muy alto, musculado, fibroso, que incluso a veces da la sensación de ser algo compacto. Sidi sin embargo está más suelto. Tiene ese físico y esa forma de moverse fluidos. Akram es más duro. Y sin embargo levanta teatros y gusta. Es enérgico, rápido, muy rápido. Sí, es flexible, pero al mismo tiempo es duro.
Tal vez me reconozca, salvando las kilométricas distancias, en él. Yo soy dura, agarrotada y rígida a veces, tengo menos flexibilidad que los demás bailarines. Y si algo bueno tengo es que soy enérgica. No me cuestan los ritmos rápidos porque me llevo bien con los retos y con mi cuerpo, salvo cuando se trata de abrirlo de par en par. Eso no basta, pero Akram demuestra que el bailarín físico puede transmitir fluidez sin ser fluido del todo, puede transmitir pasión mediante la energía y la ambición del cuerpo, la fortaleza y armonía de un físico generoso.

UniCo y la danza

2007-10-28T01:15:00.000-07:00

Como sabéis muchos, soy correctora, editora y chica de las labores del lenguaje, en general. Pertenezco a la Unión de Correctores (UniCo). Luchamos por el reconocimiento de nuestro trabajo, algo difícil. Pero UniCo está llegando lejos. Para ello se les ocurrió convocar una gincana de erratas, que conmemorara el día del corrector (27 de octubre). Un safari, cámara en mano. Los correctores han recorrido las calles y han fotografiado esos carteles que a todos nos han sorprendido alguna vez, carteles con las patadas más imposibles a la lengua. Y lo han recogido los medios, El País entre otros. Entre las fotos he encontrado una de la ciudad de la danza. Vale que lo que en ella aparece son sólo errores de puntuación, algo superfluo para más de la mitad de la ciudadanía, pero a nuestros ojos es no sólo un grave error de escritura sino algo hasta difícil de hacer.
De nuevo puedo conjugar mis dos placeres: la danza y el lenguaje.

Los hombres también mueven paredes

2007-09-29T01:17:00.000-07:00

Viendo la gira que tiene programada Provisional, me encuentro que representan todavía Los hombres también mueven paredes.
Y allí vemos a unos jóvenes Rebeca Falcón, Mónica García, Marta Izquierdo, Joaquín López y Nicolas Rambaud, entre otros.
Provisional, gran cantera de grandes.

40 Tipos de vodka. Provisional Danza

2007-09-29T00:45:00.000-07:00

No me puedo esperar a mí misma. No puedo esperar a escribir lo que tengo previsto sobre ellos, sobre las piezas que he visto estos días.
Me he dicho: pues aunque sea me adelanto a mí misma y pego el vídeo de lo que vi ayer. Por cierto, el vídeo no hace justicia a la pieza.
Me encantó y ahora no quiero dar argumentos. Disfruté de la estética de la diversión y de mucho más.
Y pego también la definición de Paloma Calle:

En "40 tipos de vodka" se habla de escapar de la ansiedad mediante la búsqueda del placer.
Se habla de la fragilidad de las personas frente al sistema.
Se habla de caer en la dinámica de la inercia.
Se habla de hacer lo que a uno le de la gana y de hacer cosas sin saber por qué.
Se fuma, se bebe, se baila, se canta, se reza, se folla...

Y también se habla.

Y unos pequeños apuntes sobre los bailarines:
Carmen, Laura y Manuel como siempre fantásticos. Manuel borda los monólogos absurdos, además. Buenísimos, qué voy a decir que no sepamos.
Vicky está increíble. Se come el escenario. Eso es técnica, presencia, sensualidad, transmitir... Eso es una bailarina.
Josué e Igor son los "nuevos". Aún se les nota. Josué ha mejorado mucho. Creo que ha sabido aprovechar la fluidez de las clases de Ángela. A ratos le sigue faltando plié, pero va muy bien. A Igor no sé por qué no se le ve mucho. Y lo que sí se le ve es mirar de reojillo de vez en cuando. Además, a los dos les falta esa actitud y presencia natural, segura e imponente que tienen los demás.
Buen trabajo también el de la dirección artística de Daniel Abreu.

Pero lo que sí merece todo tipo de comentarios es la coreografía que ha hecho Carmen. Muy muy buena. Y ya daré argumentos en Danza Ballet.

Todavía se puede ver esta pieza hasta el domingo 30 en la Cuarta Pared. Merece la pena.

Volumeni in Movimentum. Michelle Man and Friends

2007-09-19T23:48:00.000-07:00

Una cita: 1 de octubre a las 12:00 o a las 20:00 y 4 de octubre a la 13:00 o a las 18:30.
Biblioteca del Colegio de Arquitectos (C/Barquillo 12).

Un recorrido coreográfico “en silencio” donde vitalizamos el espacio a través del dialogo con los fondos antiguos de la biblioteca, la danza contemporánea y un publico móvil.

Un espacio inesperado, una biblioteca, silencio y unos cuerpos que dan volumen a todo ello.
Una coreografía que se inspira en los tratados de geometría y arquitectura, las perspectivas, y que puesta en un lugar así ofrece los puntos de vista que se quieran escoger. Un espacio transformado y cambiante por las energías y los sonidos propios de los cuerpos en movimiento.

Michelle Man coreografía y dirige esta pieza que no nos podemos perder. Una pieza en colaboración con Elena Pérez Garrigues.

Perspectivas nuevas para la danza.

Suspender

2007-09-12T23:28:00.000-07:00

Cuando busco fotos y vídeos, a veces reconozco sensaciones y técnicas. Por eso creo fundamental la fotografía para la danza.

Esta vez estas fotografías me han llevado a pensar en las suspensiones.
Podemos bailar una frase, una coreografía dada bien, digamos. Podemos hacerlo según se nos indica o interpretando a nuestra manera lo que se nos propone. Sin embargo, como otras veces he dicho, no se trata de hacerlo bien, correcto, sino de hacerlo atrayente, encantador, y sobre todo sorprendente. A veces nos sorprendemos con la ejecución de ciertos bailarines. Tal vez no lo analicemos, pero en muchas ocasiones esa sorpresa o excitación que nos provocan se debe a que su ejecución es rítmica (es decir, con cambios de ritmo) y con suspensiones.
Al hilo recuerdo una frase que alguien dijo hace poco en un espectáculo nuestro: "Algo pasa entre el cuerpo y el espacio". Y las suspensiones son una manera de expresar ese algo. Desafiamos el espacio y el tiempo. Si realizamos un salto y conseguimos suspenderlo en el aire al menos un segundo, estamos parando el tiempo y abarcando un espacio que no sólo está para recorrerlo sino para abarcarlo y apropiarnos de él.
En contemporáneo, del mismo modo, las caídas al suelo pueden suspenderse en ocasiones. Podemos caer como un plomo, pero también podemos arrañar un segundo a la frase, alargar el tiempo y rellenar el espacio que ocupa nuestro cuerpo hasta que estamos en el suelo.
Estas creaciones de suspensión añaden algo a nuestra danza que no se espera, porque lo que transmitimos es que desafiamos nuestros alrededores y no sólo ejecutamos con virtuosismo. Desafiamos los límites de nuestro cuerpo y de lo que le rodea, sean los tiempos, las cuentas, el ritmo, el espacio o la potencia física.
Experimentarlo, si lo conseguimos, nos da placer. Nos vemos "volar" como en un ay sin respiro. Es algo así; es como mantener el aire, aguantar la respiración, retener nuestro cuerpo, pero que al mismo tiempo parezca que le estamos dando una libertad aérea.
Este tipo de cosas son las que distinguen las buenas ejecuciones de las increíbles. Algo increíble es algo que no esperas, es algo que está desafiando las posibilidades de la realidad, en este caso físicas, y digo físicas en el sentido más literal: somos un cuerpo en un espacio, en un tiempo, rodeado de otros elementos. Y con todo ello nos relacionamos.
Suspender y suspenderse es hacer física o desafiarla. Porque si algo pasa ahí, entre el cuerpo y el espacio-tiempo, sólo tenemos que pensarlo, proponérnoslo y conseguiremos, tras investigar en qué es ese algo, darle al cuerpo las armas que tiene para desafiarlo.

Butoh

2007-09-09T03:59:00.000-07:00

Pego el enlace a El País Semanal de hoy. Un artículo de Roger Salas sobre Kazuo Oono.
Y cito a Salas: "buscar sobre la no-acción una esencia en el movimiento".
Y Kazuo: "lo que importa es una esencia que se transmite".

Yo añado que si bien la danza butoh es un arte complicado que cuesta comprender, y que, como bien dice Salas, está muy ligada a la concepción de la muerte o a la consciencia de ella, hay algo que me interesa. Algo que puede tener mucho jugo si consiguiéramos entender del todo el butoh. Y es además algo a lo que me he referido en otras ocasiones (Teatro del Silencio) porque siempre me ha atraído: la belleza de lo grotesco, lo feo, lo deforme, el mal... Veo interesante indagar en por qué en diversas culturas y diferentes expresiones artísticas (pintura, literatura, teatro, danza...), el hombre se ha visto atraído por esa parte fea de su esencia.

Kathleen Hermesdorf. Lujo animal

2007-09-09T01:31:00.000-07:00

Kathleen es un animal. No sé cuál. Tiene que ser un animal enérgico, fibroso, vital y activo.
Su danza propone caminos nuevos. Propone el camino de la fuerza física que toma forma a través del desahogo, de la liberación del cuerpo, un cuerpo muy preparado. Con ella gritamos, gesticulamos, saltamos, rodamos y vivimos el release más físico. Rápidos movimientos entrecortados, pero que generan secuencias muy bailadas, rítmicas, plagadas de imágenes difíciles de alcanzar. La música ayuda. Es una música también animal, una música que tira de tu adrenalina y ayuda en las secuencias rítmicas.
Pero verla a ella es otra cosa. Cuando proponía los ejercicios parecían fáciles, porque ella los lleva dentro, porque ella es así de vigorosa y enérgica como su danza.
Además de las clases pudimos ver dos piezas en las que aparecía majestuosa y bella. Ese cuerpo musculado y flexible se vio enriquecido por una actitud poderosa en la improvisación que se marcaron Shara Shelton, Stephanie Mhaer, Francesca Scaroni y Shahar Dor. Pongo el principio de la impro que grabé allí. Ella, la de verde, atrapaba las miradas.
En otra ocasión pudimos ver una pieza increíble junto con Francesca (Inspirare de Shara Shelton). Ayudadas de una vestimenta masculina y grandes dosis de harina sobre el escenario (maravillosa aula de Ponderosa que aparece en el vídeo de la impro), su energía no quedaba en su cuerpo ni en el espacio que generaba en los contact con Francesca, sino que llegaba a las primeras filas. Conseguía que quisiéramos salir hasta ella y dejarnos manipular por ese cuerpo animal para rebozarnos bailando en la harina. Pieza de la que pongo también un fragmento que aparece en youtube.
Por último, he encontrado un vídeo reciente que muestra algunos de sus ejercicios en clase. En él se puede ver que, además de todo lo dicho anteriormente, hace un gran uso del espacio. Desplazamientos, semiencuentros y ritmos entrecortados. Una energía que en este caso los alumnos no consiguen alcanzar. Es difícil acercarse a un nivel como el de Kathleen. (Aún no se puede colgar.)

Todo un lujo, Kathleen. El lujo animal.

Septiembre

2007-09-07T00:32:00.000-07:00

Septiembre creo que es el peor mes del año. Justo después de mi cumpleaños, es el tiempo en el que había que volver al cole, cuando acaba el calorcito y empiezan las lluvias y el frío que tan poco me gustan. Septiembre tiene ese aire de responsabilidad. Supone conectarte con la vida real, con las obligaciones, las responsabilidades, aunque no te hayas ido a ningún sitio o no hayas tenido vacaciones. Por eso la gente se empeña cada septiembre en ir al gimnasio y aprender inglés. Ilusos, es porque es septiembre, ya se pasará.
Sin embargo, septiembre tiene otras cosas buenas. Además de recibir clases de danza, empiezan los festivales, empiezan los espectáculos. Tantos que la agenda tiembla y el bolsillo, por supuesto. Pero eso significa que en septiembre, a pesar de que bajen las temperaturas, de que anochezca antes de que me termine la cerveza, empieza el movimiento. Otro tipo de movimiento, pero también necesario.

Así que tenemos de momento que arrancar con esta agenda que seguirá hinchándose en otoño, y lo hacemos con Territorio Danza (Sala Cuarta Pared), del 17 de septiembre al 13 de octubre.
Y en él recomiendo:

- Vitrinas de la compañía Lapsus Dansa (18 y 19 de septiembre).
- Noches de solos de Provisional Danza (21-23 de septiembre); Noches de dúo (25 y 26 de septiembre); Noches de todos (28-30 de septiembre).

Y por supuesto está la Noche en Blanco (22 de septiembre), de la que ya hablaré cuando consiga ver un programa decente.

Disfrutemos de las cosas buenas que tiene abandonar el verano.

Silent Screen/Bella figura

2007-09-06T10:12:00.000-07:00

Definitivamente no voy a ir a verlo. Pero al final la cuestión temporal es la que pesa. Tengo poco margen para organizar mi trabajo e ir al Real.
Así que pego algunas fotos que merecen la pena, del portal danza-eter.

Lo de siempre

2007-09-04T23:43:00.000-07:00

Ayer paseaba por la plaza de Oriente y de repente veo un cartel en el Teatro Real. Sí, efectivamente, desde hoy está el Nederlands Dans Theater representando Bella figura. De esta pieza es la imagen del cartel. Lo primero que pensé: "mierda, esta obra la quiero ver, pero es en el Teatro Real"... Veo la programación y era cierto que del Teatro Real poco se podía esperar. Los precios evidentemente son altos, o por lo menos para esta obra no hay menos de 18 euros y en la picorota más absoluta. Me hace mucha gracia cuando escucho que este teatro tiene precios adsequibles. Claro, depende de para qué y lugar del teatro. Lo peor de todo es que está programada sólo para cuatro días. Eso imagino que incrementa el precio, además de ser un espectáculo importante. Si se programa algo sólo cuatro días, hay que sacarle el mayor partido. En fin, irán los de siempre, imagino.
Yo aún dudo si ir o no porque me gustaría mucho ver esta pieza.
Muestra de ello es que ya hice un post sobre ella y Jirí Kylian el 21 de enero de 2007. Pero vuelvo a poner el vídeo para los que no puedan ir a ver la pieza. El Teatro Real te pone muy fácil no ir.

5.ª Muestra de circo, teatro y música “A pie de calle” (Lavapiés/La Latina)

2007-08-29T00:45:00.000-07:00

Del 7 al 15 de agosto tuvo lugar de nuevo este acontecimiento urbano.

La Asociación Cultural Nuevas Tendencias junto con Lo Máximo organizaron como cada año una muestra del panorama callejero internacional de circo, teatro, música y, por primera vez, danza.

La popular zona de Lavapiés y La Latina vistió sus calles de algo más que cañas, minis, vinitos y tapas. Quien lo vive y lo frecuenta sabe de su tan nombrada multiculturalidad, su mezcla de ambientes y gentes. Pero este barrio madrileño es mucho más que todo eso. Es un perfecto enclave en el que se concentran la tradición, el Madrid más costumbrista, la modernidad y, sobre todo, la iniciativa de nuevas tendencias culturales. Esta muestra es un buen reflejo de ello. Como ellos mismos dicen, impasibles al desaliento, a base de positivismo y buen humor, consiguen, a pesar de las trabas del Ayuntamiento y con ninguna ayuda más que la de la energía, el entusiasmo y el bolsillo de los bares de la zona y de ellos mismos, que la cultura callejera tome entidad. Ellos hacen de Madrid un lugar abierto al ciudadano, el cual participa de los espectáculos, la música, el baile y la bebida de las barras. Las emblemáticas calles son arte y diversión, una diversión que transmiten ellos los primeros, los organizadores. Las sonrisas y predisposición a todo, de nombres como Elena o Malena, dedicación y entrega para que todo salga bien y como los artistas desean, etc. son la primera puerta que quien en esta muestra participa ve abierta y tras la cual sólo hay confianza, ganas y generosidad.

Números de teatro-circo de Francia (Scénes de Meninges) o del mismo Madrid, la Niña Terremoto, pasando por los grandes La Mano Jueves, que hicieron del mundo laboral un mundo de personajes tiernos y realmente divertidos (Jose-profesor de tenis me subió al escenario y entre vergüenzas y carcajadas me encandiló), o el Payaso Incandescente nos hicieron reír sentados sobre los adoquines de representativas calles como Olivar o Lavapiés, del 7 al 10 de agosto.

A partir del sábado 11 nos trasladamos a la plaza de los Carros. La música de la Cornelius Big Band, las acrobacias estéticas de Chimichurri o la salada Circonchita son sólo una muestra. Venían de Málaga, Italia, Extremadura o Argentina. Venían para seguir engalanando las calles de arte y gracia. Y por primera vez, y esperemos que este nuevo plato en el menú de “A pie de calle” se repita todos los años, hubo danza contemporánea (Fugapiés -nosotros-). Quienes participamos en este número no sólo vivimos este festival mientras duraba la actuación. El festival se saboreaba desde el momento en que se ponen en contacto contigo, y después allí cuando te consultan sobre la instalación de los medios escénicos. Están a tu disposición, a disposición de tu arte.

Te das a un público diverso, un público joven, pero también mayor, también un público al que le llegan los números a su lugar de reposo, porque siempre se sienta en esa plaza a beber vino desde hace años, un público más entrenado en las artes del consumismo o un público extranjero, o aquel que baja a hacer recados y se encuentra contigo. Todo esto consigue “A pie de calle”. Consigue meterse en las callejuelas y los edificios más antiguos, en las plazas de mayor solera y acercar a la gente a la verdadera diversión. La diversión de descubrir lo nuevo e inesperado en tu querido barrio.

Quienes lo vivimos desde un lado u otro de la escena sentimos la indignación de que este proyecto no tenga el apoyo merecido, pero, al mismo tiempo, la alegría de que se sostenga, y de esta manera tan digna y hermosa, gracias a la colaboración y participación de tanta gente que cree en el arte, pero que ante todo cree en el barrio.

Y, sí, allí estuvimos y bailamos y quedó bonito y gustó y lo disfrutamos...

Shahar Dor. Filosofía necesaria

2007-08-28T08:20:00.000-07:00

Conocimos a Shahar en julio, en el Ponderosa Tanzland Festival (Alemania). En este festival formativo de danza contemporánea, este multidisciplinar israelí nos ofreció su visión del mundo creativo en el curso de Solo Improvisational Performance.

Hombre pausado, de habla calma y profunda, transmitía con la palabra en qué consiste expresar. Se trata de trabajar desde dentro, escuchándonos a nosotros mismos, a nuestro cuerpo y sus alrededores. Cuando nos escuchamos surge la sincera creatividad. Cuando creamos, ampliamos el vocabulario de nuestro cuerpo y nuestra presencia se vuelve contundente porque nos la creemos. No basta la técnica. Cualquier artista escénico puede agarrarse a ella y dejar de lado la voluntad de hacerse preguntas, explorar y transformar su mente. Su enseñanza y trabajos están basados en la creación de una imagen espontánea, a través de la cual se puede expresar el humor, la sensibilidad y la libertad del funcionamiento espontáneo de los aspectos comunicativos. A partir de esa imagen o gesto se puede crear una acción y esa acción provoca una experiencia, la que siente el artista y la que al mismo tiempo recibe el público.

A través de la intuición podemos crear un espacio dinámico en el que el movimiento resulte algo no visto y un tiempo en el que puedan ocurrir todas las historias imprevistas.

Las intenciones artísticas se perciben en el momento del acto porque son sinceras y veraces, porque nacen del silencio del corazón del artista que medita y siente.

Shahar ofrece una filosofía del performer, aparentemente complicada, pero cuando habla sugiere y transmite con sencillez ese ambiente propicio para la creación y la transmisión de imágenes sinceras.

Todo artista que se ofrece ante un público se está abriendo y entregando. Pero no sólo entrega su técnica aprendida y ensayada, sino que debe tener presente el camino de la expresión. Un artista debe tener confianza en su base técnica y profundizar en estas otras fases de la creación para así sentir en escena y, por tanto, hacer sentir al espectador algo más de lo que acostumbra a ver.

Podemos buscar e indagar en nosotros mismos y con esa confianza darnos con generosidad y dejarnos llevar por nuestras expresiones más profundas.

Tal vez tengamos la posibilidad algún día de que Shahar nos transmita con sus propias palabras y ejercicios las propuestas de este camino de indagación. Cualquier artista, cualquier bailarín, cualquier actor sabría aprovecharlo, disfrutarlo y aprender de ello para que sus creaciones se vieran enriquecidas al máximo.

5.ª Muestra A pie de calle (Fugapiés)

2007-08-16T03:15:00.001-07:00

Gracias

2007-07-28T02:25:00.001-07:00

Gracias a los que me leen, a los que me sujetan, a los que me abrazan, a los que me llaman, me escriben, me observan, a los que siendo ellos mismos me ayudan...
Gracias a los que me quieren.

Sin título

2007-07-26T00:24:00.001-07:00

Recurro a esta foto de una coreografía de Mats Ek.
Recurro porque me he escurrido, me he escapado entre sus brazos y no me he agarrado como se agarra la bailarina a él. No, porque se nos han escapado los seis años entre los brazos. Los tengo, esos años, en los dedos, aún los siento.
No hemos sabido sujetarnos como lo necesitábamos.
Y yo necesito. Ahora le necesito a él, pero necesito otra cosa para no querer escurrirme, para no querer zafarme de él.
Se están amando en la foto y se están moviendo, hay energía. Yo tengo energía, pero no sé si suficiente para él. Me ha faltado ese movimiento, ese agarrarse con convicción porque quieres estar al cien por cien.
Me han faltado cosas que ahora no sé si se pueden recuperar.
Pero sé que le quiero. Y que le quiero abrazar.
Lo sé.

Próximos contenidos: Ponderosa Tanzland Festival

2007-07-16T00:00:00.000-07:00

Ya estamos de vuelta, desgraciadamente.
Se me agolpan las ideas, tengo mucho que decir, quiero recordar lo aprendido y vivido, lo bueno y lo malo, todo lo que me permitan los huecos de la realidad.
Por eso, me propongo y propongo un índice de contenidos sobre estos días:

- Recomendaciones de actividades futuras relacionadas con profesores y miembros del festival (David Lakein, Shahar Dor, Impulstanz, Kathleen Hermesdorf, Stephanie Maher...).
- Monográficos sobre los profesores del festival que más me han aportado (Kathleen y Shahar).
- El festival en sí (impresiones, ambiente, la organización, proyecto social, gente, sensaciones, caracteres, culturas, críticas, etc.).
- Las performances allí vistas (Bruno Caverna y Ricardo de Paulo, improvisaciones, Shahar, Kathleen, Stephanie, David, Johanna, Jessy, Ayara, Sara Shelton, María Francesca, etc.).
- Mis sensaciones, mi visión, mis fotos, mi gente.
- etc.
- Propuesta de un espacio abierto de debate para quien quiera aportar sobre lo allí vivido, lo que pudo ser, lo que ha sido, lo que faltó, lo que nos trajimos, lo que dejamos allí, y todo lo que sintamos.
Si alguien quiere opinar en cualquier otra lengua que lo haga. Los recursos de Internet nos permiten traducirlo todo. Que por escrito al menos el idioma no vuelva a ser un impedimento para intercambiar impresiones...

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